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venerdì 31 luglio 2015

OHHMS - Cold

#PER CHI AMA: Stoner/Doom, Cathedral
A distanza di un anno dalla prima release, tornano gli inglesi OHHMS con un secondo lavoro, 'Cold', la cui durata è la medesima del primo disco, 32 minuti, e contenente anche in questo caso, due soli brani. Difficile considerarlo un EP, altrettanto definirlo un vero e proprio full length. Fatto sta che il quintetto del Kent ci delizia con il loro raffinato sound a cavallo tra il psych rock, lo stoner e il post-metal, tutte sonorità che mi fanno godere inevitabilmente come un riccio. Si parte con l'atmosfera soffusa di "The Anchor", 18 minuti di suoni che si muovono tra un post rock collocato a inizio brano, per proseguire con un monolitico doom, riprendendo là dove si era interrotto il precedente 'Bloom'. La voce di Paul Waller si conferma preziosa nella sua veste pulita e sofferente, adattandosi alla grande a un sound melmoso che mostra i primi sussulti verso il settimo minuto, quando i cinque musicisti decidono di ingranare la marcia e aggiungere un po' di arroganza alla loro proposta. La voce di Paul si fa più ruvida, le chitarre si ingrossano e un bel solo squarcia con il suo dinamismo, l'apparente staticità del combo albionico. Nelle corde dei nostri però si fa sentire sempre forte l'influsso doom della loro terra, Cathedral in testa, quelli più abili nel miscelare doom, prog e stoner. Il prosieguo del brano continua sugli stessi binari del genere, nonostante un break simil ambient e un altro assolo che sembra estratto da un qualche disco blues rock degli anni '70, che ci accompagna fino alla fine del pezzo. È il turno di "Dawn of the Swarm", song che ci conduce virtualmente in un immenso prato, ci vede correre sereni e rilassati, un po' come in quei film in cui le belle famigliole giocano rincorrendosi nel verde infinito della natura. L'atmosfera bucolica viene però scossa dal riffing incazzato dei nostri, in pieno stile Cult of Luna, ma anche questa linea melodica non dura poi molto. Tempo infatti un paio di minuti e la traccia assume connotati completamente differenti, rifacendosi ad un sound più sporco che per altri 120 secondi, ha modo di dar sfogo alle proprie pulsioni punk rock. Niente paura perchè si cambia ancora registro, e gli OHHMS trovano il modo di dar voce alla propria interiorità psichedelica, per poi abbandonarsi nuovamente a schitarrate post metal. I conclusivi due minuti sono affidati a innocui e litanici vocalizzi e a un ultimo riffone stoner, quasi a voler ricordare quanto gli OHHMS siano fondamentalmente una cazzutissima band rock! (Francesco Scarci)

