God Syndrome - Controversy

#PER CHI AMA: Melo Death/Thrash, Hour of Penance

I God Syndrome sono attivi dal lontano 2011 e dopo un EP nel 2014, si ripresentano al grande pubblico (nel 2016) con un full length, 'Controversy', a dir poco sbalorditivo per coerenza, dinamismo e peculiare ricerca sonora. Il campo di battaglia non è nuovo ed è il death metal, a volte con tendenze più melodiche, a volte più orientato al thrash, a volte più incendiari (come accade in "Clan"). La tecnica la fa da padrona con quel suono lisergico che trasuda Hour of Penance e Bloodbath da tutti i pori, rivisti però con una passione più incline ai Malevolent Creation ed anche una nera visione alla Immolation non guasta nel descrivere la loro musica. Comunque le band citate rimangono punti di riferimento che lasciano il tempo che trovano, visto che 'Controversy' è un album che vive di luce propria, maestoso e potente, devoto alla causa e portatore di sani geni acquisiti dal metal più estremo. Una produzione egregia ed una copertina degna di una band d'alto rango, completano il resto. Aggressivo nelle violente vocals gutturali, frenetico e melodico al tempo stesso, elettrizzante in ogni sua parte, il lavoro della band di Samara è heavy e metal fino al midollo. Il suono vira sempre verso soluzioni molto moderne, fresche, cariche, complesse ma accessibili, con ricami chitarristici di tutto rispetto e ottimi risultati sonori per veri estimatori del genere. Le casse del mio stereo tremano e le mie orecchie godono di fronte ad una song come "Five Acts of Deception", devastante ed epica. La corsa continua, velocità, rabbia e perizia tecnica ("The Last Option" è peraltro splendida) si mettono al servizio del buon ascolto senza perdersi mai in virtuosismi insensati. La band russa sfodera dal suo cilindro magico una gemma di rara bellezza e brutale intensità, una scarica di adrenalina pura, per un'oretta di piacevole violenza sonora, tecnicamente perfetta. Ascolto consigliato in attesa di un nuovo album. (Bob Stoner)

(Mazzar Records - 2016)
Voto: 80

https://godsyndrome.bandcamp.com/album/controverse

Gunash - Great Expectations

#PER CHI AMA: Alternative/Grunge

I Gunash nascono in Piemonte nel 2003 da un’idea del cantante e chitarrista Ivano L. Zorgniotti e del batterista Danilo Abaldo, la line-up si completerà poi nel corso del tempo. Gunash è un gioco di parole tra Ganesh (la divinità indiana con la testa d’ elefante), Gunas (le quattro fasi della materia in trasformazione dell’alchimia indiana) e le parole inglesi Gun (pistola) e Ash (cenere). Una contrapposizione importante tra religione e materialismo, due estremi che rappresentano il dualismo insito nella vita ma anche nella band piemontese. La discografia della band include il loro album di debutto alla fine del 2005 e pubblicato dalla New LM Records e 'Same Old Nightmare', un concept album uscito nel 2012 con la partecipazione di Rami Jaffee, tastierista che milita tra gli altri in Foo Fighters e nei The Wallflowers. Questo terzo album 'Great Expectations' è stato prodotto dalla GoDown Records proprio con Rami Jaffee come produttore (peraltro anche tastierista nella release), quindi un po' di hype è d'obbligo. Il sound dei Gunash è tosto, un mix tra grunge ed alternative rock come quello che si riscontra in "Need to Bleed", song che colpisce per la timbrica vocale che vagamente ricorda gli Offspring e la parte strumentale in stile Seattle anni '90. Roccia dura e polverosa, come il suo riff di chitarra, mentre la sezione ritmica accompagna gli stacchi solisti del vocalist per dare enfasi ai vari stop & go che spingono il brano verso un headbanging da rocker stagionato. La title track addolcisce i toni e ci regala una ballata rock coinvolgente, fatta di chitarre acustiche che s'intrecciano in modo armonioso, cori e assoli lisergici. A conferma che il grande rock non è solo ritmi serrati e riff distorti, ma anche un brano strumentale che si adatta ai vari stati d'animo di chi ascolta e assapora il momento. Dopo l'energia e l'autocontemplazione, arriva il momento più malinconico e rabbioso, ovvero "Mean", brano dal testo graffiante e beffardo, dove la band dà prova della sua bravura nella scrittura dei brani. I Gunash infatti riescono sempre ad unire melodia ed energia senza cadere mai nella banalità, grazie ad arrangiamenti e scelte stilistiche che partono dalle loro influenze, ma che sanno reinterpretare in maniera convincente.Un brano lungo, dinamico, che progredisce solido e vibrante verso la meta. Nota particolare va a "Gunash Blues", un traccia strumentale dal sapore mediorientale, dove sitar e percussioni etniche ci trasportano a miglia di distanza in luoghi carichi di storia e cultura. Nel corso del brano si aggiunge la sezione elettrica per una perfetta fusione tra tradizione e modernità. Una perla strumentale che travolge con il suo flusso melodico che scorre nelle vene come ritrovasse un antico sentiero tracciato nella notte dei tempi. Un album notevole, maturo e dal respiro internazionale, non solo per la produzione e la collaborazione citata in precedenza, piuttosto per lo spessore artistico della band e la loro convinzione nel voler fare musica di qualità. (Michele Montanari)

(GoDown Records - 2017)
Voto: 85

https://www.facebook.com/gunashband/

Hourswill – Harm Full Embrace

#PER CHI AMA: Heavy Progressive, Morgana Lefay, King Diamond

Sempre dal Portogallo ecco un'altra release targata Ethereal Sound Works: si tratta degli Hourswill, che tornano a distanza di tre anni dal loro debut album, 'Inevitable'. La proposta di questo nuovo 'Harm Full Embrace' si conferma orientata verso un heavy progressive che si rende debitore ai Nevermore di Warrel Dane e soci. È infatti da subito chiaro il riferimento al vocalist dell'ensemble statunitense con la opener "Children of the Void", una song sicuramente articolata che però manca di una certa fluidità musicale che risulta palese durante l'ascolto. Nulla da eccepire sulle qualità tecniche del quintetto di Lisbona, forte peraltro del recente ingresso di Leonel Silva alla voce, che oltre emulare il già citato Warrel Dane, ad un certo punto sembra imitare lo stile canoro di Serj Tankian, in una song che mette in luce anche una buona sezione solistica e diversi cambi di tempo ed atmosfera. Le cose tendono a migliorare con la seconda "Blinding Light", anche se il sound continua a puzzare di vecchio, visto che mi viene a ripensare a 'Maleficium' dei Morgana Lefay, ecco non certo un album dell'ultima ora, ma che ci riporta indietro nel tempo di ben 21 anni! Quello che voglio dire è che la proposta degli Hourswill non è malvagia, anzi è ben curata nei dettagli e nella tecnica, però siamo nel 2017 e un qualcosa di simile me lo aspettavo piuttosto negli anni '90, oggi suona tutto come tremendamente già sentito e non adeguatamente modernizzato. Non mancano ovviamente episodi più interessanti: "Liberty Theory" ad esempio è una song più aggressiva, con una bella linea di chitarre, un buon chorus, ma soprattutto con un feeling (e dei vocalizzi) che richiamano quelli di King Diamond. Ultima segnalazione per "Everyday Sage", una lunga suite di oltre nove minuti, dotata di uno splendido arpeggio iniziale che mette in risalto le origini lusitane della band e che poi evolve in un bel pezzone di musica heavy con le palle. Insomma 'Harm Full Embrace' è un album discreto che pone le basi per un lavoro più sopraffino e ricercato per album futuri. (Francesco Scarci)

(Ethereal Sound Works - 2017)
Voto: 65

https://www.facebook.com/Hourswil

Terrifier - Weapons of Thrash Destruction

#FOR FANS OF: Thrash metal, Exodus, Nuclear Assault

When people talk about Canadian thrash metal what comes immediately into my mind are the works of Razor, Exciter (yes, I consider their work during 1983 thrash though they are labeled as speed metal), Slaughter, Annihilator, and Voivod. Who wouldn't remember such killer records as 'Evil Invaders', 'Heavy Metal Maniac', 'Strappado', 'Alice in Hell' and 'War and Pain'? Those who are fond of collecting old relics from the glory days of thrash can back up the next words that I am going to utter. Those Canadian metal acts mentioned above can throw down as hard as those bands coming from the Bay Area and Germany. The record that I am going to review is the work of Terrifier, and I can most certainly say that this offering must be added to that list of highly recommended Canadian thrash releases.

