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lunedì 5 dicembre 2016

Guns Love Stories - The Beauty of Irony

#PER CHI AMA: Alternative Rock/Post-Hardcore
Anche la Svizzera vuole aver voce nel panorama musicale mondiale ed i Guns Love Stories (GLS) lavorano duro dal 2011 per produrre un buon alternative rock/post-hardcore. 'The Beauty of Irony' è il secondo LP del quartetto di Lucerna che si presenta come un digisleeve semplice (c'è anche la versione in vinile), con una bella grafica con predominanza del color rosso. I brani contenuti sono nove per un totale di circa trenta minuti, quindi brani tendenzialmente brevi, che vanno dritti al dunque e puntano sull'impatto sonoro. "Predigested Hollywood" apre l'album con una bella scarica di rock palpitante di chitarre, basso, batteria e voce mescolati a dovere, sempre in bilico tra potenza e fraseggi quasi pop, giusto per accontentare un po' tutti. Il timbro vocale è adatto, fresco e giovane, e si presta bene a diventare rabbioso quando serve. La parte strumentale viaggia compatta puntando più sulla coralità che ai singoli elementi, creando una fusione ben fatta e credibile. "Backstabbing" ha un appeal inizialmente suadente e quasi sensuale, dotata di un crescendo che sfocia irrimediabilmente nella classica accelerazione, per poi tornare alla calma da cui è originata. Un pop rock dalle forti influenze d'oltreoceano che diventa più -core nell'allungo finale per rimanere fedeli alle radici della band. La flessibilità dei GLS tra melodie rabbiose e meno estreme è evidente in "The Birds Keep You Awake", brano che sfodera una chitarra acustica che ci porta dritti in spiaggia davanti ad un bel tramonto rosso fuoco durante lo spring break, una ballata tranquilla per spezzare l'alto livello di adrenalina di un brano come "Defense Mode", dove i veloci riff ruggiscono e i pattern di batteria sono fondamentali per il sound della band elvetica. Piacevoli i momenti introspettivi della traccia, con l'unica pecca rappresentata da un cantato a volte ripetitivo, anche se lo stile del vocalist è buono e ricalca altre band del genere. Buoni anche gli arrangiamenti che denotano un lavoro puntiglioso di composizione, cosi come pure la qualità di registrazione e mixing, con suoni sempre adatti. I GLS alla fine sono un ensemble interessante, che ha cercato di introdurre la propria personalità propositiva nella musica che scrive, la grossa difficoltà sarà semmai che i quattro ragazzi dovranno sgomitare non poco tra le tante band sul mercato, ma con una marcia in più, potranno giocarsi le carte giuste e arrivare lontano. (Michele Montanari)

domenica 4 dicembre 2016

H-One - Cygne II

#FOR FANS OF: Hardcore/Modern Metal, Gojira, Soulfly
Active for nearly a decade, French metallers H-One came together from brothers Adrian and Alan who quickly rounded out their numbers into a full line-up that plays a rather energetic and engaging modern metal attack. This is mostly apparent in the rather straightforward riff-work present which adopts a typically hardcore-influenced series of chugging rhythms without as many breakdowns while offsetting that with progressive swirling patterns to get things quite hard-hitting and full of noodling riffing that makes for a nice burst of modern metal throughout here. Though it’s quite apparent here that the straightforward nature of the material here doesn’t really create much of an impression here as the band tends to mostly utilize a simplistic series of chugging rhythms that aren’t in the slightest bit employing any variety or dynamic riffing in their attack, making this a mostly hollow burst of music that doesn’t really go anywhere beyond being simply angry and heavy. Though that’s the case the music when it’s on the better end of their spectrum does come off rather nicely. Intro ‘Salt War’ features tight, ravenous riffing and heavy chugging breakdowns with plenty of furious rhythms and blasting tempos carrying on through the sprawling patterns that carry on for a strong opening. ‘Home’ takes jangly rhythms and stuttering riff-work into a series of plodding chug-patterns swirling through lame noodling patterns that wandering around aimlessly throughout the finale which makes for a wholly bland and lifeless offering. ‘Pray for My Name’ moves through somewhat livelier plodding chug-rhythms and bursts of tight, energetic drumming that makes for a rather nice contrast to the barreling drumming and tight lock-step riffing blasting into the later half for an effective highlight. ‘Mother’ uses stronger churning riff-work and plenty of thumping patterns to offer a slight series of trinkling patterns to the charging groove-laced chugging carrying on through the final half for a decent enough offering. ‘Headcharger’ features bouncy swirling chugging riff-work and a bouncy mid-tempo pace with light thumping rhythms along through the plodding sprawl-like rhythms keeping this one charging along into the plodding finale for a decent enough track. The instrumental ‘Moved Reasons’ serves as a decent album-break for ‘Black Cloud’ which features plenty of stylish chugging and trinkling patterns mixed along the tight, swirling breakdowns flowing throughout the final half with the chugging intermingled alongside for a highly enjoyable effort. Lastly, album-closer ‘Final Track’ contains tight chugging rhythms alongside sprawling loops of swirling melodic tones and plenty of straightforward rhythms before leading into silence with an acoustic track leading into the end which makes for a fine if decent enough lasting impression. That, in the end, is the overall feel of the album as a whole. (Don Anelli)

