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martedì 30 marzo 2021

Dark Awake – Hekateion

#PER CHI AMA: Dark/Ambient/Neofolk
A cominciare dalla sua immagine di copertina, 'Hekateion', full length del 2020 dei Dark Awake, è un'opera che richiede decisamente un ascolto impegnato. Si propone sin da subito come un lavoro molto interessante, per veri appassionati, che mi porterà alla scoperta delle strade esoteriche narrate nelle note di questo penultimo disco della band greca (da poco è infatti uscito uno split album con i Kleistophobia). Devo riconoscere una certa forma di iperattività artistica che dal lontano 2008 non ha mai abbandonato il progetto ellenico, che ha sfornato numerose creazioni in ambito dark neoclassico, martial e neofolk ambient, fino ad oggi, con una continuità davvero invidiabile. Questo lavoro è un concept incentrato sulla figura di Ecate, antica divinità di origine pre-indoeuropea, venerata da greci e romani, un'opera da intendere come un accompagnamento ritual-esoterico atto alla scoperta della realtà oscura di cui la dea ne era la potente regina dell'oscurità. Il brano di apertura, la title track, è trafitto tutto il tempo da rumori e suoni spettrali, per una lunghezza assai impegnativa che supera i 23 minuti, tra estratti di rumoristica minimale, fruscii, echi e sussurri carichi di oscuro presagio. Il pezzo ha una trama molto noir e si rianima solamente nel finale, trasformandosi in una scarna e affascinante danza tribale, acustica e ancestrale, dal sapore etnico e sciamanico, come se il tutto fosse svolto in una foresta incantata, governata da forze sovrannaturali. La cosa che più colpisce però è il canto, una splendida interpretazione, drammatica ed ipnotica al tempo stesso, per una voce stregata che si destreggia, salmodiando, nel ricordo di Hagalaz' Runedance, Eva O e Diamanda Galas, nel nome delle regine del folk pagano e del goth rock più oscuro. Si avanza con un secondo brano ("Erebenne Arkuia Nekui"), figlio dell'amore per il drone e il dark ambient apocalittico espresso nei primi album dei Dead Can Dance, potente ed evocatore, mentre, "Triformis Dadouchos Soteira", il terzo brano che porta un titolo particolarmente suggestivo, si snoda anch'esso tra rumoristica d'ambiente, dark e nuovamente drone, contraddistinto da una pesante attitudine lugubre, travagliata ed inquietante, un vortice oscuro che paralizza e destabilizza l'ascoltatore. In chiusura "Damnomeneia", che parte con suoni industriali stridenti per entrare in un comparto etnico che ricorda certe escursioni nel mondo devozionale tibetano ma la sua indole cosmica, primordiale e oscura, lo rende alla fine poco propenso alla meditazione. Il suo tetro avanzare, scandito da lente percussioni, una minimale partecipazione dell'elettronica e la sua forte propensione cinematografica, lo propone come perfetta chiusura di un disco che farà la felicità degli amanti del genere. Cosi come in passato, anche qui i Dark Awake dimostrano le loro qualità, una qualificata capacità di rinverdire e far progredire un'idea sonora spesso sottovalutata dalla critica musicale. Un buon esempio di ambient dai potenti tratti dark, uno splendido e sinistro manifesto sonoro, un disco che nel suo genere può essere letto come variegato ed intenso, sicuramente interessante e ben strutturato. Il mondo oscuro e affascinante di una divinità, madre delle arti magiche e della stregoneria, messo in musica in maniera esemplare. (Bob Stoner)

(Aesthetic Death - 2020)
Voto: 75

https://darkawake.bandcamp.com/album/hekateion

Bound - Haunts

#PER CHI AMA: Shoegaze/Alternative, This Empty Flow
Gli statunitensi Bound aprono 'Haunts', loro opera seconda, con "The Bellows", in cui i tinnuli di cristallo cullano il bipolarismo dei suoi suoni. Un’esplosione di vetri che si adorna di lentezza in uno shoegaze dalle tinte alternative. Un arcobaleno prismatico che toglie il fiato al corpo della song per trovare insistentemente il suo tesoro prima, durante e dopo la sua corsa cinematica. Qui conta la scoperta. Una sonorità accesa che ritroveremo anche nella terza ondivaga "The Divide". Il suono che spazia tra paradiso e inferno. Con "The Ward" invece spezzettiamo il tempo in coriandoli sonori. Una polvere che muove l’aria prima di essere aria stessa. Una carezza, malinconica. Con "The Field of Stones" restituisco il passato in questo presente soffuso. Laconiche le sonorità. Ispirati i passi tra le rocce ed il climax ascendente della musica che imprigiona, sposta, asseconda, rapisce con le sue ipnotiche note di synth. Un viaggio da fare e fare ancora. Se non avete mai fatto un passo nel bosco stregato, se non siete stati mai temerari nella casa maledetta, beh venite con me, il tutto potrebbe suonarvi inquietante quasi quanto il video della successiva "The Last Time We Were All Together". "The Lot" suona come il giusto preludio incantato, spezzato dalla circostanza della chitarra, ammantato dall'eterea voce del vocalist ed ancora forte dell’energia che la band manda in etere. Andiamo avanti, abbracciando l’intensità soffusa che spazza l’estetica in “The Small Things Forgotten”. Il brano apre leggero carezzevole con un arpeggio di chitarra, che presto si trasforma in una nuvola di suoni scomposti, irrequieti, carnali, alla fine quasi infernali. Una bolla in cui il pensiero lento e la rabbia veloce possono scambiarsi pensieri, dinamiche, musica, chitarre benedette e maledette. Non abbiamo ancora toccato il fondo perchè vanno on air gli sperimentalismi dream pop di “The Lines”. Il fondo è superficie perché con la musica le prospettive sono aberrazione. Tuttavia, con la musica i cori ci portano a volare. Ma è forse la traccia che vola o siamo noi a volare? Sentite il brano che spezza con un suono metallico ritmato in 2/4. Sentite le anime che urlano a vanno su ad ascendere. Ascoltare e basta. Mi spacca questa song e mi ricompone le fiaccole dell’anima. L’epilogo di 'Haunts' si racconta con la conclusiva "The Known Elsewhere" ed un sound ripetuto, voce facile per uno shoegaze dalle venature post rock. Un graffio che evoca le melodie dei finlandesi This Empty Flow. Avrei forse preferito un epilogo psichedelico quanto l’esordio, ma l’album si congeda con un volto già visto, una sagoma nell’ombra, un disco che ci dice che andare d’istinto è molto più pregiato che farsi trasportare. (Silvia Comencini)

(Jetsam-Flotsam/Diehard Skeleton Records - 2020)
Voto: 70

https://boundlives.bandcamp.com/album/haunts

lunedì 29 marzo 2021

Månegarm - Vargaresa - The Beginning

BACK IN TIME:
#PER CHI AMA: Black/Viking
'Vargaresa - The Beginning' è una compilation uscita nel 2004 che raccoglie i primi due demo dei Månegarm, datati 1996 e 1997. Si tratta dei lavori 'Vargaresa' e 'Ur Nattvindar' che raccolgono le prime nove tracce elaborate dai nostri eroi vichinghi, completamente rimasterizzate e con un nuovo artwork curato dal famoso artista belga Kris Verwimp (Absu, Marduk, Immortal, giusto per citarne qualcuno). Lo stile di questa raccolta si discosta abbastanza dagli standard epico-vichingo della band, presentando infatti un approccio più black metal oriented, rude e selvaggio. Solo in forma più embrionale è presente quel viking metal, diventato poi trademark del quartetto scandinavo. Solo fugaci sono le epiche melodie che caratterizzano questo cd, che colpisce più che altro per la maligna ferocia che trasuda da ogni sua nota, piuttosto che per le partiture viking-folk tanto care nei vari 'Dodsfard' e 'Havets Vargar'. L’album presenta in un paio di occasioni, un ispiratissimo violino, che riesce a conferire a tutto il lavoro, un senso di desolante malinconia. Le vocals sono buone, anche se un po’ grezze. Scarseggiano però quei coretti in grado di proiettarmi agli albori di quella gloriosa civiltà, ahimè scomparsa. Tra i due demo, sicuramente 'Ur Nattvindar' è il migliore, dove oltre al violino e a breaks di chitarra acustica, fanno capolino addirittura delle vocals femminili ed un flebile accenno di tastiere, elementi comunque lontani anni luce dalle ultime cose dei master scandinavi. Se siete degli amanti della band, ma solo se siete amanti, sicuramente non dovrete farvi mancare questo lavoro nella vostra collezione, album che segna l’esordio discografico dei Månegarm, altrimenti vi suggerisco di lasciar perdere e magari approcciarvi ai loro ultimi episodi. (Francesco Scarci)