Terrifier is a British Columbia-based thrash metal quintet that was formed in 2003 as Skull Hammer. The band changed its name in June of 2012 after releasing a full-length album way back in 2011. 'Weapons of Thrash Destruction' is the band's sophomore studio record after the debut of 'Destroyers of the Faith' in 2012 while carrying the name Terrifier. What 'Weapons of Thrash Destruction' brings to the table is 42 minutes of fierce and unrestrained thrash music. With electrifying and bellicose tracks such as "Reanimator", "Nuclear Demolisher", "Violent Reprisal", "Drunk as Fuck", "Bestial Tyranny" and "Sect of the Serpent", the band doesn't fall short in supplying blatantly aggressive guitar riffs, kick-ass solos, supersonic drumming, and superb vocals.

The band has prospered in handing its listeners very good metal tunes which are pleasantly reminiscent of an earlier time when groups like Exodus, Overkill, Nuclear Assault and Testament were furnishing a tasty extreme metal blowout for headbangers around the globe. The ingenious and hasty guitar riffs present in this album will make the listeners go insane while headbanging to the material. Both Brent Gallant and Rene Wilkinson show splendid skills behind the axes that they are handling and the solos are well executed. They totally supplied their audiences with a bombardment of top-grade guitar shredding in here. In fact, even some of the tracks that do not stand out appear more fun to listen to because of those awesome solos.

I would also like to mention how well the bassist did in this release. Listeners to this offering can totally feel Alexander Giles' presence and there are moments where his bass playing really stands out. The drum work, though not that one of a kind, contributed as a solid mantle to the overall music that the band was able to engineer. Kyle Sheppard had dispensed a sufficient amount of diversity behind the kit that amplified the profundity and punch of Terrifier's already exuberant resonance.

Chase Thibodeau's vocals are also adequate, and his technique suits the songs in the record very well. Chase's higher pitched shrieks are the clear zenith of his performance in this opus. Of course, the production has also met the highest standard of accuracy in this release. I usually prefer a more raw production when it comes to thrash albums as it gives a more hostile feel to the whole product, but I certainly can make an exemption for substantial records like this one.

This offering may not be an inventive or advanced thrash metal piece, but it's still a terrific release for a group that takes its listeners for a ride down memory lane with this supersonic and turbocharged thrash metal music. Fans of old-school, state-of-the-art, speed metal and 80's thrash will definitely dig this masterpiece. (Felix Sale)

(Test Your Metal Records - 2017)
Score: 90

https://terrifier-tym.bandcamp.com/album/weapons-of-thrash-destruction

Drakkar - Diabolical Empathy

#PER CHI AMA: Power/Speed/Thrash, Nevermore

Signori, quest'oggi facciamo un tuffo nella storia sconosciuta del metal: i Drakkar sono infatti una band belga formatasi nel lontano 1983 (avete letto bene), da non confondere peraltro con gli omonimi nostrani, che tra defezioni, ahimè decessi e scioglimenti vari, ha fatto uscire solo quattro album, di cui 'Diabolical Empathy' è la loro ultima release. Il sound che ritroviamo nelle 13 track qui contenute, oscilla tra power, speed ed un thrash alla Nevermore. Interessante l'intro "The Arrival" che ci proietta in un qualche mercato di una città qualunque dell'Africa equatoriale. Poi s'inizia a fare sul serio, con una batteria di brani, in cui l'elemento comune è un rifferama compatto e acuminato, una voce che ricorda in alcuni frangenti il buon Warrel Dane e degli assoli che mostrano tutta la caratura tecnica del quintetto belga. Fantastico a tal senso il lavoro della speed track, "Rose Hall's Great House" e di quella fuga della sei corde nel suo fantastico epilogo. Più rilassata e meno convincente "Stigmata", anche se poi quando la band si lancia negli assoli, le due asce formate da Pat Thayse e Richard Tiborcz, fanno gridare al miracolo. "The Witches Dance" ha un che di fortemente folklorico nelle sua linea melodica, mentre il riffing è marcatamente power, accompagnato poi da quei chorus in stile teutonico, per soli amanti del genere, sia chiaro. "Plague or Cholera" è un bel pezzone thrash metal che mi ha ricordato i nostrani Aneurysm, in un altro mio personale tuffo nel passato. Un arpeggio apre la ballad "Stay With Me", in cui compare la voce di una guest femminile, Julie Colin degli Ethernity, altra compagine power belga. Il disco prosegue lungo i medesimi binari anche nelle rimanenti tracce, avvicinandosi qua e là ad altre band che han fatto la storia del metal, su tutte mi viene da pensare ai Metallica degli esordi e ai Virgin Steele. Ultima curiosità sull'album: si tratta di un concept cd che collega ogni traccia ad un figura storica rilevante: la vita di Padre Pio a "Stigmata", 'La Divina Commedia' e Dante a "The Nine Circles of Hell", dove peraltro i nostri sfoggiano un altro assolo grandioso, Giovanni Tiepolo e il suo 'Il Sacrificio di Isacco' a "Plague or Cholera" e molti altri; il tutto non fa altro che aumentare la curiosità per i contenuti di un album, che certamente farà la gioia però per i soli appassionati del genere. (Francesco Scarci)