(Dooweet Records - 2016)
Score: 65

https://www.facebook.com/honemusic/

sabato 3 dicembre 2016

0N0 - Reconstruction and Synthesis

#PER CHI AMA: Black/Death Sperimentale, Deathspell Omega, Aevangelist
Ai vari Deathspell Omega, Blut Aus Nord, Aevangelist, Portal e compagnia cantanti, aggiungerei un'altra stravagante creatura che arriva direttamente dalla Repubblica Slovacca. Il trio di oggi, gli 0N0, è infatti originario di Bratislava e nasce nel 2005, anche se una forma embrionale esiste già dal 1999. In questi anni, sono usciti diversi EP, l'album d'esordio 'Path' e questo nuovo capitolo, 'Reconstruction and Synthesis', a ben un lustro di distanza dal precedente. La proposta musicale di questi folli personaggi dovreste già averla inquadrata, trovandoci al cospetto di una band estrema che fa dello sperimentalismo angusto e schizofrenico il proprio credo, e che cita un po' tutte i gruppi riportati in apertura, a cui aggiungerei una discreta dose di doom e atmosfere stranianti e melmose, al limite di post metal e sludge. Questo è certificato dalla contorta ed iper-tecnologica dell'opener, "A Farewell to Conscious Shores", ma ancor di più dai passaggi soffocanti della lunga title track. Oltre dodici minuti di sonorità distorte, claustrofobiche, a tratti psichedeliche, con suggestivi sprazzi di post-rock, su cui si posizionano arcigne vocals, suscitando in questo modo un certo senso di spaesamento, proprio per una difficoltà concreta nell'identificare il genere d'appartenenza. Il risultato è sicuramente un sound alieno che ha il grande merito di alternare costantemente l'incedere deflagrante delle ritmiche, le partiture sghembe, i suoni dissonanti ad altri più eterei, ritualistici o addirittura del cyber spazio, finendo per ottenere un effetto opprimente, destabilizzante ma soprattutto esaltante. Potrete certamente intuire il mio status di godimento nell'udire simili sonorità, cosi fuori dagli schemi e quasi mai banali. Il disco si incanala in cunicoli ancor più tenebrosi e desolanti con "Desolatry", traccia pestilenziale che sembra affondare le proprie radici negli anfratti del funeral doom e dello sludge più malati, per un risultato che si preannuncia a dir poco delirante. Si prosegue con le atmosfere dilatate dell'imprevedibile "At Sixes and Sevens", song che mostra un lato ancor più ricercato dei nostri, con suoni tribali, linee di chitarra mutevoli e per l'utilizzo di vocalizzi non più volti ad un growl in salsa acida. I frammenti psicotici degli 0N0 provano ad emergere anche nella penultima "Lucid Transmutation", brano in grado di coniugare con lucidità death metal, doom, lunghi intermezzi ambient, schegge impazzite di black alla Deathspell Omega intinte però in contesti cyber-industriali, per un esito finale annichilente e completamente fuori dagli schemi, veri e propri complessi suoni dall'iperuranio. Il disco cala il sipario con "Reformation/Absorption", song che abbandona i vocalizzi estremi per lasciar posto a ritualistiche vocals e all'onirismo dilagante affidato ai synth di T. Straripanti. (Francesco Scarci)