(Displeased Records - 2004)
Voto: 65

https://www.facebook.com/Manegarmsweden/

The Pit Tips

Francesco Scarci

Respire - Black Line
Jours Pâles - Éclosion
Dystopia - Geen Weg Uit

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Death8699

Blessed By Perversion - Remnants of Existence
Entombed - Clandestine
Epica - Omega

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Alain González Artola

Empyrium - Über den Sternen
Midnight Odyssey - Biolume Part 2: The Golden Orb
Moonspell - Hermitage

Clouds Taste Satanic – Cloud Covered

#PER CHI AMA: Instrumental Stoner/Doom
Il mondo del rock è pieno di gruppi che si sono cimentati in rifacimenti di musica di altre band e di conseguenza, si trovano versioni dai mille volti, che a volte sono strepitose, in altre occasioni si presentano poco interessanti e, spesso, anche del tutto fuori luogo. Tuttavia, sono convinto che l'intento ed il motivo per cui tanti musicisti abbiano da sempre cercato di confrontarsi con il sound di un'altra band, sia da ricercare esclusivamente nella passione e nella devozione provata verso i propri beniamini, salvo che, come in alcuni casi, dietro non ci sia un vero e proprio fine di lucro. Nel caso dei Clouds Taste Satanic (CTS), parliamo di passione pura ed il problema lucro non sussiste affatto. Il nuovo album è una versione più estesa del precedente 'The Satanic Singles Series', sempre disponibile in vinile a tiratura limitata di 100 copie e con due brani in più. Per i CTS suonare la musica che li ha fatti crescere ed ha contribuito alla loro maturazione artistica è un vero motivo emozionale e devozionale, cominciando dalla scaletta dei brani scelti, per nulla eterogenea, con alcuni pescati da vari generi musicali distanti tra loro, provenienti da epoche diverse, culturali e artistiche. Considerando poi il metodo singolare con cui si sono approcciati alla riproposizione di questi classici della musica, il medley che ne esce è ancor più accattivante e inusuale. Con quell'attitudine doom che li contraddistingue da sempre, i nostri si sono calati anima e corpo in queste variegate hit, con uno spirito vintage sparato al massimo, rallentando e rendendole comunque sempre accessibili, mai banali o semplificate e, ovviamente, rigorosamente in veste strumentale. Mantenendo inalterate le eccelse virtù della band, i CTS hanno ricreato le composizioni in modo tale che, senza saperlo, ci si possa trovare spesso a cantare la melodia della voce (che non c'è), e per incanto, scoprire che si riesce a canticchiarle anche senza conoscerne il testo a memoria, ascoltandone solo la musica. Sorprendente è il brano rubato ai Nirvana, con l'intrusione inaspettata, dell'assolo di "Smells Like Teen Spirits" in un perfetto noise dissonante, nella ritmica del brano "Blew". Così, dai titoli delle canzoni modificati per l'occasione ("If You Doom Me Now"/"If You Leave Me Now" dei Chicago) e uno stile splendidamente retrò, ci rendiamo conto che se un album di cover di questo tipo l'avessero confezionato i Monster Magnet (e lo dico da loro fan di lunga data), sarebbe schizzato in vetta alle classifiche di gradimento degli stoner fanatici di mezzo mondo! I CTS sono una band stratosferica, con splendide produzioni anche quando si incanalano in opere di puro divertimento, nostalgico e di gusto molto personale. Il disco è gradevolissimo, con un favoloso artwork di copertina (altra loro ottima caratteristica), un groove sonoro pazzesco per una scaletta di brani, che suonata così, si permette anche di far dimenticare i legittimi proprietari delle composizioni, tanto che il sound risulta omogeneo, personale e con un perfetto filo logico nella sua sequenza, organizzato proprio come un vero album. Quindi, Pixies, Pink Floyd, Nirvana, Chicago, Bachman-Turner Overdrive, Elton John, Flamming Lips e molti altri inni, filtrati dal cuore doom di questi musicisti newyorkesi, ci appariranno come nuove proposte, e per un'ora circa saremo proiettati alla riscoperta di ottime canzoni e di una band esaltante, per un viaggio nella mente e nei gusti di una delle realtà psichedeliche più interessanti che il mondo del rock attuale ci abbia regalato. La saga ed il mito dei CTS si avvalora di un'altra pietra pregiata. Ascolto super consigliato. (Bob Stoner)

martedì 23 marzo 2021

Helestios - Your Pain Tastes Good

#PER CHI AMA: Thrash/Groove
Devo ammettere che l'inizio di "Sacrifice", traccia d'apertura di 'Your Pain Tastes Good', non mi ha fatto esitare un secondo: ho pensato che gli Helestios fossero una band greca. Si perchè il sound sciamanico, evocativo e mediterraneo del quartetto mi ricordava un che dei Rotting Christ. Non ho sbagliato completamente, visto che l'ensemble comprende musicisti provenienti da Lettonia, Paesi Bassi e Grecia (avete visto che un po' di orecchio ce l'ho ancora?), tutti di base però in UK nella sconosciuta Basingstoke, poco distante da Londra. Ebbene, come anticipato, il sound del quartetto ingloba sicuramente influenze elleniche che si miscelano ad un riffing tradizionale thrash, una grande dose di melodia, ma anche un pizzico di atmosfere, come quelle che si apprezzano nell'opener. Un bel biglietto da visita direi, completato da un'eccellente sezione solistica ed un buon songwriting che rende il tutto davvero fluido e fruibile. Queste le prime impressioni di cui ho potuto beneficiare nell'ascolto della traccia d'apertura. Proseguendo con la breve e più compassata "Black Storm", potrei evidenziare la voce graffiante di Henrijs Leja, non del tutto growl, ma comunque con un suo perchè visto che s'innesta alla grande nella sezione ritmica di stampo chiaramente classicheggiante, che la song propone. Ancora tempi controllati nella terza "Downgraded World" che vede una variazione proprio nella voce del frontman, qui più pulita e ruffiana, ma comunque sempre convincente. Le chitarre nel frattempo si divertono a tessere granitiche linee ritmiche, per non parlare poi dell'ennesimo assolo da urlo con cui i nostri ci deliziano, quasi da stropicciarsi gli occhi, o forse sarebbe meglio dire sturarsi le orecchie. La band riparte piano anche in "Back to Where It Starts", senza rinunciare comunque ad improvvise accelerazioni e al grido della sei corde di Stelios Aggelis che improvvisamente squarcia il cielo con un'altra sciabolata delle sue, da leccarsi le dita. Se dovessi trovare il classico pelo nell'uovo e francamente me lo eviterei, mi verrebbe da dire che a parte il terribile artwork di copertina, avrei preferito una maggiore dinamicità a livello ritmico, evitando pertanto di privilegiare quei mid tempo nelle tracce iniziali. Ovviamente vengo subito smentito dalla title track che si apre con un bell'arpeggio a cui segue una ritmica più movimentata su cui si colloca la voce di Henrijs, qui in versione pulita ma un po' meno convincente. Ciò che balza all'orecchio qui, oltra ad un altro fantastico assolo, è invece un rifferama grondante groove da tutti i suoi pori che sembra addirittura pagare tributo ai Pantera nella prima parte, prima di incupirsi nella sua seconda metà, con un sound più malinconico. Se dovessi azzardare un paragone per la band penserei ad una fusione tra Nevermore, Scar Symmetry e Pantera, il tutto avvolto da un'aura oscura di stampo ellenico soprattutto in un brano tirato come "All Attack", scritta a supporto del popolo biellorusso schiacciato da una pesante dittatura politica. Più fresca e diretta invece "You Are Free", dove a mettersi in evidenza, non che in precedenza non l'abbia fatto, è l'abilità percussiva di Ian den Boer, mentre le chitarre sembrano evocare un che degli Iron Maiden, a sottolineare comunque dove le influenze dei nostri affondano. Le vocals invece ammiccano qui più che altrove, ad un certo power metal. Più ipnotica invece "Return to Baalbek", un terremotante inno thrash metal con echi mediorientali che potrebbero essere una sorta di rivisitazione thrash dei Melechesh. Il brano ci catapulta indietro di quasi trent'anni spingendoci ad uno sfrenato headbanging senza tempo, prima dell'ultimo grande assolo del talentuoso chitarrista greco che in questo disco mi ha fatto davvero divertire. Ben fatto ragazzi! (Francesco Scarci)