(Dooweet - 2017)
Voto: 70

https://www.facebook.com/Drakkar-Belgium-186282428091944/

Lashblood - UnBeing

#PER CHI AMA: Avantgarde Black, Fleurety

Dall'avamposto russo di Stavropol, nel Caucaso settentrionale, ecco arrivare i Lashblood, misterioso quintetto che abbraccia membri di svariate band, tra cui Deathmoor e Goatpsalm. L'ensemble, attivo da una decade ma con soli due album in cascina (quest'ultimo registrato addirittura nel 2012), è qui aiutato da una serie di ospiti che li supportano nell'esecuzione di quest'album non certo semplice da ascoltare. 'UnBeing' contiene otto song sinistre e questo è chiarissimo sin dall'opener "Frenzy" e dai suoni spettrali che popolano la canzone, al pari di fantasmi che infestano un castello abbandonato. Proprio in questa caratteristica orrorifica, risiede il punto di forza dell'act russo, che guida l'ascolto della propria musica grazie a tormentate melodie, un po' sghembe e disarmoniche, in un pattern musicale allucinato, corredato da voci maligne e dall'uso di un evocativo sax che aumenta le ambizioni dei nostri. Il disco si presenta in linea di massima feroce come approccio stilistico, lanciandosi in cavalcate black death ("Slow Snow") che vedono però smussare la propria irruenza con linee di chitarra affidate ad un tremolo picking glaciale, aperture avanguardistiche e rallentamenti doomish assai efficaci. "The Name of My Melancholy" apre con una variazione nello stile vocale, più oscuro e votato al growling, questo perché nelle prime due song c'era lo screaming efferato di tal Silencer, guest star dietro al microfono. La traccia è però più lineare e poco avvincente, fatto salvo per il tenebroso break centrale, affidato al famigerato sax, vero e assoluto protagonista di un album che probabilmente non avrebbe meritato la nostra attenzione se non avesse mostrato l'utilizzo cosi peculiare di quel demoniaco strumento a fiato. E allora largo ai suoni psicotici del sassofono e al delirante sound dei Lashblood. "To the Rest..." è una song più esoterica a livello vocale, con una musicalità psicotica che segue verosimilmente gli umori altalenanti dei vari cantanti che si piazzano al microfono. Ma è ancora una volta l'assolo di sax a rappresentare il leitmotiv del brano e in generale di un disco che ha davvero diversi punti di forza, che per idee ed interpretazione, mi ha ricordato vagamente 'Min Tid Skal Komme' dei folli Fleurety, cosi come pure l'utilizzo dello stesso sax nel mitico esordio discografico dei Pan.thy.monium, 'Dawn of Dreams'. Splendide a tal proposito la strumentale "Kaleidoscope Grey Heaven", la malinconica "13" e l'incipit della title track che suggellano la performance di questi pazzi e selvaggi sperimentatori russi. (Francesco Scarci)

(Aesthetic Death/SND Production - 2017)
Voto: 75

https://lashblood.bandcamp.com/album/unbeing

Machines of Man - Dreamstates

#PER CHI AMA: Math/Progressive, Between the Buried and Me

È risaputo che in U.S. ce ne sia per tutti i gusti e con questi Machines of Man andiamo a placare il desiderio di coloro che stanno attendendo con ansia il comeback discografico dei Between the Buried and Me, schedulato nel 2018. E allora cosa c'è di meglio che farsi trastullare dalla musica di questi cinque ragazzi di Salt Lake City e dal loro ottimo 'Dreamstate', un album di sette raffinatissimi pezzi di math progressivo che colpisce già in apertura per l'utilizzo del sax nella breve title track e che poi ci consegna una band in grado di disegnare arcobaleni musicali in un vortice emotivo fatto di splendidi assoli (esaltante già in "Symbiosis"), parti tirate e rabbiose, cambi di tempo impressionanti e vocals che si muovono tra un etereo pulito che richiama il buon Tommy Giles e un growling orchesco? D'accordo, i punti di contatto con i BTBAM sono molteplici e assai evidenti, soprattutto se si pensa alla più recente discografia della band del North Carolina, ma parliamoci con estrema sincerità, a chi diavolo gliene frega se i Machines of Man alla fine sono in grado di generare le stesse emozioni dei ben più famosi colleghi? Al sottoscritto francamente non importa nulla, perché brani come il secondo, si ascoltano solo in band dotate di una classe sopraffina. Se poi volete sapere quale altra band potrebbe aver influenzato i miei nuovi eroi di math progressivo, ecco che mi vengono in mente i Contortionist, senza dimenticarsi i Cynic, mi raccomando. A chi si lamenterà invece che i Machines of Man siano alquanto derivativi, beh allora mi viene da rispondervi che il 90% delle band in realtà lo è. E allora io continuo a sostenere la proposta dei Machines of Man, la loro classe che si palesa in assoli da paura anche nella terza cinematica "Days Later", con quel rincorrersi delle due asce in vertiginosi giri di chitarra, in un lirismo davvero un paio di spanne sopra il livello medio, rischiando seriamente di minare il trono detenuto dai BTBAM, ma questo lo potremo valutare soltanto fra 4-5 album della band proveniente dallo Utah. I Machines of Man sono ottimi musicisti, sappiatelo: se smusseranno quel retaggio death/metalcore che permea ancora alcune parti dei loro brani, staremo già parlando di una band che per i prossimi vent'anni si farà portavoce del neo movimento progressive. Un pianoforte accompagna la voce deliziosa di Austin Bentley, spiazzando tutti in "Bones of the Sky", in quattro minuti di atmosfere sognanti. La compagine statunitense ha ancora le ultime cartucce da esplodere con le rimanenti "I Am the Colossus" e "Fractals": la prima è inizialmente aggressiva, ma poi il quintetto torna a drappeggiare splendidi scenari esotici, aperture caraibiche e schitarrate flamencheggianti con la voce del frontman che si presenta in molteplici vesti, addirittura ammiccando in un breve frangente al vocalist dei Muse. L'ultima perla rappresenta il connubio di quanto ascoltato fin qui, un gioiello che raccoglie in un sol boccone ritmiche belle tirate, melodiche, tecniche, costantemente ispirate, che sanciscono la nascita di una nuova band di fenomeni, i Machines of Man. (Francesco Scarci)

(Self - 2017)
Voto: 85

https://machinesofman.bandcamp.com/album/dreamstates

Cold Cell - Those

#PER CHI AMA: Atmospheric Black, Schammasch, Celtic Frost

Dopo aver esordito nel 2013 per la Gravity Entertainment, essere passati per la "nostra" Avantgarde Music con il loro secondo lavoro, gli svizzeri Cold Cell tornano a casa, arruolati dalla Czar of Bullets. Escono ora con il terzo album della discografia, intitolato semplicemente 'Those', un titolo enigmatico quasi quanto la cover del digipack, una cornice su un ritratto spettrale ed inquietante che si riflette nella musica oscura del quintetto di Basilea. Otto le canzoni a disposizione per i nostri per conquistare nuovi fan grazie alla bontà della loro proposta musicale. La compagine confederata propone un black atmosferico, che già dalla opener "Growing Girth" convince non poco per i suoi contenuti, grazie ad un sound tenebroso che chiama in causa per assonanza musicale, i connazionali Schammasch (sarà un caso che due dei membri dei Cold Cell suonino anche in questa band?). È un black mid-tempo quello che risuona nelle casse del mio stereo, dal taglio assai melodico e che sporadicamente vive di accelerazioni post black. La voce di S, che ricorda per impostazione vocale quella di Attila Csihar, si conferma davvero buona nel suo intellegibile screaming. "Entity I" è un pezzo decisamente più breve rispetto alla opening track, ritmato ed epico quanto basta, che sfoggia un break centrale orrorifico; non mi è chiaro però per quale ragione la band l'abbia scelto per farne un video, tre minuti li reputo infatti un po' troppo scarsi. Nel frattempo il disco avanza ed esplode la sua funambolica rabbia post black nella terza "Seize the Whole", che identificherei musicalmente come un mix musicale tra i Wolves in the Throne Room e i Celtic Frost, questi ultimi forse la più palese influenza per i nostri. I suoni sono rarefatti ma incisivi quanto basta, soprattutto nella lunghissima "Tainted Thoughts", dove rilevo un'altra influenza importante per l'ensemble svizzero, i Bethlehem e il loro plumbeo dark sound che riempie una song cruda a livello ritmico, in cui a mettersi in luce è invece una batteria sparata a tutta velocità su degli arpeggi compassati di chitarra che assieme alla voce sempre ispiratissima e a rallentamenti carichi di tensione nella seconda metà del brano, rappresentano il punto di forza di questa release. La registrazione è impeccabile, non fosse altro che alla consolle si è seduto Victor Bullok (Triptykon, Farsot e gli stessi Schammasch): lo dimostra anche l'evocativo sound di "Sleep of Reason", gelida e funerea nel suo incedere liturgico che solo verso il finale evolve in un deflagrante suono primordiale in cui tutti gli strumenti nel loro atavico caos, sono in realtà posizionati chirurgicamente nel migliore dei modi. "Entity II" è un altro breve capitolo, che forse funge da collegamento a "Drought in the Heart", una song dall'attitudine mortifera e disperata (almeno a livello vocale) che esalta le capacità tecniche di aW dietro le pelli e che gioca con un riffing in tremolo picking che ne enfatizza il mood decadente. A chiudere ecco gli ultimi nove minuti di "Heritage", una song più tradizionale dal punto di vista ritmico che conferma le qualità indiscusse di una band di cui sentiremo certo parlare in futuro. (Francesco Scarci)