(The House of What You See - 2016)
Voto: 80

giovedì 1 dicembre 2016

Ivory - Southern Cross


#FOR FANS OF: Symphonic Metal, Stratovarius
Without wanting to sound too much like an sociologist, Ivory's 'Southern Cross' just wouldn't happen in Australia, I reckon. I just feel like we have a lower tolerance of cheese down here in the antipodes- or perhaps we tolerate a different kind of cheese? Anyway, it's easy to come away from this album thinking "thank god heavy metal is not a mainstream pursuit here"; it's just a shiny, overwrought nothing of a thing.

Instrumentally it's not terrible. It plods like a sauropod on valium, but you can tell there's a few parts where at least they tried. It's not a new sound or anything- Stratovarius with some occasional Dream Theatre-lite moments and maybe some Metallica meets My Little Pony when the band wants to get heavy. The keys and guitars are saccharine sweet but they play a lot of busy parts- the occasional neat bit of interplay here, a lot of cool little runs and solos all over the place. The overall impression is that while it's dripping with mature cheddar, the musicians weren't content with just being a backing track for a vocalist to wail over.

It's the vocals are the main problem. With a charismatic, powerful vocalist this would probably still be the most artificial thing since diet coke, but it would at least have a chance at being entertaining. As it stands though it's pretty gross. Devoid of power, writing not a single memorable vocal, atrocious lyrics (all of which are easily audible, just to increase the cringe), forever sounding like he's at the absolute end of his range, and possessing a very strong, very cringy accent, there is absolutely nothing going here for the poor guy. He clearly tries, but that doesn't matter- he sounds awful, he's loudly mixed and he's everywhere.

It's not a horrible album or anything, but I certainly don't like it that much and I can't see it getting any play after this review. If you can get past the vocals you've got a fairly okay, symphonic, vaguely proggy power metal album. I couldn't get past the vocals. There's far better albums in this vein- don't bother looking here. (Caspian Yurisich)

Horst - Never Two Without Three

#PER CHI AMA: Post-Rock/Noise/Math Rock
Un nuovo tassello si aggiunge a quel rompicapo che è il mio rapporto di amore ed odio con il rock strumentale, ma questa volta nessun imbarazzo, dato che il lavoro di questi parigini mi è piaciuto fin da subito, senza dubbi o tentennamenti. Gli Horst sono un trio, che a quanto pare ha faticato non poco a trovare un batterista stabile, come si evince dalla dedica “ai nostri batteristi” presente nell’artwork. Il nome deriva da quello di Horst Tappert, protagonista della famosa serie tedesca 'L’Ispettore Derrick', cosa che me li rende immediatamente simpatici. Loro stessi definiscono la loro musica come “horstcore”, ovvero un mix tra post-rock e math-rock, caratterizzato da uno stile molto diretto e ruvido, che per una volta non attinge da sonorità post-metal ma si rifà invece a nomi storici quali Sonic Youth, Slint, Shellac e Mogwai (dai quali sembrano aver ereditato anche la vena nello scegliere i titoli dei brani). Il disco scorre meravigliosamente tra sei tracce mediamente lunghe, senza mai annoiare anzi riuscendo sempre a destare l’interesse dell'ascoltatore. Il primo pezzo in scaletta, la fragorosa “This is Horstcore”, è un omaggio ai Pulp e alla loro 'This is Hardcore', di cui viene citato il riff. Si prosegue ondeggiando tra rasoiate rumoriste che si alternano ad oasi di quiete ("My Yin in Your Yang"), classici crescendo ("Alf"), sfuriate chitarristiche ("FU"), fino alla splendida “There Will Be Votes”, nella quale dei sample vocali contribuiscono a creare un’atmosfera serrata ed estremamente intrigante. Tutto il disco si contraddistingue per una produzione estremamente diretta e un suono molto poco “lavorato”, un po’ sullo stile di Steve Albini, e questo per me è uno dei meriti maggiori di un lavoro che, pur non proponendo nulla di rivoluzionario, piace decisamente nel suo proporre una versione particolarmente cruda del post-rock strumentale. (Mauro Catena)