(Holy Roar Records - 2015)
Voto: 75

https://www.facebook.com/OHHMStheband

giovedì 30 luglio 2015

Daemonium – Имя Мне Легион

#PER CHI AMA: Black Metal, Belphegor, Marduk
La giovane formazione ucraina dei Daemonium (nata nel 2011) arriva al debutto discografico e non sbaglia il bersaglio, sfornando un album convincente (uscito nel 2014), 'Имя Мне Легион' (sta per "My Name is Legion"), dai tratti ben delineati e carichi di energia. Certamente la vecchia guardia del black metal scandinavo, quello anni novanta per intenderci, trova un degno seguace nel progetto Daemonium che prepotentemente mette la dotata, gutturale e violenta voce del batterista Tenebrath, davanti ad una schiera di riff tritatutto che fanno tabula rasa su tutto, dopo il suo ascolto. L'uso della lingua madre non mi lascia grosse possibilità nella comprensione dei testi, ma la malvagità con cui vengono esposti nel quarto brano dal titolo "Тёмный гений" e nel quinto "Пристанище зла" è davvero magistrale. Il tono epico e l'intensità, unite ad una velocità folgorante del drumming, esaltano un songwriting da mainstream del genere. Un'atmosfera lacerata in costante equilibrio con la melodia, dona poi all'intero lavoro una sensazione di credibilità esaltante che, in concomitanza ad una produzione moderna, potente e di ottima fattura, eleva l'album dalla massa delle realizzazioni anonime. La band formata da Tenebrath/vocals, batteria – Storm/chitarre, samples – Inferatu/basso, ne esce rivitalizzata e pronta per accedere all'olimpo degli dei neri, grazie a un tocco di personalità inaspettato, considerando la forte influenza del black metal old school. Mi piace accostarli, anche solo per attitudine sonora, ai Belphegor, per il suono corposo e moderno, una visione classica del black rinvigorita da soluzioni stilistiche moderne, dove tutti gli strumenti si ascoltano a dovere e l'insieme di voce e suoni lavorano per creare cavalcate epiche, drammatiche e potenti, senza mai perdere l'orientamento musicale, senza cadute né lacune. Un monolite di malignità carico d'atmosfera, senza forme barocche inutili e pretenziosi virtualismi sterili, solo uno splendido impatto, marziale, gelido e curatissimo. Sette brani più due bonus: una versione ambient di "Пристанище зла" e "Изувеченный", song dal fascino perverso e crudele, adatte ad una colonna sonora di un film di Herzog. Trentotto minuti lodevoli racchiusi in un digipack dall'artwork notevole nelle foto e nei testi (rigorosamente in lingua madre) licenziato via BloodRed Distribution. Ottimo album, decisamente un debutto esaltante! (Bob Stoner)

(BloodRed Distribution - 2014)
Voto: 80

Arise - The Beautiful New World

BACK IN TIME:
#PER CHI AMA: Swedish Death/Thrash, At the Gates, Carnal Forge
Arise...probabilmente il miglior album (sicuramente il mio preferito) dei Sepultura, ma anche una delle band svedesi più longeve (1992), che nel 2005 tornò sul mercato con il terzo lavoro, 'The Beautiful New World', dopo le prove opache dei primi due album. A distanza di due anni dal precedente 'Kings of the Cloned Generation', ecco uscire per la Spinefarm Records questo disco, che vede proseguire il gruppo scandinavo sulle stesse coordinate stilistiche (e con gli stessi risultati non esaltanti) tracciate dai precedenti album: swedish death metal, fortemente ispirato dalla corrente death-thrash che tanto ha spopolato nei primi anni 2000 e fortemente influenzato dai maestri di sempre, gli At the Gates su tutti, ma anche i primi Entombed e Dismember, senza peraltro non notare alcuni passaggi di “carcassiana” memoria. L’album, registrato agli StudioMega di Bollebygd (Svezia) e prodotto dagli stessi Arise e da tal Mr. Silver, consta di 11 pezzi, le cui caratteristiche principali sono: suonare veloci, aggressivi e con un minimo di substrato melodico a rendere il tutto più ascoltabile. I 45 minuti di questo “Splendido Nuovo Mondo”, fluiscono anche gradevolmente, tra tempi medi a la Hypocrisy e altri brani molto più tirati (simil Carnal Forge o The Haunted), mostrandoci una certa preparazione dei chitarristi, grazie ad assoli di pregevole fattura tecnico-stilistica. Tuttavia, arrivati in fondo, si prova un senso di vuoto, non ricordandosi assolutamente nulla di ciò che si è appena ascoltato, indice di quanto possa essere anonimo il presente lavoro. Il fatto poi, di avere un sound estremamente derivativo, ravvisa, ancora una volta, la totale mancanza di personalità e originalità dell’act scandinavo. Un’altra prova incolore, che non ne giustifica affatto l’acquisto. Se poi siete degli amanti del genere e ritenete utile rimpinguare la vostra discoteca con l’ennesimo album death/thrash, fate vobis. (Francesco Scarci)