(Czar of Bullets - 2017)
Voto: 75

https://cold-cell.bandcamp.com/

Arctos - A Spire Silent

#PER CHI AMA: Epic Black, Windir, Unanimated

È aria gelida quella che respiro nelle note iniziali di 'A Spire Silent', opera prima (un EP in realtà) dei canadesi Arctos (band che raccoglie membri ed ex componenti dei Trollband). Sebbene siano dolci tocchi di pianoforte quelli che risuonano nell'etere, essi mostrano una connotazione assai malinconica che non prelude a nulla di buono. E infatti, dopo poco meno di un paio di minuti, l'opener " Dawn... Sons of Death" dischiude tutta la sua furia in un black serratissimo di stampo cascadiano che ahimè non sembra mostrare una produzione del tutto cristallina. Le ritmiche sono decisamente forsennate e ad uscirne penalizzato sembrerebbe proprio il suono della batteria, sulla quale s'innesta il rifferama nordico in tremolo picking del duo di asce (dal vago sapore a la Unanimated), lo screaming abrasivo del cantante Dan e dei synth che popolano nelle retrovie l'intero lavoro. La proposta sonora del quintetto di Edmonton sembra trovare giusto un attimo di tregua con un'altra intro pianistico, quella che introduce un altro funambolico pezzo, "Altar of Nihil", che individua nella musica classica le maggiori influenze musicali dei nostri, cosi come in un passato decisamente folkish per la maggior parte dei membri della band. La song si muove nella parte centrale verso sonorità più votate a suoni epico-bucolici che ammorbidiscono, per certi versi, l'irruenza dell'ensemble dello stato di Alberta. La musica strizza l'occhiolino anche ai Windir, prima di orientarsi verso territori decisamente più sinfonici che evidenziano una certa ecletticità di fondo della compagine canadese che si abbandona alla classica chiusura di brano affidata a suoni nostalgici e temporaleschi che introducono alla title track. Molto meglio il lavoro qui alla batteria, anche se a tratti risulta un po' troppo ovattata nei suoni. Il drumming guerriero viene accompagnato in questo frangente da una bella linea di chitarra (fantastico a tal proposito l'assolo conclusivo) responsabile nel costruire un mid-tempo che sembra anticipare musicalmente quanto l'ultima bonus track ha da raccontarci degli Arctos. Il finale è infatti affidato alla cover degli Amon Amarth, "As Long As The Raven Flies", estratta dallo splendido 'The Crusher', l'ultimo arrembante attacco dei cinque musicisti nord americani, di cui però avrei anche fatto a meno per gustarmi un pezzo in più dei nostri. In conclusione, 'A Spire Silent' è un buon biglietto da visita per gli Arctos: con i giusti accorgimenti, soprattutto a livello di suoni di batteria, la band si e ci potrebbe regalare ottime soddisfazioni. (Francesco Scarci)

(Self - 2017)
Voto: 70

https://arctosofficial.bandcamp.com/releases

Barathrum - Fanatiko

#FOR FANS OF: Black, Behexen, Azaghal

Barathrum are back from the dead. Well, I do not know whether this is really good news, because some of their older albums were as interesting as a glass of sour milk. But let's focus on the comeback work whose opener discovers a noisy and roughshod production. Barathrum are not afraid of celebrating an apocalyptic feast. This does not mean that they wallow in an orgy of high velocity, but their sometimes occurring affinity for doom metal also does not prevail. In other words, Barathrum do not explore the extremes in terms of speed. But believe me, dear guest in the pit of the damned, they are extreme, at least the guy at the microphone. His animalistic and extrovert performance expresses torture, insanity and misanthropy at the same time. The strange kind of human octopus (admittedly, two arms are missing) that ornaments the cover illustrates the murderous approach of the lead vocalist pretty good. His performance is rounded off by an overdose of reverb. Patients with a weak heart are not allowed to listen to this devil who is supported by likewise mind-boggling background vocals.

Sometimes Barathrum appear as the melting pot of extreme Finnish metal. The insanity of Impaled Nazarene meets Behexen's nightmarish violence and both fall in love with the inhuman negativity of Azaghal. In addition, some boozy moments remind me of black thrash hordes like Urn. This does not mean that Barathrum are the kings of ultra-harsh metal from the land of the thousand lakes. One cannot say that each and every track hits the nail on the head. Tunes such as "Sadistic Pleasure" leave room for optimization. But the album grows with every new round and the overall impression is sometimes atmospheric (listen to the bell in "Spirit of the Damned" or enjoy the expressive guitar work at the beginning of the partially viscous "On the Dark River Bank"), mostly intense and always impressive. I don't think that this album will leave you cold, because it belongs to the love-it-or-hate-it outputs. And to manage the art of polarization is anything else but bad in terms of publicity.

Of course, the lyrical content defies description. Barathrum proclaim the "massacre of believers" and sing about "their own excrements mixed with their own blood", because "pleasures of the violence create orgasm". I admit that this is a new finding for well-educated fools like me. Furthermore, song titles such as "Pope Corpse Tattoo" speak for themselves. But come on, that's part of the business and even after 35 years of listening to extreme sounds, I cannot say that this kind of lyrics has any influence on my mentality. The music is what really counts. "Church of Amok" for example, shreds my nerves adamantly; the apocalypse breaks loose and I like it. Okay, the infernal doomsday scenario does not constitute a unique selling point of this track, but the concise guitar work with its simple and accessible line ensures that the track stands out. Nevertheless, "Fanatiko" works more or less as a whole, the album delivers a better overall picture than the sum of its parts. Honestly speaking, I am not quite sure whether this is the work of living humans. Anyway, it doesn't matter. Although I don't know the exact form of their existence, one thing is for sure. Barathrum are back from the dead. (Felix 1666)

(Saturnal Records - 2017)

Score: 75

https://barathrum.bandcamp.com/

Petrolio – Di Cosa si Nasce

#PER CHI AMA: Experimental Ambient/Drone/Electro Noise

Enrico Cerrato è un musicista navigato che ha solcato i mari istrionici del metal (con gli Infection Code), del jazz/noise/punk (con i Moksa), dell'industrial (con i Gabbiainferno) e qui, nel suo progetto solista, si mette a servizio dell'elettronica per confrontarsi con la drone music più gelida e l'industrial più oltranzista, fatto di rumore sospeso, macchine robotiche e ritmiche glaciali, monotone e minimali. L'umore è nero come il nome con cui si fa conoscere e le composizioni sono agghiaccianti, cariche di solitudine, con una forma di shoegaze ipnotico e lacerato, dissonante e distorto, ottimo per descrivere il vuoto interiore. Suoni ve ne sono, sparsi qua e là, accordi decadenti e feedback condividono lo stesso piano di ricerca di confine col noise, scariche di batteria sintetica vengono tolte al mondo dell'elettronica per giocare con il metal o almeno con un'attitudine percepita dall'oltretomba, come se i Godflesh usassero i synth al posto delle chitarre. Un corpo estraneo da assimilare lentamente che penetra nelle nostre orecchie per far riflettere, per fare male, con quel suo rumore ammaliante, sottoscritto dai guru Dio)))Drone, Taxi Driver Records, Vollmer Industries, Toten Schwan Records, È Un Brutto Posto Dove Vivere, Dreamingorilla, Screamore e Brigante Records. L' album ha tutte le carte in regola per piacere agli estimatori dei vari generi ambient, industrial e drone estremo e sperimentale. Questo primo album, 'Di Cosa si Nasce', uscito a primavera del 2017, non apporta geniali riforme al genere ma è coniato con ispirazione e gusto da un musicista italiano che conosce molto bene i territori musicali che vuole esplorare e con cui vuole confrontarsi, ottenendo sempre ottimi risultati sonori. Una sorta di buia colonna sonora per una passeggiata in una città abbandonata. Da ascoltare. (Bob Stoner)