(Self - 2016)
Voto: 75

https://horst.bandcamp.com/

martedì 29 novembre 2016

Selva - Eléo

#PER CHI AMA: Post Black/Hardcore/Screamo, Deafheaven
Inizio la mia recensione del disco portando alla vostra attenzione alcune raccomandazioni da seguire per reggere l'impatto con questo lavoro. Dotatevi sicuramente di cinture di sicurezza perché, come avrete modo di capire sin dall'opener "Soire", l'approccio alla musica dei Selva risulterà pressapoco analogo allo scontro di un auto con un tir spinto a tutta velocità. Adottate anche misure di tutela per i vostri padiglioni auricolari e timpani annessi, perché la lacerazione dovuta alla musica del trio lodigiano, può provocare severe problematiche al vostro fisiologico impianto acustico. Per il resto, capiremo strada facendo come proteggerci dal suono caustico e infausto dei nostri. Dicevamo del nefasto impatto sonoro della song in apertura, una scorribanda tortuosa fatta di ritmiche in grado di spazzare via ogni forma di vita dalla terra e urla cancrenose che hanno addirittura il merito di acuire la ferocia post black dei Selva, per quanto sia difficile a credersi. La violenza trova comunque modo a metà brano, di attenuarsi almeno per pochi secondi, prima di continuare ad assecondare il proprio io, aspro centrifugatore di suoni, e lanciarsi nel drappeggio di desolate melodie malinconiche fino ad arrivare ad un brusco rallentamento a fine brano, che da 200 km/h ci porta a zero nell'arco di un secondo e in quell'attimo rivivere tutte le emozioni stranianti fin qui provate. Attenzione, l'avevo messo in chiaro, l'ascolto di 'Eléo' non è raccomandato per i deboli di cuore. Se anche voi, come il sottoscritto, avete invece uno stomaco forte, potrete lanciarvi nella centrifuga sonora di "Alma" e dei suoi schizofrenici undici minuti, affidati ad un caos primordiale senza precedenti che nel suo circolare pattern sonoro che sfocia in anfratti torbidi e atmosfere doomish, trova anche il modo per regalare sprazzi di inattesa eleganza classica. Quest'ultima, affidata agli archi del bravo Nicola Manzan dei Bologna Violenta, risulterà capace di annullare la tempesta sonora con il dolce suono dei violini e lasciare incredibilmente spazio ad un nostalgico post rock d'annata che per pochi istanti ci fa dimenticare il post black arrogante dei Selva, e ci consegna una band più vicina agli anglo-statunitensi *Shels e all'eterea traccia "Plains of the Purple Buffalo Part 2", estratta dal loro ultimo album. Non vi fate infinocchiare però da cotanta melodia, perché in "Indaco", il suono delle chitarre sembrerà quello dettato dal roteare delle ruote d'acciaio del treno sui binari, un attrito in grado di generare suoni efferati di chitarre ultra compresse e blast beat da incubo, e di richiamare indistintamente Deafheaven, Wolves in the Throne Room o qualsiasi altra band dedita al più feroce post black. Splendide le percussioni del mostruoso Tommy a metà brano e ancor di più quel senso di vertigine che la song (ma la faccenda può essere estesa all'intero disco), procura, soprattutto nella seconda metà del brano. L'ultimo respiro dei Selva è esalato da "Nostàlgia", un'angosciante traccia strumentale (urla di disperazione a parte) il cui ondeggiare delle chitarre dei primi minuti è più vicino al drone che al black. Peccato per una registrazione in presa diretta che rende la proposta dei nostri sicuramente poco artificiosa ma che ne penalizza a mio avviso la resa finale; mi piacerebbe riascoltare il disco con una produzione più cristallina e poter comparare i nostri con i gods statunitensi e probabilmente scoprire che in casa ci ritroviamo con uno splendido diamante grezzo. (Francesco Scarci)