(Self - 2020)
Voto: 75

https://helestios.bandcamp.com

Wesenwille - II: A Material God

#PER CHI AMA: Black Sperimentale, Deathspell Omega, Ulcerate
La Les Acteurs de l'Ombre Productions sembra non sbagliare un colpo. Li seguo fin dalla loro prima release e non ricordo di essere praticamente mai sceso sotto una larghissima sufficienza con nessuna delle band recensite, e io non sono proprio uno di manica larga. Oggi mi ritrovo sulla scrivania gli olandesi Wesenwille - che piacere peraltro vedere un altro strappo alla regola considerata la linea dell'etichetta votata prettamente alla transalpinità - e la loro seconda fatica intitolata 'II: A Material God'. Non conoscevo il duo originario di Utrecht, mi duole ammetterlo, ma ancora una volta la label di Champtoceaux ha beccato in pieno gli artisti su cui puntare. Il genere proposto dai due loschi individui (i classici con una decina di band sulle spalle, tra cui Apotelesma e Grafjammer) non si discosta poi di molto da quanto solitamente offerto dalla LADLO Productions, essendo un black sperimentale fatto di disarmoniche galoppate in stile Deathspell Omega che si combinano con derive più emozionali, come quelle che si riscontrano a metà dell'opening track "The Descent", una traccia che fino a quel momento ci aveva sbranato con ritmi infernali e che poi rallenta vertiginosamente entrando in anfratti più intimistici, da cui ripartire ovviamente più incazzati che mai. Accanto a ritmiche incendiarie, c'è da dire che i due musicisti palesano idee azzeccatissime e personalità da vendere, ed era lecito aspettarselo visto che non stiamo certo parlando di due pivellini. La band ha questo modo di presentarsi con vertiginose scorribande sonore, vocals al vetriolo che parlano di decadentismo della società, ci shakerano nel loro personale frullatore sonoro (penso alla debordante violenza di "Opulent Black Smog"), per poi concederci spettacolari intrugli sonori vicini quasi ad un black progressivo, splendido a tal proposito l'assolo qui. E la ricetta sembra funzionare alla perfezione anche nelle successive tracce, dove si viene investiti da elucubranti riff di chitarra che potrebbero evocare anche i conterranei Dodecahedron, e "Burial ad Sanctos" ne è un esempio calzante. Emerge da questa stessa song anche una certa componente doomish che viene spazzata via da sgretolanti stilettate di chitarra che mostrano, qualora fosse ancora necessario, le eccelse capacità esecutive del distinto R. Schmidt (date un'occhiata alla sua foto e pensate un po' se questo tizio cosi elegante, possa concepire un sound cosi devastante). Fatto sta che i Wesenwille hanno uno stile convincente che continua a propagarsi anche più avanti durante l'ascolto senza soffrire alcun calo di tensione e attenzione ma anzi, acuendo quella voglia di scoprire cosa di insano e deflagrante, i nostri avranno ancora da proporci. Si perchè "Inertia" è un treno impazzito, scuola Ulcerate, che potrebbe esclusivamente fermarsi per un deragliamento delle sue acuminate chitarre che urlano come coyote nel deserto, la notte. "Ritual" è un pezzo strumentale che rinuncia alla sua melodica brutalità solo quando il tremolo picking delle chitarre si prende interamente la scena. Con la title track si torna a correre come degli indemoniati, e il detto senza colpo ferire non credo possa proprio applicarsi ai due mostruosi musicisti orange. Tecnica purissima che si infrange contro la barbarie della proposta dei Wesenwille, stemperata solo da atmosferici rallentamenti doom che sembrano apparentemente allentare quella difforme tensione creata dai nostri. Con "Ruin" abbiamo una versione più meditabonda della musica dei due schizofrenici musicisti olandesi, mentre con la conclusiva "The Introversion of Sacrifice", ci concediamo un addio con i fiocchi, ossia una sezione ritmica di violenza e dissonanza senza precedenti che ci danno il colpo del definitivo KO. 'II: A Material God' è un album sicuramente importante, ma decisamente non per tutti, nemmeno per molti, ma se vi entrerà nella testa, beh probabilmente sarà complicato toglierselo per un bel po' di tempo. Bravi. (Francesco Scarci)

(LADLO Productions - 2021)
Voto: 79

https://ladlo.bandcamp.com/album/ii-a-material-god

Exhorder - Slaughter In the Vatican

#FOR FANS OF: Thrash Metal, Pantera
This album from start to finish is a never-ending amazing guitar riffs, leads, vocals and production quality that is top notch! This is a MONUMENTAL RELEASE. Within the thrash arena, these guys I'm sure battled with the Bay Area thrash metal bands back in the day. They sure as heck know how to grind it out with some truly amazing guitar they didn't or don't have a huge history of albums but I still think that they have some intriguing sounds coming out of these speakers! I wouldn't think rating this any less than a perfect score. They nailed it all the way through. I wouldn't say that they are thrash/groove, I'd say mostly thrash.

The vocals compliment the guitar work and the most invigorating part of the album is the guitar work. They just hit home all the way in this department. Being a time where thrash was paving its way into the metal community with bands like Metallica, Megadeth, Death Angel, et al. Exhorder has this unique style of guitar-work that really keeps the listener interested all the way through. The crunch tone guitars are just amazing. And the production does the band justice. The leads were amazing too, and I think this guitar work is something that cannot be duplicated.

I wouldn't want the band to change anything about this release. They really show maturity from early on. I'm not into the lyrics but the vocals go well alongside the music. It's not whiny or annoying. The vocals, that is. The music is the best thrash from the day, aside from what Metallica put out in the 80's. The music is just simply insurmountably amazing. And the fact that I didn't discover this band up until recently is a shame. These guys are just simply amazing musicians. They're album 'Slaughter In the Vatican' is going to remain one of the best releases in early 1990's. Sick as all hell!

If you haven't heard this band or this album, I urge you to do so immediately! This is one of the best thrash releases from back in the day when thrash was just getting a liking to the metal arena. These guys bring home one big MONUMENT. I see no flaws in this album or any of these songs. I'm urging listeners of metal music to get this if you haven't it's 30 years old now!! Help them keep the faith in thrash metal and you can be a sure follower of this group, even if it is just this album from theirs. I'm sure they'd be flattered at the fact that you took time to invest in their efforts! Long live Exhorder! (Death8699)


(R/C Records - 1990)
Voto: 90

https://www.facebook.com/ExhorderNOLA/

lunedì 22 marzo 2021

Farer - Nomad

#PER CHI AMA: Doom/Sludge/Post Core
Quattro brani per portarci all'Inferno senza ritorno. Ecco cosa ci propongono gli olandesi Farer con il loro debut 'Nomad'. Mi fa sorridere che si parli di EP, quando la lunghezza media dei brani viaggia sui 13 minuti fatti di un sound claustrofobico e malato, cosi come si presenta l'opener "Phanes", che con le sue urla stridenti e i suoi suoni glaciali, riesce a congelarci il sangue nelle vene. La musica che ci propone il trio dei Paesi Bassi, che vede in formazione due bassisti e nessun chitarrista, propone un causticissimo sound che miscela post metal, doom e hardcore, non disdegnando qualche divagazione in territori post rock. I suoni siderali, melmosi e angoscianti, potrebbero ricordare gli Amenra della prima ora, quelli più violenti ed ancorati alla tradizione hardcore, anche se verso il nono minuto del brano, emergono forti le influenze più recenti ed intimiste della band belga. La dronica cupezza sonora emerge palese nelle pulsanti note introduttive di "Asulon", che mostra come i nostri debbano sempre carburare per 2/3 giri di orologio prima di partire con la loro proposta sonora. E quindi ecco il classico minimalistico prologo in cui accanto a mezzo accordo ripetuto alla noia, esce finalmente una voce umana, calda e decadente. Lentamente la musica cresce e con essa ritornano le harsh vocals di uno dei due vocalist, mentre i bassi in sottofondo creano atmosfere intriganti al limite della psichedelia, con l'irruenza dello stoner e la profondità del doom, il tutto avvolto da un sound ai confini estremi della catarsi che ci accompagnerà fino alla conclusione di questo delirante pezzo. Con "Moros" le cose sembrano farsi un po' più abbordabili, proponendo i nostri un post metal dai tratti più commestibili e morbidi ma comunque assai particolari, che ci immergono in un nuovo trip dal quale sarà complicato uscirne immuni. La song scivola via tra sonorità molto delicate in cui ampio spazio viene concesso al lavoro delle percussioni e a strani effetti noise in background che serviranno a dare il via libera a violente deflagrazioni post hardcore, condite da una notevole linea melodica che a questo punto mi sorprende sapere costruita solo dai bassi. Fighi, non c'è che dire. Anche nella conclusiva "Elpis", dove i tre tulipani si concedono divagazioni shoegaze accanto a quelle inconfondibili note doom/noise/post core che delineano già con assoluta originalità, la spiccata personalità di questi tre stravaganti musicisti orange. (Francesco Scarci)