(Dio)))Drone, Toten Schwan Rec., Taxi Driver Rec., Vollmer Industries, DreaminGorilla, Screamore, È un brutto posto dove vivere, Brigante Rec., Edison Box - 2017)
Voto: 75

https://diodrone.bandcamp.com/album/di-cosa-si-nasce

Sepultura - Machine Messiah

#PER CHI AMA: Thrash Death

Udite udite, ma soprattutto cominciate a preoccuparvi. Il ritorno del messia è imminente. Altro che Gesù Cristo. Questo qua è uno spietato dio meccanico visibilmente incazzato (cfr. le speculari "Machine Messiah" e "Cyber God" che incorniciano l'album). Sentite la carne mutare in metallo (il singolo "Phantom Self")? Percepite quel senso di impotenza mentale che vi impedisce di fronteggiare la svilente massificazione dell'umanità ("Alethea")? Voi siete voi, giudafinocchio ("I Am the Enemy") e la vostra sofferenza ("Resistant Parasites") sfocerà presto in rabbia e ribellione ("Sworn Oath"). Se non vi sorprende questo sorprendente cyber-concept disto(pi)cazzo, allora affidatevi ai suoni. La inaspettatamente rarefatta "Machine Messiah" in apertura introduce e mistifica: nei suoni operosi orditi dal volonteroso Andreas Kisser distinguerete poi chiari elementi speed-thrash old-school (alla Slayer, ecco), almeno in "I Am the Enemy" e "Vandals Nest", alternati a quel brutale death-bloody-death ("Silent Violence", "Resistant Parasites", "Alathea") che i Sepultura insegnarono al mondo intero nei primi anni '90. In almeno un paio di occasioni si eccede per zelo: il mélange samba + death-metal + violino-maghrebino di "Phantom Self" è davvero troppo, dal momento che né voi né io né men che meno i Sepultura siamo Claude Challe; più interessante il death-flamenco espresso dallo strumentale "Iceberg Dances", in cui rileverete un lavoro di chitarra di assoluto pregio. Ascoltate questo album in digitale domandandovi per quale diavolo di ragione un disco di quarantasei minuti debba essere spalmato forzosamente su ben due vinili. Nelle bonus track una punk-ruffiana versione della sigla del cartoon giapponese "Ultraseven" che suona un po' come suonerebbe "Azzurro" cantata dai Toten Hosen. È per questo che ci estingueremo. Altro che messia meccanico dei miei stivali imbrattati. (Alberto Calorosi)

(Nuclear Blast - 2017)
Voto: 80

https://sepultura.com/

Frank Sinutre – The Boy Who Believed He Could Fly

#PER CHI AMA: Funk Electro Dance, Offlaga Disco Pax, Brian Eno

I Frank Sinutre sono una vecchia conoscenza del panorama italiano che da tempo solca l'alternativa musicale del bel paese. Tornano nel 2017 con un album nuovo (il terzo), 'The Boy Who Believed He Could Fly', ed una proposta fresca e ben fatta. Siamo nei paraggi della musica sintetica, elettronica e che strizza l'occhiolino alla elettro/dance senza vergogna (vedi il funk plastificato di "Sunset with Sunrise") e cerca sempre lo spiraglio per riuscire a creare un pop che per certi aspetti si dica intellettuale. Tra vocoder alla Daft Punk, atmosfere sospese alla Air ed il gusto da classifica dei Subsonica, i Frank Sinutre provano la via del pop di classe a 360°, contornato da atmosfere soffici e suadenti, come nel brano "Credeva di Volare", particolare e giustamente critico nei confronti del vivere sempre più limitato imposto dalla società attuale, unico brano cantato peraltro in lingua madre da Cranch (in veste di ospite) che si ricollega per incanto al Tricarico più tagliente. La forza comunque del disco va ricercata anche in una cura maniacale dei suoni, un'ottima produzione, un gusto per il digitale esasperato che ricollega il duo Pavanelli/Menghinez alla migliore tradizione dance internazionale alternativa, alla lounge music riflessiva e d'ambiente. Undici brani creativi in un universo musicale che offre mille sbocchi sonori, in un mondo, quello del digitale che permette di arrivare ovunque (leggasi anche Ultimae Records). Ottima è la rivisitazione finale in versione minimal/ambient strumentale di "Credeva di Volare", con una splendida vena sperimentale, suoni rubati ai vecchi videogame dal bar di paese di una volta, ritmica ridotta all'osso e ambienti sonori astratti, dal lontano e futurista sentore etnico. Un disco gradevole, moderato che non carica né banalizza troppo il suono, anche se i sedici minuti del brano conclusivo, meritano una riflessione sulla vera natura e sulla via perseguibile dalla band in futuro. (Bob Stoner)

(New Model Label - 2017)
Voto: 75

https://franksinutre.bandcamp.com/album/the-boy-who-believed-he-could-fly

Mason - Impervious

#FOR FANS OF: Thrash/Groove Metal, Testament

Mason from Melbourne, Australia is exactly what I would describe as modern thrash. Through a mix of the expected big crunchy guitars, ripping riffs reminiscent of major thrash mainstays, and embracing more of the modern groove style popularized by the 2000s American metalcore scene, this band absolutely captures the energy and ethos of thrash metal while balancing its aggressive and nuanced approaches that give headbangers plenty to think about while wrecking their necks.

Playing to a chorus reminiscent of Testament's “Over the Wall”, the opening riff of “Burn” starts you off on the short fuse of the '80s thrash and dash style before giving way to a long series of solos in its second progression. This movement from restless tearing guitars into a lumbering metal behemoth's groove shows a versatility that harnesses the texture of its more modernized approach while still shredding into the meat of oldschool thrash metal malice as it wraps you in the harmonic helix created by noodly classical notes.

This album shows a sophisticated evolution of its thrash elements into metalcore and groove movements throughout complementary songs that, without compromising intensity, push past the primitive plateaus found in the seminal works of one of heavy metal's most aggressive and vibrant eras. The album cover expands on the content's vivid and lively sound with a blend of impressive colors washing a swath of impressionism across the canvas as the muted mixture captures a moment of a hulking beast of burden bearing severed heads, sloshing skull-fulls water along a dangerous path. Like the band plays on the knife's edge between the modern metal style and the classic thrash conventions, the horse is spurred on by youth towards the brink of brutality before bucking back against that notion lest it lose its direction.