(OverDrive Records - 2016)
Voto: 75

https://selvapbs.bandcamp.com/

The Pit Tips


Francesco Scarci

Thence - We are Left with a Song
Départe - Failure, Subside
Sedna - Eterno

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Caspian Yurisich

Metallica - Hardwired... To Self Destruct
Rivendell - The Ancient Glory
Jesu - Jesu

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Michele Montanari

Ornaments - Drama
Fire Down Below - Viper Vixen Goddess Saint
Megatherium - Superbeast

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Matteo Baldi

Trap Them - Crown Feral
Mgła - Exercises in Futility
O - Pietra

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Don Anelli

Testament - Brotherhood of the Snake
Division Vansinne - Dimension Darkness
King Diamond - Abigail

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Kent

O - Pietra
Lustmord - Juggernaut
Portishead - Dummy

Less Than a Cube - S/t

#PER CHI AMA: Indie/Noise Rock/Grunge, primi Alice in Chains
Ascoltando per la prima volta questo disco, lo si potrebbe facilmente attribuire ad una qualche band americana, basata tra New York e Chicago, e non credo di andare troppo lontano dalla realtà pensando che questo potrebbe essere un gran bel complimento per i Less Than a Cube, che di nome fanno Fabio Cubisino (chitarra e voce), Alessia Praticò (basso e voce) e Alessandro Mautino (batteria) e vengono invece da Torino, Italia. Quest'album omonimo è il loro esordio e appare evidente come i tre siano riusciti a riversare in queste 9 tracce tutto il loro amore per quanto di meglio il rock americano abbia prodotto negli ultimi 25 anni, dal noise rock di stampo Touch & Go al grunge e al post rock, con un occhio però sempre ben puntato sulla forma canzone. In poco più di 40 minuti sono condensate le inquietudini nevrotiche dei Come (nell’opener "Monovolt"), la solennità sgraziata degli Afghan Whigs ("Not Forget", cantata ottimamente da Alessia Praticó), ma anche gli umori metropolitani degli Interpol (la solenne e marziale "Revolution"). In generale, il vero punto di forza del disco è un songwriting di tutto rispetto, solido e umorale, scuro e uggioso come l’immagine di copertina, ma sempre centrato, tanto è vero che nessuno dei brani in scaletta ha il sapore del riempitivo ma anzi ogni canzone è in grado di reggersi bene in piedi sulle proprie gambe, basti pensare alla drammatica e scurissima "Night Song", percorsa da un violoncello che la scuote e la fa vibrare dal primo all’ultimo istante dei suoi oltre 7 minuti, oppure alla splendida "Blue Grass", vicina a certe cose dei Dinosaur Jr, che ospita la chitarra di Amaury Cambuzat (Ulan Bator), da sempre vicino alle realtà più vitali della nostra penisola. Disco prettamente “chitarroso”, molto convincente anche se non privo di difetti (veniali), soprattutto nella produzione (qualcosa da registrare nel missaggio di alcuni brani) e nel cantato (non sempre perfettamente centrato), che stanno al limite tra scelte volutamente lo-fi e il rischio di un risultato un po’ sciatto, imputabili però più che altro all’inesperienza. In definitiva un lavoro di ottimo livello, e una band da tenere d’occhio per sviluppi futuri che potrebbero essere estremamente interessanti. (Mauro Catena)

lunedì 28 novembre 2016

Recitations - The First of the Listeners

#FOR FANS OF: Avantgarde Black Metal
Man, this is pretty great stuff. It's been a fair while since a black metal album has captured my interest, but this is really good shit. Recitations manage that often rarely achieved trinity that all quality metal has, a good atmosphere, massive riffs, all while being a genuinely entertaining listen.