(Spinefarm Records - 2005)
Voto: 50

mercoledì 29 luglio 2015

Black Claw - S/t

#PER CHI AMA: Neofolk, Current 93, Scorpion Wind, Tom Waits
Il Reverendo Black Claw è un personaggio d'altri tempi che ha saputo rinvigorire il neofolk con malata ironia e profonda malinconia, punteggiandolo di spunti presi dalle più svariate forme musicali acustiche. Quindi non mi sottraggo al mio compito di innalzare quest'album, uscito nel 2013, a piccolo gioiello e luminare capolavoro underground, dove tutto è meraviglia e strabiliante incrocio sonoro. Cinque brani, per circa diciotto minuti di musica, destinati a farvi innamorare ancor più delle immense foreste canadesi, indubbia e acclamata fonte d'ispirazione del mitico Reverendo! L'artwork di copertina è cupissimo e ritrae un teschio stilizzato su sfondo nero e gotico, quasi a richiamare vagamente uno spettro intriso di rock alla Zakk Wylde ma, all'interno tutto troverete tranne che tracce di vecchio e irsuto heavy rock. Acustico con la vena psichedelica/notturna che ha ispirato Hugo Race per anni, un neofolk come i Current 93 più movimentati (con evoluzioni timbriche marziali, minimali e dark che ricordano Death in June e Scorpion Wind), il barocco come lo erano gli And Also the Trees, un jazz folk come il Tom Waits superbo del teatrale 'Alice' e il Nick Cave oscuro di 'The Good Son'. Istrionico, come se i Korpiklaanii suonassero combat folk armati di banjo, in compagnia dei Gogol Bordello, con la visione mistica di Stille Volk e l'umore schivo, profondo, nero, viscerale che agita il capolavoro black metal acustico di Ajattara, 'Noitumaa'. Non vi sono parole per esprimere tale delizia se non costringervi ad ascoltarlo prima che arrivi agosto 2015 (io sto contando i giorni!) quando il reverendo offrirà alle mostruose creature della foresta ben due nuovi lavori, un full length intitolato 'Thieving Bones' e uno split cd in compagnia dell'artista australiano (anche lui da seguire assolutamente!) T.K. Bollinger & That Sinking Feeling . Lode al reverendo canadese. Semplicemente geniale! (Bob Stoner)

(Self - 2013)
Voto: 90

Diablerets - I

#PER CHI AMA: Black/Ambient/Drone
Dopo aver avuto ascoltato i Diablerets con il loro nuovo 7", facciamo un passo indietro, all'estate 2014, e andiamo a decifrare il debut album del duo svizzero, 'I', che esce in edizione limitatissima, sole 73 copie, in una sgargiante cassetta arancione. Voi siete davvero sicuri di voler essere risucchiati negli abissi più profondi della psiche umana? Faccio questa domanda perché non appena "Lurk in the Stones" è partita nel mio mangianastri, una serie di demoniache presenze hanno provato a braccarmi. Non so in quale diavolo di girone dantesco sia finito questa volta, credo solo che se esistesse qualcosa di collocato più sotto rispetto all'Inferno descritto da Dante, i Diablerets si sentirebbero sicuramente a proprio agio. Le sonorità contenute in questo mefitico lavoro sono subdole, malvagie, dannatamente oscure e prive del benché minimo spiraglio di luce e speranza. Mai e quando dico MAI, lo sottolineo per una volta a lettere maiuscole, ho ascoltato nella mia vita qualcosa di cosi mostruosamente malato. Minimalisti al massimo, i due musicisti di Aigle ci propinano solfurei suoni ambient/drone, che diffondono il loro malsano odore e quel forte senso di disagio, che si insinua anche con la successiva "Hauswirth". I suoni, ridotti al minimo sindacale, fanno posto alle solo inquietanti urla che forse di umano hanno ben poco, e perforano l'aura insostenibile generata da questo secondo pezzo. L'esagerata sensazione di angoscia preme non poco sul petto e modifica anche la cupa espressione che risiede sul mio viso. "Holy Man" ha un inizio che sembra quasi voler accennare a un pezzo normale; che ingenuo sono. La matrice sonora dei Diablerets sprofonda infatti in un mortifero suono drone/funeral che non lascia alcuna via di scampo. Dopo i primi tre pezzi abbiamo quasi raggiunto la mezz'ora e mi sento avvolto dalla forza oscura esalata da questi scellerati artisti. Con la title track, rifiatiamo grazie ad una durata normale di un pezzo che, a livello di contenuti, ha ben poco di normale da offrire. Con "Casting Rubies Before Wolves" giungiamo al termine di questa sfiancante release, con gli ultimi sette minuti all'insegna di suoni astrusi, screaming vocals diaboliche e altre perverse amenità. 'I' è una tape per soli amanti del drone, ma se queste mie parole vi hanno in un qualche modo incuriosito, potreste anche provare a capire, ma solo per pochi istanti, cosa l'Inferno ha in serbo per voi... (Francesco Scarci)