Throughout 'Impervious' there is a lot of rolling from a very robust drum kit that accentuates energetic guitars swirling spirals of chaos, loosening up a neck to spin throughout “Tears of Tragedy” as treble rises into the most utterly glorious soloing section in these thirty-six minutes. “Cross this Path” takes the role of your traditional '80s style thrash offering with the saw of guitars swinging across the top of the rhythms before expanding into an almost Gothenberg scope of harmonies with the fun energy of All That Remains engulfing the listener in a twist of treble that is as beautiful as its extending tendrils are deadly. Alongside the aggression of the blasting opening to “The Afterlife”, and the Skeletonwitch sort of anthemic sound with a Slayer vocal delivery to “Sacrificed”, these songs create a quality core composite of strong b-side singles while the title track takes center stage. Running around its melodic main riff well through its chorus, this title track experiments with a more mobile groove and a 21st Century American metalcore sound that has me thinking of a more mechanical and harder hitting The Autumn Offering. Bits of All that Remains in the song with that metalcore style of anthemic and harmoniously uplifting tenacity reach out to caress your inner headbanger and show a strong spirited songwriting strength as Mason hammers home its prestige piece.

Throughout 'Impervious' is a consistently quality delivery that shows the aptitude of this modern thrash troupe in fashioning a sturdy bridge between the old and the new, between headbanging aggression and gorgeous soloing, and between crunchy groove and compelling metalcore. Mason is truly a force to be reckoned with as it keeps the fires of thrash alive with bellows from the bowls of hell. (Five_Nails)

(Self - 2017)
Score: 85

https://www.facebook.com/masonofficialband/

The Pit Tips

Francesco Scarci

Cradle of Filth - Cryptoriana
Septicflesh - Codex Omega
Wintersun - The Forest Seasons

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Michele Montanari

Ufomammut - 8
Planet of the 8s - S/t
Spaceslug - Mountains & Reminiscence

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Five_Nails

Enslaved - E
Mason - Impervious
Sagittarius - Fragmente III: Fassungen

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Alberto Calorosi

Swans - Children of God
Neil Young - Hitch Hiker 
Styx - The Mission

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Felix Sale

Pathogen - Ashes of Eternity 
Incantation - Profane Nexus 
Immolation - Atonement 

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Matteo Baldi

Pink Floyd - Meddle
Porcupine Tree - Fear of a Blank Planet
Melvins - Stoner Witch

One Life All-In - The A7 Session

#PER CHI AMA: Punk/Hardcore

Sono solo sedici i minuti a disposizione della band franco-americana One Life All-In per convincerci della bontà della loro proposta musicale. Formatisi da membri che hanno avuto esperienze più o meno importanti nella scena musicale, i quattro musicisti ci propinano sette song che strizzano l'occhiolino da una parte all'hardcore, dall'altra ad un punk rock d'annata. Dicevo sette tracce, brevi, essenziali, divertenti che convogliano le influenze di cui sopra, in modo moderno: devastanti e tremendamente old fashion i settantasei secondi di "Don't Give Up", più misurata e ruffiana nell'approccio "All-in", che tuttavia in due minuti e mezzo di musica, riesce a cambiare più volte abito e sfoggiare peraltro un bell'assolo conclusivo. "Won't Die With Regrets" sembra puzzare inizialmente di semi-ballad, ma poi tra chorus incazzati e ritmiche cariche di groove, mi convince appieno. Violentissima la ritmica iniziale di "Beats the Daylights Outta Me", un brano che poi tende ad ammorbidirsi, complici le melodie accattivanti e quei cori che sovrappopolano l'EP. Alla fine, 'The A7 Session' è un più che discreto lavoro di musica energizzante, che può contribuire a liberarvi la mente per un quarto d'ora di sonorità fresche, incazzate e assai melodiche. Let's move our bodies... (Francesco Scarci)

(Self - 2017)
Voto: 65

https://onelifeallin.bandcamp.com/releases

Corpus Diavolis - Atra Lumen

#FOR FANS OF: Black/Death

'Atra Lumen' is the third full-length studio record of the French black/death metal horde Corpus Diavolis. To those of you who haven't heard of the band yet, they have been offering one of the most veiled and dismal extreme music materials in the French underground for nine odious years. But unlike most of the bands playing in the genre of hybridized black and death metal, Corpus Diavolis renders a more catastrophic mixture of black metal and death metal elements; complemented with some heavy amount of ponderous doom segments.

This is actually my first time listening to a whole album produced by the band. I wasn't really aware of their existence until my mate Franz, of The Pit of the Damned, introduced me to them by giving me a copy of the band's third studio offering. The moment I got access to the band's material, I immediately got hooked on their brand of obscure doom-laden black/death metal music.

First thing that one can notice about this album is the dusky and extremely foul ambiance that each song provides. The vibe that the eight tracks carry yields a very heavy feel into the overall output of the album. Both the slow-paced and mid-paced sections of album were impeccably executed by Corpus Diavolis. There are even a number of fast paced moments in the album, where the band has shown quite some skill when they've put their focus on it.

The down-tuned guitars assemble grotesque riffs that flow through the forty-four minute run of the record. These riffs strike hard, and it's as if they shake the earth with such abominable force as to open the gates of hell and sink the whole humanity to dust. But even with its low-tuned pitch, both guitars were still able to deliver some clear death and black metal fragments in the mix.

The drum work in the album might not be the most complex or esoteric drumming that you'll hear in the extreme metal genre, but it bears a dense and igniting zest that will certainly take its audiences to a chest-pumping and headbanging barrage. Plus, the drum blast beats don't stay stagnant the whole time, but show a great variety of form by the drummer, bringing a more varied approach in the whole offering.

Another upside about this release is the ancestral black metal harsh screeches and ritualistic temperament on the vocal part. I love it when a band's front man does not overdo his role in that area. The more straightforward it is, the more it gives a fitting outcome. Production wise, the record also does not fall short in that category. Everything in here was mixed well, and it highlighted every aspect that the band wanted to in the release.

I also find the record's album cover very fascinating. It might not be as radiant or evil as the other art covers in the extreme music realm, but it put on to view the utmost darkness and anguish that one should expect in a material put out by Corpus Diavolis. Well, after all, it does not take an expert on arts to recognize an exquisite handwork.

To cut this review short, 'Atra Lumen' is an opus packed with utter darkness and black art influence. This is worth the money to purchase, and it's one of the finest offerings under the black/death metal genre that I have listened to in a while. (Felix Sale)

(ATMF - 2017)
Score: 75

https://atmfsssdtp.bandcamp.com/album/atra-lumen

Tracker - Rule Of Three

#PER CHI AMA: Alternative/Stoner

Alla prima occhiata, il cartonato del combo di Innsbruck rasenta l'anonimato, con la classica confezione a due ante con libretto sotto la prima di copertina, ed immagini di luoghi post industriali cementificati che si perdono al suo interno, sebbene quello sullo sfondo assomigli al Monte Bromo. Formatisi nel 2005, i Tracker hanno raccolto in questo album, 'Rule of Three', un insieme di rock, desert, psichedelia, stoner e trance. Ho dovuto ascoltarlo circa sei volte per rendermi conto di tutto quello che c'era dentro; sicuramente tanta, ma tanta roba raccolta in anni di prove a gettare riff e bridge al vento. Quello che ne è rimasto è però favoloso. Sull'album figurano solo tre compositori, Martin, Max e Daniel, polistrumentisti, tutti cantanti e "giocatori" col synth. Dietro a quest'album però c'è una vasta schiera di musicisti, improvvisatori e cantastorie elettronici. Gli stati d'animo all'interno del disco mutano radicalmente, in un viaggio in macchina solitario che fa cambiare orizzonte ad ogni canzone. Sembra che le apocalissi e le ere geologiche passino e loro rimangono li solo a narrare senza aggiungere nulla di più. Le canzoni che mi hanno colpito di più sono "Veins Out" con i suoi urlati disperati, passando poi a "I Work at the Fuzz Factory" che sembra una caricatura dei Fu Manchu e ad un brano post-rock/country come "Peccadillo", che sembrano non far parte di quest'album, ma che ci stanno bene lo stesso. Una cara persona mi ha lasciato una frase che porto sempre dentro di me quando lavoro, suono, esercito in generale una passione: "impara tutto, dimentica tutto e fai come ti pare". Questa frase rappresenta pienamente i Tracker, un gruppo che ha una maturità da vendere mutuata dall'esperienza dei singoli, che sicuramente devono aver fatto una gavetta serrata, la pratica li ha resi quasi perfetti, ma sono le loro idee astratte ad averli portati oltre. Un disco da ascoltare e da portare con sé soprattutto nei momenti più intimistici.(Zekimmortal)