(Aesthetic Death - 2020)
Voto: 75

https://farer.bandcamp.com/album/monad

Squeamish Factory - Plastic Shadow Glory

#PER CHI AMA: Alternative Rock/Stoner/Grunge
Riff grintosi e melodie accattivanti. Evidenti richiami a mostri sacri del rock pesante conditi con sperimentazioni sonore e spunti personali. Il secondo album degli Squeamish Factory è un interessante tavolozza di colori diversi, nonché una prova del buon percorso di maturazione della band. Il loro alternative rock, che si mantiene fieramente vicino al grunge degli Alice In Chains e allo stoner dei primi Queens of the Stone Age, ben si presta per una critica sociale come quella presentata in questo 'Plastic Shadow Glory', rilasciato lo scorso novembre per Overdub Recordings. Si parla infatti di alienazione, della doppiezza e dell’ipocrisia che sembrano essere diventate caratteristiche necessarie per avere successo nella vita e che condizionano ogni aspetto della nostra cultura. Su questa base, gli Squeamish Factory confezionano una bella serie di schiaffoni da distribuire a tutti i responsabili di questo degrado morale: pezzi come “Humandrome” e “Burn” sono schiacciasassi che uniscono la potenza dei Kyuss alle sferzate nu-metal dei Deftones, “Mirror Gaze” e “Suspended” esplorano territori più atmosferici giocando su passaggi psichedelici ed eco post-punk, mentre il grunge dei maestri Alice In Chains riceve un doveroso tributo in “Snufftshell”. Al di là delle distorsioni dispensate a piene mani, 'Plastic Shadow Glory' rimane un album ammantato da un sentimento di malinconia, come se alla rabbia provata dal quartetto nell’assistere impotenti al triste spettacolo offerto dalla nostra società, subentrasse la frustrazione: per quanto piene di energia positiva, purtroppo queste nove canzoni non basteranno per invertire questa triste tendenza. (Shadowsofthesun)

Lacuna Coil - Karmacode

#FOR FANS OF: Gothic Metal
I'm probably one of the ones that's giving this a positive review after careful examination. The critics hold hard on giving their more recent album 'Delirium' which I too gave a positive rating for. While Andre and Cristina don't give their best performance, I still think that they were better than average as their tradeoff vocals occur and the music going well alongside of the vocals. Probably tied with a positive reviewer, I saw the good in the album, not the absolute worst. I think that overall, the music quality is good though they don't do cover songs the greatest, at least not on here that is. But I like the music on here.

Maybe I'm giving them too much credit on here and not being as critical as I should, but I'm still digging this release. I didn't much care for 'Black Anima' because I thought it to be a sort of "wishy washy" follow-up from 'Delirium' with a lot less balls. On here, they're experimenting. Possibly in a different direction than was expected, I still dug the album. Not their longest release, but definitely bearable. I liked the whole release. Even the half-soaked cover originally by Depeche Mode. I've knocked on it, but like I said, it's still bearable. I don't suffice to say that he's a total waste of an album. I don't know how critics can be totally harsh.

I liked this release from start to finish. It's not as good as the newer material, but I still think that they have something here. It's kind of a revelation that they go from this to later 'Dark Adrenaline', 'Broken Crown Halo' and 'Delirium'. I'm not going to include their latest because (as I said) I didn't think that it was up to par. I think those three releases that I mentioned were at their pinnacle even though they lost some of their lineup. hey're playing with low-end tuning guitar-work. Now I believe that their bassist writes the music. But I'm not sure if it was always the case, I just know that this is the case more recently.

Actually, I received this from the webmaster of Archaic Metallurgy. What a gift it is, since it seems that almost all that I've heard from Lacuna Coil I've liked. I'm not familiar with their really early work, but I will be. Cristina doesn't do the best that she's done before, but both her and Andre make good tradeoffs. They've always been good at this though. No real surprise. And I like the music. Blast everyone that dubs this album as ill-fated! This is available on streaming and YouTube. Don't listen to the critics, form your own opinion of it. It's worth it's weight in gold. Support the band, not fallacies! (Death8699)


(Century Media Records - 2006)
Score: 72

https://www.lacunacoil.com/

Moaan Exis - Necessary Violences

#PER CHI AMA: Industrial/EBM
Nuova uscita per i transalpini Moaan Exis, band che dal 2016 ad oggi ha già dato vita a tre album ed un EP, tutti orientati e concentrati nei territori sintetici dell'industrial/EBM. In realtà, il duo di Tolosa, nasce con l'intento di rivitalizzare un sound che ha dei capisaldi molto noti, caratteristiche ben delineate nel corso dei '90s e negli anni 2000 che si possono cercare nei lavori di NIN, Suicide Commando, Hocico, Skinny Puppy, Front 242, senza dimenticare le influenze contaminanti del digital hardcore e della techno dark, con un taglio marcatamente cinematografico e tanta rabbia al silicone. 'Necessary Violences' si presenta subito con un ottimo artwork ed un prodotto a regola d'arte, rivendicando un costante suono abrasivo, una sorta di nera prigione digitale ad alta tecnologia ("Alone Together"), mentre il canto è assai violento, coperto perennemente da una distorsione che ne accentua l'aggressività. I ritmi sono quasi sempre ricchi di schizofrenia ed il disagio trasmesso è palpabile fin dall'iniziale ed inquietante traccia d'apertura, "Everyday is a Simulation", carica di cupa atmosfera e sinistri presagi. Il paesaggio sonoro molto dark nelle musiche, interagisce alla perfezione con un cantato di derivazione NIN/Marilyn Manson/Hocico, di sicuro effetto e resa sull'ascoltatore. È un contesto glaciale, rigido, sintetico, malato, perverso, con ritmiche al limite del marziale, ossessive e disturbanti ("Divine Automation" ne è uno splendido esempio). Non si avverte mai l'idea di essere di fronte a qualcosa di banale, anche su alcune basi techno ("Coercion") che potrebbero risultare stra-abusate, si nota comunque una certa dimestichezza e bravura nel rielaborarle intelligentemente e nel rivedere certi giochi musicali, mostrando vecchie teorie sonore rimesse in pista con nuova luce e molta più energia. I Moaan Exis conoscono molto bene i territori da loro percorsi per esprimere al meglio la loro musica e si muovono saggiamente sempre sul filo del rasoio, tra il pericolo di plagio, sbandierato da chi non li ascolta profondamente e chi non percepisce il gusto e la bravura con cui mescolano le carte, e la capacità di rendere l'Electro Body Music, un genere instintivo, una musica di ribellione, tanto violenta e rumorosa quanto trascinante e ballabile. Tutto questo, nel vasto mondo dell'elettronica estrema, li fa apparire interessanti, forti di una conquistata identità musicale, capaci di un grande equilibrio che gli ha permesso di arrivare fin qui senza sbagliare un colpo a livello di produzione, approdando in questo 2021 con un disco brillante, che porta quel titolo inequivocabile che è 'Necessary Violences', che non ha nulla da invidiare ai padri fondatori di questa nicchia musicale. Una nuova generazione di figli digitali perfetti, che dovrebbero essere amati da tutti coloro che si rispecchiano nel duro rumore industriale e nei ritmi asfissianti della techno più oscura. (Bob Stoner)

venerdì 19 marzo 2021

Carnation - Chapel of Abhorrence

#FOR FANS OF: Swedish Death, Grave
Not that far-off from the voice resembling that of to which is Cannibal Corpse's frontman in the 5-piece Belgium based band, Carnation. I've been listening to this quite a bit and the guitars undoubtedly sound like Sweden revisited in the death metal bound band here. I've gotten the courage to take a shot at venting about this debut LP. I've had to capture the whole essence of the album which I've held in high esteem. That is, since day 1 that I got it a physical copy. Not only because I collect CD's, but because I prefer supporting the band and the music industry as a whole. I did not, however see the same greatness in their new release (2020).

If they could do this one again I'd greatly appreciate it! The music and voice is what drew me in and I do like the fact that there are 5 members here because there's more devotion time-wise to the overall outcome. I've found that not only is the music superb, but the rest of the effort by each and all members to be indigenous to this masterpiece debut. The guitar riffs sunk deep in my brain and it seemed that everything put forward to here (music, vocals, bass, production & mixing) to be a wholeheartedly great effort to the band's musical entourage. They grasp in what it takes to be given greatness by a musical protégé.

The tempos are all different but it's a straightforward sound that ultimately is their own showing the much talked about Swedish sound (which I covered) but the vocals sounding that to of Cannibal Corpse's frontman, Corpsegrinder. But they have their own sort of twist here the musical aspect hits home with stunning work. Stunning in the sense I mean originality of the guitar tracks even though they do show a lot of their influences are not Belgium based but Swedish based. They really make their units toned with their pedal which makes that sound I've been discussing here thereof.