An entertaining listen? Well sure, sort of. Recitations are by no means accessible, but amidst the buzzing mayhem of "Tongueskull Sacrament" the brief, krautrock-from-hell interlude works ridiculously well, especially as it's switched between a huge, almost Angelic Process-ish pound. I wouldn't necessarily call this "psychedelic black metal" or anything but it's not too far from the truth, and it's done really well. It's just this hallucinotory journey where everything is deep and dark but still kinda beautiful to look at. Track 3's intro is another example- and it's a fine bit of music in general- dark, endlessly bubbling, all these distant chants and synths hovering at the end of your imagination. It's like being trapped in an ancient crypt that's covered in glow in the dark stars, or something.

The word that keeps on coming to mind is "deep". Perhaps it's the synths that sound like they're recorded a long way underwater; maybe it's the cavernous production. I work around a mine, and recently I went underground for the first time- it was occasionally strangely beautiful, but just as often an ugly, hostile place- sometimes the water would cascade down the rocks and glow strangely, other times it would be 45 celsius, pitch black, super claustrophobic and the air would be old and stale. I liken that to this album, it has plenty of haunting moments but just as often it's big riffs and distinctive, howled vocals pounding away at your skull. 


It's the sort of album that provokes a lot of different images in your head- a ritual of immense power, a malevolent space entity, a contact with the secret chiefs; and it's a real pleasure to put this on and let your imagination run wild. All up quite a unique album, and I wish the album was a lot longer. Consider that a huge compliment and a big recommendation. (Caspian Yurisich)

(Avantgarde Music/Signal Rex - 2016)
Score: 85

venerdì 25 novembre 2016

Dead Register - Fiber

#PER CHI AMA: Dark/Post, Fields of the Nephilim, primi The Cult, Isis, Swans
È incredibile quanto in Italia, cosi come molto spesso in Europa, alcune uscite discografiche statunitensi passino del tutto inosservate. L'ho detto più volte che questa cosa può essere considerata delittuosa quando certe release non ottengono l'attenzione che realmente meritano. Questo preambolo serve a dare una tirata d'orecchi a tutti coloro che si sono persi il debut album degli americani Dead Register, band che incorpora nel proprio sound influenze dark e gothic (lo si evince da una cover cd che rievoca per certi versi - e solo graficamente - i Theatre of Tragedy di 'Velvet Darkness They Fear') ma che mostra punti di contatto anche con il post-metal e il post-punk. Il disco, uscito autoprodotto, consta di sei tracce con delle durate che oscillano tra i sette e i nove minuti. L'album apre con "Alone", la song più lunga del lotto, che i più attenti avranno già avuto modo di apprezzare nel demo cd, 'TRVNS BLVK', uscito nel 2014. Si tratta di una traccia dall'aura decadente, sofferta nel suo incedere depressive rock, corredata da un drumming tribale e da un cantato un po' lamentoso. Quello che mi impressiona sono le splendide melodie che chiamano in causa band quali Christian Death, Fields of the Nephilim, Swans e addirittura The Cure. Il riffing, che in alcuni frangenti evoca anche un che degli Isis, diviene un po' più corposo nella successiva title track (andatevi a vedere l'intrigante video, merita ve lo assicuro e vi farete anche un'idea più chiara dell'act di Atlanta), con la prova del frontman, M. Chvasta, che si rivela più convincente dietro al microfono e dove il basso pulsante dello stesso, crea delle atmosfere di tooliana memoria, arrivando a regalarci uno splendido assolo con la sua 4-corde in un epico finale in grado di smuovere sussulti emotivi davvero notevoli. Le atmosfere si fanno ancora più buie nella successiva "Drawning Down", song davvero spettrale, con il sound dai forti richiami dark di primi anni '80 (penso ai The Cult di 'Dreamtime' o ancora meglio alla precedente creatura Southern Death Cult) che ruota intorno alla performance vocale di M. Chvasta e ai synth della moglie Avril Che. Che i Dead Register non siano un band come le altre credo sia chiaro, lo dimostra la scelta coraggiosa di non avvalersi di un chitarrista a tutti gli effetti ad esempio, quella di coniugare suoni che spaziano dal post al pop-dark, senza disdegnare anche una spruzzatina di shoegaze e punk, ma anche di utilizzare una voce maschile davvero peculiare. È comunque musica davvero originale quella dell'act di Atlanta, forse dal gusto un po' retrò, ma che sicuramente ha il pregio di coinvolgere per le melodie e le atmosfere soffuse messe in scena. Con "Grave" emergono chiari riferimenti alla scena goth rock di scuola finlandese, essendo questa la song verosimilmente più morbida delle sei contenute in 'Fiber', nonostante i suoi bei riffoni carichi di pioggia. Con "Entwined" ritorniamo a percorrere torbidi ed improbabili sentieri post-dark, se solo questo genere esistesse. Arriviamo quindi alla conclusiva "Incendiary", traccia dal forte sapore doom, complici le ossessive ed oppressive melodie e atmosfere disegnate dal terzetto e dalla voce sempre più malata di Chvasta, un animale collocabile tra Swans, Peter Steel dei Type O Negative, Carl McCoy dei Fields of the Nephilim e anche Danzig. Alla fine 'Fiber' è davvero un bell'album, forse non cosi facile da digerire inizialmente, ma poi, quando le melodie entrano sotto la pelle, il godimento è assicurato. (Francesco Scarci)