(Self - 2014)
Voto: 60

Inner+Black/Diablerets - Split 7"

#PER CHI AMA: Drone/Black/Noise
Era da una vita che non mi capitava in mano un 45 giri, forse da quando ero bambino e facevo la collezione di vinili dei cartoni animati. Ricordo "Goldrake", "Gig Robot d'Acciaio" o "Daitarn 3"; ora la mia raccolta si arricchisce di questo split album che contiene una traccia degli svizzeri Diablerets e una degli enigmatici norvegesi Inner+Black, da non confondere con gli omonimi rockers polacchi. Partiamo proprio dal lato oscuro di quest'ultimi, fautori di un ambient black angosciante e pauroso. "Merkelig Kinesisk Skrikende På Maling" è la song che ci propongono, un concentrato di suoni glaciali, grida arcigne che raggelano il sangue nelle vene e drone, che in poco più di quattro minuti sapranno mettervi un bel macigno sullo stomaco e indurvi a sogni disturbati. Cambio lato, nella speranza che i Diablerets mi restituiscano un po' di quella serenità perduta. L'inizio di "Soul Adrift" non promette certo bene (e altrettanto il resto del brano) a causa delle laceranti urla poste su una lontanissima litania minimalista che si rivelerà ancor più sinistra e malata degli Inner+Black. Due canzoni sono un po' poche per poter giudicare i 2 ensemble, quel che è certo è che la musica, anzi la proposta sonora, è limitata a pochissimi adepti. (Francesco Scarci)

(Self - 2015)
Voto: 55

Swallow the Sun - The Morning Never Came

BACK IN TIME:
#PER CHI AMA: Death/Doom, Saturnus, My Dying Bride
Il 2003 segna l'anno d'esordio per gli Swallow the Sun, sestetto finlandese all'attivo già con un demo dal titolo 'Out of This Gloomy Night' e ora al debutto ufficiale con 'The Morning Never Came', all'insegna di un doom-death estremamente pesante. L'incedere lento dell'opener "Through Her Silver Body" dà subito una traccia della direzione musicale intrapresa dal gruppo, la cui devozione verso certe atmosfere angosciose e opprimenti in stile My Dying Bride, viene espressa in maniera più che esaustiva lungo tutti gli otto brani che compongono il cd. L'estenuante traccia d'apertura riesce a metterci seriamente a dura prova, ma è già con la successiva "Deadly Nightshade" che il guitar-work si assesterà su dinamiche più varie, il ritmo si fa incalzante e l'esplosione di synth "orchestrali" nel finale, accendono un interesse, ad un primo ascolto, insperato. Notevole anche l'evolversi in crescendo di "Out of This Gloomy Light" che vede ancora partecipi le chitarre con un assolo di pregevolissima fattura. 'The Morning Never Came' è un viaggio afflitto dal peso insostenibile della propria debolezza, un peregrinare sofferente su sentieri ostili lungo i quali gli Swallow the Sun intendono guidarci, condividendo il nostro fardello, ma non c'è solo buio nella musica di questi finlandesi; addentrandovi tra le note di "Swallow" e "Silence of the Womb" troverete anche aperture più ariose, dove un cantato pulito e melodioso va ad alternare il classico growling. Gli elementi sono quelli tipici del doom-death: un muro di chitarre dal riff granitico, tastiere maestose e una voce cavernosa sempre in primo piano, nulla di realmente originale o sconvolgente! Ad ogni modo quello che poteva essere un disco come tanti, dove la noia rischia di sopraggiungere rapida e implacabile dopo pochi minuti d'ascolto, si è rivelato invece un debutto più che dignitoso, che segnerà l'ascesa di un'ottima band. 'The Morning Never Came' magari troverà difficilmente un pubblico al di fuori del suo genere ma per chi ha apprezzato le gesta di Unholy, Saturnus e primi Katatonia potrà indubbiamente costituire un ascolto interessante. (Roberto Alba)