If Carnation sounds too much like the flower, you're mistaken. It's this Belgium based death metal act that's got their own sense in this genre. Yes you can be a modern day listener that doesn't want to buy CD's anymore then fine! You can check this out of YouTube or Spotify. But to capture the supreme essence, get the physical copy and blare it out of your boombox! These guys needed more of an introduction to better equip you to what a debut should and does sound like on here. With musical influences that are diverse, Carnation racks it up with one helluv a punch that easily resonates. Check it out! (Death8699)


giovedì 18 marzo 2021

Midnight Odyssey - Biolume Part 2 - The Golden Orb

#FOR FANS OF: Atmospheric Black
The Australian solo-project Midnight Odyssey has achieved a great reputation among the fans of atmospheric black metal since its impressive debut 'Funerals from the Astral Sphere', released in 2011. The project created by Dis Pater has shown since its inception, a tendence to release grandiose works, not only sonically, but also in its length. Midnight Odyssey’s works are not for impatient fans, due to its remarkably long songs and entire duration. Its first two works last around two hours, which means a lot of stuff to digest. Thankfully, the overall quality of those albums makes them a worthy listen, even though it is irremediable to find certain moments of dispersion in those compositions, especially in the longest songs. Listening carefully to a double album can be demanding and this requires tight compositions if you don´t want to sound scattered at certain moments. This happened here and there in those albums, although the conclusion was usually positive, because the positive aspects were superior to the negative ones. In any case, Midnight Odyssey and its mastermind appeared especially inspired, as maybe he had learned some lessons from the first works, when he released the first part of a new trilogy in 2019, the magnificent 'Biolume Part 1-In Tartarean Chains'. This album reached a new level in terms of quality. The length was no so long, even if it was more than 70 minutes long, and more important, the compositions were tight, focused and very well elaborated.

Two years later and having this first part in mind, Midnight Odyssey returns with a second half entitled 'Biolume Part 2-The Golden Orb'. The project’s trademark style and core-sound are still there, although Dis Pater has created this time a different beast. In contrast to the previous album, this opus has a brighter sound in general terms and undoubtedly it sounds more epic. This is indeed a truly majestic album and it shows a less dark side of MO’s soul, obviously related to the concepts developed for this second part of the current trilogy. One of the most important aspects that makes this album have a brilliant and epic one, is the much more generous use of the clean vocals, which have a shining role. The use of this kind of vocals occurs in almost all the tracks, though this does not mean that the extreme vocals are not there. Their presence is a fact, but this time the melodic voices have a greater presence leading to achieve an intended epic feeling. Songs like the opener "Drawn-Bringer" or the followings "The Saffron Flame" and "Unconquered Star", are mainly focused on those vocals, in the form of a sole clean voice or an epic choir. This use marks a great difference from the previous albums, making this new opus the most luminous one. The guitars and rhythmic-base follow similar patterns if we compare them to older works. Nevertheless, the guitars sound thinner this time, maybe due to the production, but I have the feeling that its production is not as crushing or dense as it was in the past. The difference is not enormous, but I can notice a change in this direction. The keys are unsurprisingly a key factor here. Like it happens with the vocals, this instrument plays an essential role in the search of a grandiose tone. The variety and quality in terms of key-based compositions is phenomenal. I am sure no one can complain about the keys, apart from preferring darker synthesizers than these ones. In any case, the opener "Dawn-Bringer" is just an example of how epic this album is. The keys are absolutely solemn and remind the most breath-taking film soundtracks. I can even feel a medieval touch in the arrangements used for tracks like "The Saffron Flame" or in the hypnotic beginning of "Below Horizon", which transports the listener to an ancient civilisation. Midnight Odyssey surely knows how to create a hypnotic and immersive sonic experience through its compositions. The most classic dark and space-related keys return for a quiet and beautiful final track entitled "When the Fires Cool", ideal for this vibrant journey.

Although I consider its predecessor a superior album, due to its incredibly focused compositions and greater balance in the use of the different vocals, 'Biolume Part 2-The Golden Orb' is also an impressive work. Perhaps, this album is not the dreamed work for those who desired more extreme vocals and a darker sound. In spite of this, the excellently achieved grandeur, the richness and the quality of the arrangements, make Midnight Odyssey’s last opus an excellent album and a must for every fan of atmospheric metal. (Alain González Artola)


mercoledì 17 marzo 2021

Malevolent Creation - Retribution

#FOR FANS OF: Death Metal
Probably the most notorious, played out (but never tired of), most talked about Malevolent Creation album ever made. This might read "100%" in rating but I think it can go even higher! The vocals and music are like none other. These guys made a record that no fan is in disagreement on. If they are, they're wrong. I've never heard music like this possible, but they made it possible. Or impossible. Wow, it gives me the chills every time I listen to it! There's no riff that is overplayed, no vocals ill-fated, it's a masterpiece of an album. I cannot get enough of it, even until this day. Being that it was released in '92 and still reigns "CHAMPION" in no speculation into anything else of it.

Being a life-long Malevolent Creation fan and even though they've made some great ones like the first and this, but not all of them measure up. And Bret dying at 51 made them a little lesser-than. But Lee carries them in '13th Beast', it's just that they've had a rocky road even with Bret in the band. But not on 'Retribution'. They just have blast beats galore, choruses that are in high-esteem, riffs that are only made from a god and quality recording which are thanks for that. The music and vocals again are notorious on here. Everything shows their influence but they make it to their own. And nothing to regret here. Maybe that they haven't had enough people to review 'Retribution'.

Achievement in the death metal arena only comes around every so often. In '92 it was them, aside from Deicide's 'Legion', but Malevolent Creation came up with a record that stood out in the genre that year. They too were a young band then and there were all original members. There's only one left, too. Bret had screams that were deafening and here's where you hear it, and good. His vocals complimented the music. They not only destroyed your eardrums, they did on the whole record. I'm happy to say I have a physical copy of this album. I wouldn't want that to be any other way. Were there any flaws here? I didn't find any and I've listened to this album multiple times!

You'll never hear a riff like these played out, vocals ever taken so much precedence over this, and sound quality only with precision. The only thing that wasn't good enough (if that), was the duration of the album. So then, you have to play it again! It'll never go stale with this one. I've never heard anything like this for the band. They kill it all especially your eardrums. They reached glory here and glory it will always be. Bret got me into this album, and the guitars during my guitar days were no compositions like these. I would have to say I'm glad to have lived when they were on top of their game. And this one will be the true CHAMPION always. Own it! (Death8699)


(Roadrunner Records - 1992)
Score: 90

https://www.facebook.com/malevolentcreation

Blessed By Perversion - Between Roots and Darkness

BACK IN TIME:
http://www.secret-face.com/
#FOR FANS OF: Death Metal, Deicide
A great debut album by this Greek based band who in fact originated in 2010. This album has the elements of all which is good in an LP. It's solid death metal with a kick to it. Not too fast, not too slow but a good pick-me-up for when you want solid death metal. The vocals are deep and hoarse. They go along well with the music. The riffs are solid and fresh. Quite good! Definitely a good segue into the metal scene even though they've released an EP before making this album. So you kind of get a gist of them their music before the actual full-length album was released. And man, what a release!

I'd say that the riffs are far spectacular to those of which were previous recorded in the early EP. One thing that this bands has set aside that other death metal bands don't is on HAVING THEIR OWN SOUND. Sure they have their musical influences but that doesn't mean that they replicates own bands that are successful do and duplicate it. I think this debut sure was showing a lot of promise even before it but now they've driven in the metal community some great fresh new talent. Being Greek, they have their Philosophical influences but most of all their musical abilities and consistencies.

I made sure to share this on social media (Twitter) because they need a bigger fan base. Of course they've been around 11 years but they were just teenagers when they formed (at least most of them). They started with their sound young and that blended into their own. I think that the only thing that they lacked thereupon is their production/sound quality. But otherwise, this album is superb. I ordered my copy of it on eBay since there were only a few that were out (1000 copies). I checked out this LP on YouTube and it blew me away. Definitely something to write home about if I were them. But they're adults now, they just needn't be in a shadow for their success.