giovedì 24 novembre 2016

Algos - Amongst Monoliths

#PER CHI AMA: Death Doom Atmosferico
Algos è una one man band che si dedica con cura e passione alla causa del death metal melodico, ottenendo buoni risultati e considerando che suona, registra e cura il mixaggio della sua musica sin dal primo EP del 2014, possiamo considerare il musicista olandese un vero e proprio talento. Al quarto lavoro, comprendendo i primi due EP e il full length del 2015, il nuovo album del 2016, intitolato 'Amongst Monoliths', è di nome e di fatto un colosso sonoro di alta qualità e virtuosismo musicale, carico di melodia e soluzioni barocche assai ricercate, tanto attente a non deludere il genere quanto viziate da tecnicismi e manierismi tutti da gustare, un non troppo celato gusto per le opere metal in pompa magna stile Timo Tolkki e per ammissione dello stesso autore, ispirato e seguace di Be'lakor, In Mourning, Swallow The Sun, Novembre e Saturnus. Il disco supera l'ora di musica e i brani sono stracolmi di potenziale, chicche da ascoltare, richiami sonori provenienti da varie altre band, un tocco malinconico e gotico, un maestoso e classicheggiante uso delle tastiere, una batteria granitica e trascinante, una chitarra che sa mettersi in mostra e ritagliarsi sempre uno spazio in evidenza in un'opera gloriosa di musica estrema con attitudine progressiva. L'autoproduzione non sempre paga ed anche se di buona fattura, questo sforzo compositivo enorme avrebbe meritato una supervisione mainstream per essere consacrato nell'olimpo del metal. Comunque l'autore ha lavorato benissimo, muovendosi in autonomia e libertà. Jurre Timmer sa come gestire le sue architetture musicali e lo si sente fin dall'intro iniziale, mentre al partire del primo brano, "Metempsychosis", la sua voce oltraggiosa mette subito in chiaro gli intenti cruenti e battaglieri, mostrando tecnica e gusto, melodia e ricerca. "From the Dephts", con il suo superare i sei minuti, contagia con un'ambientazione evocativa e vicina ad certo black metal d'atmosfera; in "Blessed With Weakness" si sentono echi di un acustico folk a precedere una sperimentazione tra speed/black metal e un barocco quanto tecnicissimo uso delle chitarre, mentre "Pale Monolith" (il mio brano preferito) si abbandona totalmente in un romanticismo acustico dalle parvenze vintage, d'infinita bellezza con un finale elettrico in ascesa tutto da apprezzare. La particolarità dell'intero lavoro sta nel perenne stato di elevazione spirituale e ricerca melodica che lo rende costantemente astratto e sognante anche nelle parti più articolate e violente, un po' come gli ultimi Anathema o i primi Alcest, anche se il genere ovviamente non è lo stesso e il nostro poliedrico musicista olandese privilegia uno stile più duro e tirato in una veste vicina alle soluzioni sonore degli Augury. Di sicuro il lato progressivo del chitarrismo di Timmer esce allo scoperto in più di un occasione, ed è una chitarra veloce e determinata nel fraseggio e negli assoli al fulmicotone a venirci proposta. La distorsione non degenera mai nel puro caos e tutto risulta sempre sotto controllo, accessibile, con cambi d'atmosfera, di tempo e sfumature tipiche del prog metal, conservando intatto anche quel bel velo underground che di solito fa da comun denominatore e contraddistingue il sound delle doom metal band più tecniche e sofisticate. Il disco è lungo ed impegnativo, complesso, non presenta cadute o crisi d'identità, lo stile di Algos è ben definito e fa bella mostra di sé, delle sue idee e delle sue capacità compositive ed esecutive, a metà strada tra il metal epico e il sinfonico. Una prova di tutto rispetto, un album da ascoltare senza pregiudizio alcuno. (Bob Stoner)