(Noise Appeal Records - 2017)
Voto: 85

https://www.facebook.com/trackerband/

Wolf Counsel - Age Of Madness / Reign Of Chaos

#PER CHI AMA: Doom, primi Cathedral

Pronti ad immergervi in soffuse atmosfere sludge doom con gli svizzeri Wolf Counsel? Freschi di uscita con questo terzo album, 'Age Of Madness/Reign Of Chaos', la band di Zurigo torna con un nuovo intrigante lavoro, forti sempre del supporto della Czar of Bullets alle spalle. Sette brani, per una quarantina di minuti a disposizione, per abbandonarsi ad un sound che ci riporta ai vecchi classici del genere, Black Sabbath in testa, senza però scordarsi i più recenti, si fa per dire, Cathedral. I Wolf Counsel non sono certo dei pivelli e lo dimostrano le architetture sonore innalzate ad esempio nella lunghissima, funerea ed ipnotica title track, song che delinea l'animo nero come la pece del quartetto elvetico, di cui mi preme sottolineare la performance vocale del bravo Ralf Winzer Garcia e dello splendido assolo conclusivo (di chitarra, basso e poi batteria), che sottolinea la vena musicale dell'ensemble votata agli anni '70/80, da brividi e palma come mia song preferita. In "O' Death" compare la voce di una gentil donzella, Daniela Venegas, con una timbrica vocale che si avvicina a quella di Anneke van Giersbergen, ex dei The Gathering, che duettando con Ralf, ci regala quattro minuti di musica vibrante, emozionale che prende un po' le distante dalle altre tracce. Esperimento decisamente riuscito. Si torna ad un riffing più compassato con "Eternal Solitude", in cui la voce del buon Ralf, sembra il perfetto ibrido tra Ozzy e Lee Dorrian. L'ultima curiosità per l'album è relativa al testo di “Coffin Nails”, una sorta di campagna antifumo che sottolinea come i nostri siano anche attivi da un punto di vista sociale. Insomma, 'Age Of Madness/Reign Of Chaos' conferma l'ottima verve musicale di questi ragazzi zurighesi e l'oculata attenzione di un'etichetta, la Czar of Crickets e consociate, che sta crescendo giorno dopo giorno a vista d'occhio. (Francesco Scarci)

(Czar of Bullets - 2017)
Voto: 75

https://www.facebook.com/thewolfcounsel

Cepheide - Saudade

#PER CHI AMA: Black Depressive

Seconda comparsata dei francesi Cepheide all'interno del Pozzo dei Dannati: era il 2014 infatti quando recensii il demo 'De Silence et De Suie', che ci mostrava come i nostri armeggiavano abbastanza bene un black atmosferico dal forte piglio depressive. A distanza di tre anni da quel lavoro e con un EP nel frattempo in mezzo, ecco finalmente giungere l'agognato album d'esordio per il quartetto parigino, intitolato 'Saudade'. Sapete bene come questo termine in portoghese indichi una forma di malinconia, una specie di ricordo nostalgico, di un bene speciale che è ora assente, accompagnato da un desiderio di riviverlo o ripossederlo. Potrete pertanto immaginare come quest'emozione si rifletta di conseguenza nel sound dei nostri, in una proposta musicale che non si discosta di un millimetro da quel cd di cui vi ho già raccontato. Cinque tracce che si lanciano alla ricerca dello spleen, la tristezza meditativa che venne resa famosa durante il decadentismo dal poeta francese Charles Baudelaire, e che era stato utilizzato anche anteriormente nel Romanticismo. Ora, i Cepheide mettono in musica tutto questo senso di disagio esistenziale già dalle note della lunga "Une Nuit qui te Mange", dieci minuti di black melodico intriso di un potente mood nostalgico che si palesa attraverso epiche cavalcate e sconfinate atmosfere strazianti, corroborate dallo screaming nefasto del frontman Gaetan, mente peraltro anche degli Scaphandre. Lo stato di cupa angoscia e depressione presente, prende ancor più forma nell'infinita desolazione di "Madone", la seconda traccia, che si lancia in furibonde accelerazioni black, e in cui la voce del vocalist risulta più confinata in secondo piano. Anche a livello lirico non siamo di fronte a testi cosi allegri e il titolo della terza "La Lutte et l'Harmonie", credo lo dimostri ampiamente. La miscela sonora della band transalpina prosegue con la stessa formula musicale, un blackgaze stemperato da rallentamenti atmosferici e da quel pesante senso di malinconia che avvolge in modo persistente l'intero album ma che fondamentalmente attenua un sound che forse ai più risulterebbe caustico nelle sue taglienti chitarre, nei suoi cambi di tempo e in quelle sgroppate dal forte sapore post black. La quarta tiratissima song è "Le Cinquième Soleil", che per atmosfere mi ha rievocato un che dei Burzum di 'Hvis Lyset Tar Oss', anche se qui le voci belluine trovano il modo di cedere il passo ad un cantato più corale. 'Saudade' alla fine è un disco abbastanza convincente, come testimoniato anche dall'ultima "Auréole" (song che si mette in luce peraltro per una migliore stratificazione delle chitarre), che tuttavia necessita ancora di qualche aggiustamento per consentire alla band francese di emergere dalla massa informe di band che inflazionano il panorama black internazionale. (Francesco Scarci)

(Self - 2017)
Voto: 70

https://cepheide.bandcamp.com/album/saudade

Saiva - Markerna Bortom

#FOR FANS OF: Folk Metal

Another one-man band from Sweden, Saiva is the product of Andreas Petterson, a once corpse painted black metal warrior who has appeared with numerous underground acts before settling into the more folk influenced periphery since hanging up his screaming face. With Saiva there is as much to be expected as there is in Grift. Saiva's sound is music to thresh wheat to, to stare at trees to, and to hang outlanders from those trees to as much as Grift's music is to sulk, question, contemplate, and commit suicide to.

Throughout Saiva's 'Markerna Bortom' is a general air of ancient and timeless chanting to quiet and toned-back minimalist guitars picking their way around softly rippling cycles. Distant cries can be heard from Grift's Erik Gärdefors in “Där Vindar Vänder” among other collaborations that round out an album enhanced by the contributions of Panopticon's Austin Lunn and Juha Marklund of Tervahäät. These additions surely do embrace that idea of 'solidarity in solitude' through an isolating experience between the shakes of the strings while the imposing ensemble can conjure the anxiety of being stalked by phantom fears behind every tree.

“Varsel I Vildmark” has harmonizing calls that leap with a bark as the guitars wrap around themselves through the dreamlike end of the song, predicating the yelping accents throughout the vocal harmony in “Nordan”. Most distinctive however, is how “Nordmarkens Älvar” and “Där Vindar Vänder” create an endless flowing sound with their calming guitars. While the river calmly bubbles along in “Nordmarkens Älvar”, the flood of a full compliment inundates the second progression in “Där Vindar Vänder” as chanting, a second guitar, and pounding drums submerge stone and shoreline with icy intensity.