Thanks for Andreas for reaching out to me and material that became a fast liking to in my death metal collection. I made sure to order the new LP from their Bandcamp site. This debut LP I definitely need to be in my possession. I urge you to buy up their material if you like death metal in the vein of Malevolent Creation and newer Deicide. But they have their own vibe. Download some of their songs and see what I'm talking about or take a listen to this one full-length on YouTube (as I said). It's a complete waste if you let this one go from your database. These guys are kick ass all the way! (Death8699)

(Razed Soul Productions - 2016)
Score: 73

Iqonde - Kibeho

#PER CHI AMA: Math Rock/Post Metal strumentale
“Ma tu perché non ridi, non ti contorci dalle risate? Fammi vedere che sei felice!” Me lo chiedo anch’io perché non ci si possa perdere nel ridere ad oltranza, non ci si possa immergere nella tinozza del morso che scompone il viso ed ubriaca di quelle risate. Rivisito questa intro parlata per dare a “Ma’nene” una sonorità in parole altrettanto traboccante di ritmo, bassi, batteria, corpo e rettilinei svirgolati dal rock senza padroni. Iniziamo in questo modo 'Kibeho', album di debutto dei bolognesi Iqonde. Una song ribelle. E la ribellione continua con “Marabù”. Uno scettro di potere fa vibrare il metallo degli sgabelli di un bar di provincia, una sonorità propria di chi ammansisce il basso e manda in etere le corde dell’elettrica su ritmiche frenetiche. Esercizi di stile, di dita sulla tastiera. Volteggi tra i sensi. Corpi sospesi d’anima in un bondage di emozioni post e math rock. Circolare come un’ossessione l’epilogo del pezzo. Va poi on air “Edith Piaf”. Sono blindata nell’ascolto in un concerto privato. Immaginate una nicchia scavata nella roccia, la band in penombra. Ed ascoltate i suoni ridondare come un eco tra le pietre. Li si mescolano il sound, l’atmosfera, la musicalità tribale di questa traccia al contesto. Epilogo sotteso quasi silenzioso lo strisciare succinto delle dita sulle corde ferrose. Cambiamo vestito e contesto. È il turno di “Lebanshò”. Lentamente la musica sale in un tripudio strumentale che trova il suo apice al terzo minuto. Ferma la musica. Resto in attesa. Il silenzio traccia la sua strada della solitudine per tornare tra noi in una danza tribale rivestita da uno sfondo ricco di groove. Assai accattivante direi, ideale per le anime in dissidio tra il silenzio strumentale e la musica che fa muovere mente e carne. Passiamo a “Gross Ventre”. Avete mai sentito sulla pelle il brivido ed il fuoco contemporaneamente? Qualsiasi sia la vostra esperienza vibrante vi invito a farvi un giro su questa violentissima song. Terminiamo l’ascolto di questo album con “22:22”. Dissacrante in apparenza col suo prologo triviale estratto da 'Salò o le 120 giornate di sodoma', film del 1975 di Pasolini. Da me molto gradito! Le parole in musica che si propagano dalla cassa, dalle chitarre, dai silenzi intercalati sono pura convulsione sonora, ribellione ancora eppure accarezzano l’anima con un post metal impulsivo, il math rock e insana tribalità. La mia anima, gli Iqonde, l’hanno toccata e dipinta sicuramente. (Silvia Comencini)

Halter - Omnipresence of Rat Race [2020 Reissue]

#PER CHI AMA: Death/Doom
Quella di oggi è una release che abbiamo già recensito qui sulle pagine del Pozzo. Era il 2013 e 'Omnipresence of Rat Race' dei russi Halter usciva per la MFL Records, proponendo un sound all'insegna di un sound cupo tra un doom claustrofobico e qualche sfuriata di canonico death metal. Nel 2020 la Wroth Emitter Productions ha pensato di riesumare quel lavoro e aggiungervi ben quattro tracce anche se l'ultima, "Zone of Alienation 2020", è una rivisitazione della vecchia song contenuta nell'album originale. Per ciò che concerne invece i nuovi brani, per i vecchi vi invito invece di andarvi a rileggere la vecchia recensione, diciamo che proseguono sulla falsariga di quanto ascoltato in precedenza, sciorinando un doom persistente e dai tratti vintage soprattutto nella linea delle chitarra e in un growl decisamente soffocato. Questo quanto ascoltato in "Water Through My Fingers", visto che "Wintry Day" si pone come un incedere ipnotico, una lunga marcetta ansiogena che trova dei punti di interesse in uno splendido assolo centrale, che strizza l'occhiolino al rock settantiano, per poi tornare a quel delirante avanzare che se ascoltato a più riprese rischia di invogliare il suicidio. "Blank" in realtà sono 20 secondi di vuoto, mentre la già citata "Zone of Alienation 2020" è stata rimasterizzata in una tonalità più ribassata con il sound più pulito e attualizzato che rendono giustizia ad una song che nella sua versione primigenia forse mancava di una maggiore verve. Insomma questa Reissue è un bel modo per apprezzare il debut album del quintetto di Yaroslavl, qui con contenuti extra che portano la durata dell'album a sfiorare i 70 minuti. Ostici comunque. (Francesco Scarci)

lunedì 15 marzo 2021

Valse Noot – Utter Contempt

#PER CHI AMA: Noise Rock
I francesi Valse Noot sono in giro da un decennio e questo 'Utter Contempt' (il loro terzo lavoro, che arriva ben sette anni dopo la loro ultima fatica) è una piacevolissima scoperta. Il quartetto di Brest si immette nel solco di quelle band, penso ad esempio a Metz o Pissed Jeans, che hanno cercato di portare avanti un suono che ha i suoi riferimenti nel noise rock americano anni novanta, di capi scuola quali i grandissimi Jesus Lizard (la qual cosa, per il sottoscritto, è già un grosso merito), senza limitarsi alla mera emulazione ma provando a trovare una loro personale via espressiva. In questo caso i nostri cercano, in sette brani condensati in 30 potentissimi minuti, di portare il noise a lambire territori più vicini a certe divagazioni freeform, pur senza snaturarlo. Ecco quindi che la sezione ritmica si concede interessanti variazioni sul tema, mantenendosi nondimeno inesorabile e granitica, e se la prima parte della scaletta serve a scaldare i motori con brani più “quadrati” e dritti, nella seconda parte emerge un’interessantissima capacità di sperimentare e stupire, come in "Story of a Decadence", dove il caratteristico suono Touch and Go si fonde all’hard punk dei Motorhead, o in "Pigeonholed", dove l’incedere guerresco del basso si innerva di hardcore. In chiusura, la title track si concede anche qualche incursione di synth e un cantato di stampo screamo, per ribadire che nulla è precluso se fatto con le idee ben chiare Un disco sorprendente, fresco, dinamico e molto, molto potente. (Mauro Catena)

OJM - Live at Rocket Club

#PER CHI AMA: Stoner/Garage Rock
Gli OJM non hanno bisogno di presentazioni, essendo una delle band di culto negli ambienti stoner rock e nella psichedelia, e avendo una carriera alle spalle notevole con svariate release e performance che li hanno resi popolari in tutta Europa ed anche oltreoceano. La band vanta tour e collaborazioni importanti con artisti del calibro di Brant Bjork o Paul Chain e numerosi concerti assieme a band di fama internazionale. La compagine trevigiana è entrata di diritto nell'olimpo dello stoner rock del vecchio continente partendo dalla gavetta e sudando note da tutti i pori, mangiando pane e distorsioni fuzz per tanto tempo, coltivando il rito dell'esibizione live, credendo in essa come nella massima espressione del rock'n'roll, che doveva essere esplosiva, trascinante, acida, proprio come nella loro formula musicale. Quindi la Go Down Records, in collaborazione con la Vincebus Eruptum, decidono in questo 2021, a 10 anni di distanza da quell'evento, di dare alle stampe, in edizione limitata in vinile di sole 300 copie, l'intero live degli OJM al Rocket Club di Landshut, in Germania, donando ai fans della band un'occasione in più per riassaporare la grande energia, sprigionata sul palco e catturata da Martin Pollner nel lontano 2011, nel tour dell'ultimo studio album intitolato, 'Volcano'. L'act italico non si è mai sciolto, si è semplicemente preso una lunga pausa e questo disco ci delizia e accompagna, dopo tanto tempo di latitanza, nella riscoperta di un combo compatto, lisergico e allucinato, che traeva spunto dal garage dei The Fleshstones, quanto al mito degli Mc5, che osavano rivendicare una vena altamente psichedelica, riproponendo "Hush" dei primi Deep Purple, suonando ruvido e sporco come i primi Mudhoney. L'album si fregia della presenza di piano bass e organo elettrico, suonati da Stefano Paski, che risaltano il ricercato suono vintage, mentre il resto degli strumenti sputano fuoco e fiamme per una prestazione assai calda e sanguigna. Il solo difetto di questo disco, a mio parere, sta nella qualità che si avvicina più ad un buon bootleg live vecchio stile ponendosi pertanto inferiore alla qualità del precedente 'Live in France' del 2008 (prodotto da Michael Davis – Mc5), pur risultando essere un'ottima fotografia dell'ultimo periodo del gruppo, con molti brani estratti da 'Volcano' e, oltre alla già citata cover dei Deep Purple, con brani tratti dal precedente album in studio, 'Under the Thunder'. Un disco che farà la felicità dei fans degli OJM e del loro sound, averlo sarà un buon pretesto per completare la loro discografia oppure, per chi se li fosse persi fino ad ora, un ottimo motivo per scoprirli in tutta la loro irruente energia live. Un nuovo disco dal vivo che ci porta alla riscoperta di una grande band, stimata da molti musicisti di livello internazionale. (Bob Stoner)