Dperd - V

#PER CHI AMA: Dark Wave
Siamo alla quarta prova in studio per i Dperd, duo dark wave siciliano dall’impronta eighties, attivo ormai dal 2008. L’opera si chiama 'V', un titolo criptico e ancestrale, forse a richiamare l’armonica convergenza tra i valenti animi artistici di Valeria e Claudio: lei sensibile autrice e cantante, lui raffinato musicista e compositore. I due musicisti sono maturi e preparati avendo alle spalle una lunga carriera musicale. Hanno infatti già dato alla luce il progetto Fear of the Storm, a cui sarà dedicata 'Madness Splinters 1991-1996', prossima uscita autunnale edita dalla label My Kingdom Music in una splendida versione deluxe contente la discografia completa di entrambe le band oltre a vario merchandise, dalle t-shirt alla shopping bag. Ma concentriamoci ora su 'V', partendo stavolta direttamente dal mio pezzo preferito, “I Believe In You Song”. Si tratta di una ballata eterea e fiabesca che incarna una di quelle storie oscure e visionarie così suggestive e ipnotiche da poter potenzialmente portare l’ascoltatore in uno stato di trascendenza onirica. Per di più, la canzone sembra essere la prima parte di una trilogia nascosta, costituita dalla appena citata “I Believe In You Song”, “But I Love You Song” e “They Do Know Song”, che chiude l’opera. Oltre ad un tocco originale nell’architettura della tracklist, si tratta anche di un concept musicale dotato di un inizio, uno sviluppo ed una conclusione, fatto di trame armoniche e melodiche, dove la voce non utilizza parole ma solamente suoni. Dall’atmosfera incantata della prima parte si passa ad un ambiente ritmicamente più incalzante ed armonicamente complesso nella seconda parte. La triade culmina nel finale, dove i vocalizzi di Valeria diventano arditi ed espressivi e il mood determinato e risoluto. Non solo la musica è di ottima fattura ma anche dal punto di vista lirico, siamo davanti ad un’opera di un certo spessore: l’utilizzo dell’italiano è un evidente punto di forza del progetto, non è infatti cosa da tutti i giorni sentire la nostra lingua utilizzata in un genere così particolare. Si prenda ad esempio “Cercando Solitudine”, una poesia ermetica dai toni tetri declamata da una voce sicura e calda che si adatta perfettamente alla ritmica soffice ed ai suoni di organetto e delle chitarre impregnate di chorus, a ricordare i leggendari The Cure. Dopo l'indiscutibile bellezza e l'indubbia qualità della proposta dei Dperd, veniamo ora a quella che secondo me è la macchia su questo lavoro esemplare, vale a dire la parte grafica. Se il disco musicalmente e poeticamente prende ed interessa, altrettanto non si può dire dell’artwork. Oltre ad essere discutibile la scelta dei font, anche l’immagine di copertina non ha la stessa profondità e potenza comunicativa della musica. Il soggetto è invece coerente col disco: un balcone affacciato sulla desolazione di un orizzonte montuoso sotto un cielo grigio, centra esattamente lo stile della band. In conclusione, consiglio l'ascolto di 'V' a tutti gli appassionati della dark wave anni '80, qui troveranno una band con lo stesso spirito di quegli anni ma calata nella modernità del 2016. (Matteo Baldi)

(My Kingdom Music - 2016)
Voto: 75

https://dperd.bandcamp.com/album/v