The quivering lilting in the guitars makes for a quintessentially black metal offering of twisted harmonies as a second set of strings stands hairs on end and sends shivers down your spine. Even when taken down to its most basic tones and without the raging resonance expected in voluminous reverberations, the tone of this album retains its foreboding atmosphere. This is especially found in the second movement of “Nordan” where the gritty riffing growls behind an ever suffocating wall of imposing treble sounds to create a claustrophobic atmosphere before the wave breaks. Though the aggression of 'Markerna Bortom' is understated and far less apparent than the average screaming black metal band, the mesmerizing atmosphere and steadily growing sound with all its guitar additions, chants, martial drumming, and chest-clenching uproar finds its own delirious place in the mysticism of black metal's disorienting wilderness. (Five_Nails)

(Nordvis Produktion - 2017)
Score: 75

https://saiva.bandcamp.com/album/markerna-bortom

Heir - Au Peuple de l'Abime

#PER CHI AMA: Black Thrash Sperimentale

Poco più di un anno fa, recensivo lo split cd degli Heir, allora in compagnia di Spectrale ed In Cauda Venenum. La band di Tolosa arriva finalmente al full length d'esordio per la sempre attiva Les Acteurs de L'Ombre Productions. Il black incendiario dei nostri si conferma anche nei 40 minuti di questo 'Au Peuple de l'Abime' e nelle cinque lunghe tracce contenute, che si aprono con la furia inarrestabile di "Au Siècle des Siècles", una song diretta che a poco a poco evolve in un sound assai ostico da ascoltare, a causa anche di una registrazione non proprio straordinariamente pulita. Un altro squarcio di impetuoso frastuono e poi ecco quello che non ti aspetti in un simil contesto, un break atmosferico, quasi sognante, qualità che comunque avevamo già avuto modo di apprezzare in "Upon the Masses", contenuta nello split dello scorso anno. Un intro etereo inganna non poco sulla valenza dell'esplosiva "L’Heure D’Helios", in cui il thrash si miscela al black, ma che in un batter di ciglia si dilegua in un'epifania sludge, addirittura post rock, grazie a quegli arpeggi delicati di chitarra, di cui subisco non poco l'ambiguo fascino. Il sound degli Heir è volutamente provocatorio, si passa da un'infernale colata di lava post black a passaggi più intimistici e raffinati, che hanno il chiaro scopo di disorientare l'ascoltatore. Spaventoso a tal proposito una sorta di assolo di batteria posto nella seconda metà di questa traccia che poi cede il passo a momenti più melodici in un ascesa ritmica da brividi. Spoken words aprono "Meltem", tortuosa e contorta nel suo spaventoso incedere, orrorifica nel suo break centrale e tremendamente rozza nelle sue parti veloci e schizofreniche, cosi come pure nel suo finale ammantato da un manto doom. Gli Heir hanno una duplice anima, questo è chiaro e palesato anche nelle successive "L’Âme des Foules" e "Cendres", in cui il quintetto transalpino ha ancora modo di deviare la mente inerme di coloro che li ascoltano, ormai immobilizzati dal terrore disturbante elargito da questi musicisti. Una furia tempestosa esplode nella prima delle due tracce, prima che suoni dissonanti si facciano beffe del sottoscritto e mi rivoltino il cervello come un guanto. L'ultima song conferma quanto descritto sopra, ossia la difficoltà ad approcciare e digerire una band come gli Heir, sicuramente dotata di ottime potenzialità (splendido a tal proposito il finale della song), la cui proposta musicale non è certo delle più immediate da recepire, a meno che non si riesca a fare uno sforzo mentale davvero notevole. (Francesco Scarci)

(LADLO Prod - 2017)

Voto: 70

https://ladlo.bandcamp.com/album/au-peuple-de-lab-me

Mesembria Magog - MK Ultra

#PER CHI AMA: Cyber Electro Punk

Il noise otto bit che introduce la schitarronante "Against Everything" si propaga freaticamente nel sottosuolo della canzone attraverso il plin-plin di pianoforte che di tanto in tanto emerge a inumidire i testicoli, (s)confortato da estemporanei innesti goth che esprimono un spleen tipo Pacman acchiappato dal fantasma. Ulteriormente teutoniche la successiva "Hey Baby", una sorta di Rammstein-fronted-by-Falco-Hölzel introdotta da un tiro di batteria foneticamente lars-ulrichese, e "Jump It", una specie di Midge Ure sbronzo all'Oktoberfest di Monaco che fa l'imitazione di un Trent Reznor sbronzo al Canstaetter di Stoccarda che fa l'imitazione dei Gravity Kills sobri bloccati alla frontiera con la Svizzera. La cover truzzo-synthpop di "Rebel Yell" di Billy Idol in chiusura è senz'altro pregevole per fattura e persino un tantino spericolata, perlomeno negli intenti, ché a pompare un pezzo come "Rebel Yell" poi è facile che inavvertitamente salti tutto per aria. Non che sia per forza un male, beninteso. (Alberto Calorosi)

(Nadir Music - 2017)
Voto: 65

https://www.facebook.com/MesembriaMagog/

Evil - Rites of Evil

#FOR FANS OF: Black/Speed/Thrash, Sarcofago

Evil hail from Japan, but don't think of friendly tourists who smile permanently while taking nonstop pictures. These guys are in a bad mood. Their kind of blackened speed/thrash metal rumbles down the road without being interested in any extraordinary features. Evil have the guts to concentrate on pure metal, although this is not the most vehement record of the genre. The fourth track, "Yatsuzaki" for example, offers an almost melodic solo. Generally speaking, the guitars are cutting rather than harmonious. This is not the soundtrack for the birthday party of a seven year old girl. Okay, if Godzilla has a daughter of this age, she might be an exception, but I don't want to digress.

The simple compositions shape a very homogeneous work. Nobody needs to fear any kind of bad surprises. The Japanese horde has found its niche without taking care that many bands have already exploited this niche beforehand. The roots of this 'Rites of Evil' can be traced back to Bathory's famous debut. But for those who are less interested in historical milestones, one can say that Evil's work can be compared with outputs of groups that prefer a simplistic, rather minimalist approach that tries to pick the best of different worlds. While the guitar work builds a bridge to the old days of speed metal, for example during "Sword of Stupa", the raw barking of the lead vocalist has nothing in common with the high-pitched screaming of the early vocal artists. His pretty monotonous, sometimes nearly punk-like voice does not push the music on a higher level, but it also does no harm.

Evil do not lack energy and power, but it is also true that they have not been able to pen one or two earworms that keep sticking in the listener's mind immediately. Some riffs shake up the audience while evoking associations to (early) Venom or lesser known bands such as Quintessenz from Germany. The opening riff of "Eternal Hell", the ninth track, points into this direction, but at the end of the day, this mid-tempo stomper does not exceed standard requirements. It seems as if these dudes are not excessively talented in terms of song-writing. On the other hand, they avoid asinine, inappropriate sections and I am sure that they have the heart at the right place. As much as I hate to say it, this alone is not enough for the creation of a genre classic. I miss songs that develop their own personality.

The production scores with a certain sharpness. The guitars dominate a slightly sinister sound that finds the right mix between transparency and a certain amount of filth. Thus, the guys have no serious technical problems. They just need to put more effort into their compositions. Easier said than done (my first song is still not finished, since 1985 I am working on it...) Therefore, I am happy that at least my first review for The Pit of the Damned is complete now. (Felix 1666)

(Nuclear War Now! Productions - 2017)
Score: 65

https://nuclearwarnowproductions.bandcamp.com/album/rites-of-evil