venerdì 12 marzo 2021

Bear of Bombay - Something Stranger

#PER CHI AMA: Electro Rock
Bear of Bombay è il progetto solista nato dalla fervida mente del milanese Lorenzo Parisini, attivo dagli ormai lontanissimi anni '90. Il 5 febbraio di quest'anno, Bear of Bombay ha pubblicato il suo primo EP che lui stesso ha definito un viaggio in stile "psychodreamelectropop" attraverso le sonorità '80-90s. L'album, 'Something Stranger', disponibile su CD e in digitale, racchiude cinque tracce caratterizzate da una miscela di chitarre cariche di riverbero e delay, synth che tanto piacerebbero ai Perturbator e ritmiche semplici quanto incisive, come richiede il genere New wave. "Night tree" è l'opening track e primo singolo con relativo video pubblicato in anteprima a Novembre dello scorso anno. La traccia parte subito senza tanti orpelli e la pulizia delle linee melodiche di basso e di chitarra incorniciano molto bene la voce di Lorenzo, profonda il giusto e dalla più che buona pronuncia inglese. Il mood è volutamente svogliato, leggermente malinconico con delle semplici progressioni che fanno apprezzare una struttura musicale collaudata. Ad un certo punto ci si aspetta un'esplosione che non arriva e lascia l'ascoltatore in uno stato emotivo incerto e desideroso di continuare l'ascolto. "Lazy Day" entra adagio con i suoi 80 bpm e una struttura fatta di basso, organo hammond che omaggia gli anni '70 e il cantato che ricorda tanto le atmosfere di "Play" di Moby. Un brano chill out che chiama il sorseggiare di un buon cocktail dopo lavoro, magari accompagnato da una fumata che purtroppo rimane ancora illegale in certi paesi. L'EP chiude con la title track, dove la batteria sintetica ci catapulta nei primi anni '80 all'interno di un tubo catodico in cui ci muoviamo roboticamente avvolti dalle sonorità eteree dei synth. Un vortice lento ci fa viaggiare nello spazio, in un lungo break che continua a rotearci attorno anche quando la strofa con il cantato, riprende in maniera incalzante. Un bell'EP, sincero, semplice, e allo stesso tempo curato nei minimi dettagli che vi renderà nostalgici se solo avete più di trent'anni. Oppure vi avvicinerà a sonorità che i vostri genitori ascoltavano su casseta nell'intimità della loro cameretta o forse in qualche club sotterraneo e fumoso di cui vi hanno sempre tenuto all'oscuro. (Michele Montanari)

Fine Before You Came – Forme Complesse

#PER CHI AMA: Indie Rock
Come stavate voi con tutto quel daffare attorno. Dove eravamo quando il superfluo era all’ordine del giorno. Sarà banale, ma la musica che ho amato è la cosa che più di tutte mi dà il senso del tempo che passa, la misura dell’invecchiare. E quindi fa innegabilmente effetto rendersi conto che i Fine Before You Came (FBYC) esistono da ormai più di vent’anni (come ribadito dal loro nuovo sito fbyc1999.it – e anche il fatto che nel 2021 si parli di un sito internet come di una cosa nuova contribuisce a dare la misura del tempo che è passato e del fatto che non siamo davvero al passo coi tempi). E anche, a conti fatti, che ne sono passati ormai 12, di anni, da quello spartiacque generazionale che è stato 'Sfortuna'. In tutto questo tempo i testi di Jacopo Lietti si sono rivelati sempre “troppo perfetti”, al punto di essere fisicamente dolorosi, nel disegnare un passaggio ad una vita che si sarebbe voluta adulta (o che qualcuno lo avrebbe voluto per noi) ma che il più delle volte ha assunto soprattutto le forme scomode dell’indadeguatezza; e continuano a farlo, in modo al solito inesorabile, in quest'ultimo lavoro, nel quale rappresentano, a prima vista, l’unico elemento di continutità con il passato. Perchè 'Forme Complesse', che esce quattro anni dopo (di già? Possibile?) Il Numero Sette si discosta decisamente da quello che siamo abituati a considerare i FBYC. Innanzitutto nel modo in cui il disco viene distribuito (per la prima volta non è disponibile in download gratuito e nemmeno sulle piattaforme streaming) e poi, soprattutto, nella sua veste musicale, che abbandona i consueti territori che per semplicità definiamo posthardcore per una sorta di slowcore chiaroscurale. Eppure non ci stupisce granchè, un po’ perchè la strada intrapresa dalla band da 'Come fare a Non Tornare' in poi, passando per il live acustico al teatro 'Altrove', sembrava presagire uno sbocco di questo tipo, un po’ perchè l’utlimo anno ha cambiato le cose in un modo che forse non siamo ancora pronti a riconoscere fino in fondo. E 'Forme Complesse' è un disco cupo, a volte plumbeo, che affronta con precisione chirurgica quello che sentiamo nel profondo ma a cui non sapevamo dare un nome, una forma, un vestito. È un disco che si regge su contrasti in equilibrio, sempre sul punto di spezzarsi, tra grazia e rancore, fraglità e stoica resistenza, tra il terrore del vuoto e il tentativo di caricarsi il proprio mondo sulle spalle, senza mete precise, nonostante tutto. Musicalmente è un disco di arpeggi elettrici delicati e circolari, di lenti crescendo che non arrivano mai al punto di deflagrare, di linee di basso meditabonde, di ritmiche irregolari, intrecci vocali ed un cantato a metà tra il declamatorio dolente degli ultimi lavori e delicate, fragilissime melodie. È un disco bellissimo. Forse non l’avevo ancora detto.(Mauro Catena)

(Legno - 2021)
Voto: 83

https://fbyc.bandcamp.com/

lunedì 8 marzo 2021

Volvopenta - Simulacrum

#PER CHI AMA: Experimental/Post Rock/Noise
Quest'album parte con un sound soft, un post rock ambientale così carezzevole da rendere la pelle vulnerabile e le sensazioni sublimi per ognuno dei sensi. Quando s'inserisce la batteria poi, sento solo i piatti metallici che toccano l’inconscio, ed il cantato si mescola ai ripetuti di corde pizzicate. È la magia, la malia di "Kargus", la traccia d'apertura di questo 'Simulacrum', opera seconda dei teutonici Volvopenta. La premessa mi porta in etere a sognare. Mando on air "Tele 81". Sorprendente. Una seducente base ritmica evoca gli anni trenta. Un respiro affannoso in musica, lento. Momenti di voce che gridano la rivalsa alternati a loop sonori ipnotici. La batteria con il suo ferro fa sempre da subliminale. Lo stile è unico, assai originale. Sospende, lasciando i sensi xerostomici con la sete a volerne ancora. Quando parte la siderale "Barfly", le luci soffuse si spengono definitivamente. Scrivo nel buio, lasciando all’udito l’assoluto dei sensi. Molto, molto intenso il corpo di questa song, talmente intenso da materializzarsi. Qui la musica, un robusto post rock, diviene carne, sangue ed il buio si fa vista altrove. Provate l’esperienza. Scorre la musica come un fiume che leviga il proprio letto. Una cura. Un vello. Una sensazione che si rinnoverà anche in "Interlude 1". Un sorso di "Ghost" ed avrete nell'etere uno sperimentale retroattivo rivisitato di punk, rock, shoegaze e dark, il tutto servito in un solo calice. Ubriachiamoci insieme. Il secondo momento panoramico lo troviamo in "Interlude 2". Altra cura, altro rimedio per l’anima. Enantiomero dell’1. Complementare all’1. Graffia invece, vibra "One to Five". Imprevista. Futurista. Al contempo retro style con i suoi suoni elettrificati, ma nostalgici come un chiacchiericcio di foglie che vorticano nel vento lentamente. Un moto in musica circolare a tratti ellittico. Ora la nostalgia è la mia, per essere giunta all’ultima traccia, la strumentale "Flint". L’ascolto, la sigillo con un'iperbole ascendente in un ossimoro di musica dalle venature sanguigne, delicate, molto ben interpretate ed estremamente malinconiche. L’ascolto è per anime senza pace. La troverete. La musica è per musicisti senza stile. Vi ispirerete. La dolcezza è per chi come me si sente cullata tra le parole e la musica pregiata dei Volvopenta. (Silvia Comencini)

(Tonzonen Records - 2021)
Voto: 84

https://volvopenta.bandcamp.com/album/simulacrum

domenica 7 marzo 2021

Empyrium - Über den Sternen

#FOR FANS OF: Black/Doom/Folk
The German duo Empyrium is without any doubt one of the most personal and exquisite projects out there. The project, founded in 1994 in Bavaria (Germany), was from its early inception already a quite unique creature. Its personal and remarkably tasteful combination of neofolk influences and doom metal with epic touches, shocked the scene with it almost unbeatable inspiration and quality. Early works like 'A Wintersunset' and especially its sophomore masterpiece 'Songs of Moors & Misty Field', made this band a truly respected project. In this second opus the mixture of an intensely melancholic doom beauty and the folk influences was nearly perfect. Vocally, the band was also original with the combination of extreme vocals with baritone-esque voices, which gave an even stronger solemn and melancholic touch to its music. Afterwards, the band left behind the metal influences and focused sorely on folk and neo-folk sounds, which was a pity from a metalhead perspective, although the music continued to be very personal and excellent. With the band’s split-up, the classic members focused their efforts on new projects, though thankfully they returned some years ago with a slightly more modern yet tasteful opus 'The Turn of the Tides'. This effort didn´t receive a so warm welcome, although it pleased the fans in reasonable way.

Still, many fans deeply missed the early works of Empyrium and there was a cautious excitement when the band announced a new album entitled 'Über den Sternen', that was supposed to bring to black many influences from the classic works. This "back to the roots" is usually no more than a marketing strategy, but thankfully this hasn't be the case with Empyrium. I don´t imply that this is a replica of the early albums, but the influences are strong and completely present. A more modern touch in the production, already seen in the previous work, is still there, but as previously announced by the label, the doom metal and folk influences are back in a way we haven´t seen for a long time, and also the extreme vocals, largely missed by many metalheads. 'Über den Sternen' obviously tries to mix the most known two sides of Empyrium´s coin, the metal influences and the folk/neo-folk ones and they successfully do it. If I could complain about something from this album, it would be the following two aspects. Firstly, that the central part seems to be too focused on the softest and more folky influences, unbalancing the final result of the album. Secondly, maybe I had expected more shrieks based on my early impression from the first self-titled single. In any case, this is a magnificent album with many great tracks. The initial part is almost faultless with two compositions that bring us the best of their early works. The album opener "The Three Flames Sapphire", that has been presented with a beautiful video, is a perfect blend of the calmer and folk influenced side and the most metal one. The song evolves from its more folkie and melancholic start to a final heavier section as a delicate piece with a excellently executed ‘in crescendo’, just to end acoustically. The magnificent clean vocals with this baritone style and the undoubtedly nice flute are 100% Empyrium, and this means quality and style. The following track "A Lucid Tower Beckons on the Hills Afar" is a more metal oriented song, bringing back the best of Empyrium’s second and legendary album. The combination of extreme vocals, baritone voices and background vocals, alongside the always exquisite melodies, is a pleasure for the ears. The guitar lines vary from metal riffs to acoustic tones with elegance and naturalness as it happens with the intensity of the music. Doom metal and folkish music embrace together in a unique way. The central part of the albums focuses, as said before, much more on the folk side and though it does it with indubitable quality. The contrast with the rest of the album makes me feel think that another harder composition, would have been more than welcome between the purely calm songs like "Moonrise" and "The Archer". Its not a big deal, but I personally think that this would improve the overall impression and result of this album. The problem is not the neo-folk influenced tracks, but the impression that they are wrongly placed as they follow a song like "The Oaken Throne", which is still quite tranquil. The album recovers its initial momentum with the beautiful "The Wild Swans", once again the sophomore album’s greatness is back with an extraordinary track, that mixes with success the fury and the calm, the strength and the delicacy in one single composition. The album ends with the aforementioned self-titled song, that is undoubtedly a great way to end the album on a high. The final song summarizes all the trademark influences that have made Empyrium a so beloved and unique band. Pure elegance and beauty.

In conclusion, 'Über den Sternen' is an excellent work by Empyrium and aside minor complains from me side, this is a brilliant album. 'Über den Sternen' will make happy all Empyrium fans around the globe and should be a mandatory listen to all who like music made with taste. (Alain González Artola)


(Prophecy Productions - 2021)
Score: 85

https://empyrium.bandcamp.com/album/ber-den-sternen

sabato 6 marzo 2021

Jours Pâles - Éclosion

#PER CHI AMA: Heavy/Black
Formatisi solo nel 2020, i Jours Pâles non sono certo degli sprovveduti, includendo tra le proprie fila membri o ex di Gloson, Uada, Aorlhac, Shining e Asphodèle. E proprio dal mastermind di quest'ultimi, Spellbound e da un disco fatalità intitolato proprio 'Jours Pâles', nasce la band di oggi. Nonostante la compagine comprenda musicisti svedesi, statunitensi e francesi poi, come ormai da protocollo Les Acteur de l'Ombre Productions, la scelta per il cantato è ricaduta sulla lingua francese. Per il resto la formazione è davvero parecchio recente ed 'Éclosion' rappresenta il loro debutto assoluto. Nove brani per 50 minuti di musica davvero convincente che si allontana almeno inizialmente dai soliti clichè di devastazione post-black dell'etichetta transalpina per offrire un sound più educato, che irrompe con le malinconiche melodie di "Illunés". Dicevo educato perchè il cantato è pulito almeno per la maggior parte del tempo, le ritmiche lineari, il riffing sembra un mix tra Dark Tranquillity e Novembre, ma sono soprattutto le melodie affidate ai solismi finali (la lead è affidata a Sylvain Bégot dei Monolithe) che fanno subito breccia nel mio cuore. La successiva "Aux Confins du Silence" mostra invece un altro lato della medaglia dei nostri che sfoderano qui un cantato più aggressivo, una linea di chitarra più ruvida e nervosa ma comunque melodica. Il ritmo è più frenetico, tipicamente black, ma le chitarre soliste fanno ancora una volta la differenza, dando un tocco di epicità e melodia al risultato finale. Apertura arpeggiata per "Ma Dysthymie, Sa Vastitude"con spoken words in accompagnamento. Poi un bel riff di chitarra squarcia l'aria qui più oscura e pesante. E poi via tutti gli altri strumenti con un lavoro al basso eccezionale (bravo Christian Larsson!) cosi come fantasioso il drumming di Phalène. Il pezzo va a progredire a livello ritmico con un funambolico finale con acuti di chitarra e voci taglienti. Ma è sempre quell'alone di malinconia ad aleggiare attorno all'intero lavoro a fare la differenza e rendere la proposta dei nostri più intrigante. "Le Chant du Cygne" è più compassata nella sua andatura, mostrando a livello chitarristico più di un'analogia con i Novembre degli esordi anche se nella parte centrale scorgo più di un riferimento a 'Seventh Son of a Seventh Son' degli Iron Maiden, si avete letto bene, questo a testimoniare le qualità di una band che in pochi secondi arriva a regalarci una ferocissima scorribanda black ed uno splendido finale in tremolo picking. "Eclamé" vede la partecipazione al microfono di Ondine Dupont voce dei Silhouette, il che ci consegna una versione più sperimentale dei Jours Pâles, anche se il sound dei nostri è in costante movimento con il black che incontra l'heavy e il dark si miscela al depressive. Lo stesso genere che si respira nella parte iniziale della title track prima che i nostri ci delizino ancora con giri post-black venati di punk, ma è comunque un grondare di melodia, malinconia, parti acustiche e altre avanguardistiche. I quattro musicisti non si fermano davanti a nulla, sciorinando suoni imprevedibili e tenebrosi come quelli contenuti nella tempestosa, ipnotica ma trememndamente melodica "Suivant l'Astre". Ma le sorprese non sono affatto finite in quanto "Des Jours à Rallonge" ha da presentarci l'ultima ospitata del disco, manco fossimo a Sanremo, con David Lomidze dei Psychonaut 4, che presta la sua tragica voce (anche lui in francese sebbene sia russo) a regalare gli ultimi minuti di grandissima qualità (ma soprattutto emozionalità) per un lavoro davvero notevole a cui manca solo la degna chiusura, affidata alla criptica electro-ambient della strumentale "C2H6O", un pezzo che dopo un inizio atmosferico, ha ancora il fiato per l'ultimo graffio post-black. Sublimi. (Francesco Scarci)

(LADLO Productions - 2021)
Voto: 80

https://ladlo.bandcamp.com/album/closion