(Firebox Music - 2003)
Voto: 75

The Red Chord - Clients

BACK IN TIME:
#PER CHI AMA: Death/Grind, Napalm Death
La Metal Blade da sempre sforna dischi a ripetizione, sarà poi compito nostro e vostro valutarne la reale qualità. Nel 2005 ecco uscire per la label statunitense il secondo album dei death metallers The Red Chord: 37 minuti di puro brutal death tritabudelle. Formatisi nel 2000 e originari del Massachussets, la band ha già una bella gavetta alle spalle con circa 400 shows all’attivo per la promozione del debut album 'Fused Together In Revolving Doors'. Con il nuovo lavoro, il quintetto a stelle e strisce ci spara 11 massacranti pezzi di death metal, che sfociano talvolta anche nel grind e nell'hardcore, ma che presentano anche altre sorprese (cantato rapcore, breaks acustici e assoli melodici). C’è da dire che da un punto di vista tecnico i ragazzi sono assai preparati: buona e veloce la batteria, ahimè poco incisive le chitarre. Per quanto riguarda i contenuti beh, o amate questo tipo di musica oppure è meglio lasciare perdere in partenza. Le fonti d’ispirazione per i nostri sono come sempre gli inventori del genere, i Napalm Death, ma anche Morbid Angel e Deicide. La produzione è buona, sebbene i suoni siano grezzi e aggressivi. Le vocals sono quasi sempre gutturali, occasionalmente compaiono urla terrificanti come backing vocals e voci al limite del rap. Non sto qui a segnalarvi un brano piuttosto che un altro, anche perché i pezzi si assomigliano un po’ tutti. Non saprei che altro dirvi, dischi di questo genere, cosi monolitici e un po’ piattini, hanno ben pochi spunti da analizzare. Se siete degli amanti del genere di queste sonorità, andate a ripescare questo terremotante 'Clients', altrimenti meglio lasciar perdere. (Francesco Scarci)

(Metal Blade - 2005)
Voto: 65

Without God - Circus of Freaks

#PER CHI AMA: Stoner/Doom
I Without God sono una band doom metal di provenienza russa, prodotta dalla Solitude Productions, tra le più consolidate etichette che trattano il genere in questione. Il quartetto è formato dal vocalist/chitarrista Anton, Weector al basso, Ivan alla batteria e un'altra chitarra affidata alle dolci mani di Olga. Da Bandcamp si evince che la band è al primo full lenght, se si considera un EP prodotto nel 2010 e un singolo nel 2013. Le informazioni sulla band non sono tantissime e quindi ci concentriamo sulla musica prodotta dalla band. "Circus of Freaks" è contenuto in un semplice jewel case dalla grafica curata, ovvero una composizione disegnata ad hoc dove si trovano orrendi mostri vestiti da generali, capi religiosi e leader politici di varie fazioni in una sorta di grottesco sit-in con attrazioni da luna park sullo sfondo. Le tracce contenute al suo interno sono otto e l'album apre con l'omonima traccia, all'insegna di un roboante e ruvido miscuglio di stoner e il metal. Chitarre che scolpiscono riff giganteschi sulla dura roccia, basso che sprofonda negli abissi delle frequenze umanamente percettibili e la batteria che scandisce il tutto a ritmo di una pulsazione blasfema dall'oltretomba. Il vocalist ha il classico timbro rauco e cattivo, con pochi fronzoli a conferma che i Without God sono legati alle tradizioni più estreme del genere. Il rallentamento a metà brano trascina l'ascoltatore giù nelle viscere della terra per una celebrazione blasfema a tempo di un battito primordiale delle profondità. Gli assoli e i feedback sono il contorno ideale per chiudere un arrangiamento classico senza tante pretese. "Mushroom Man" apre con un riff stoner di chitarre che diventa una cavalcata a suon di wha-wha e gli accordi in minore aiutano a creare un'atmosfera tesa e claustrofobica. I Without God creano un bell'ensemble compatto e funzionale, con cambi ritmici e armonici che rendono i brani abbastanza dinamici, ma l'impressione è che alla fine i pezzi si assomiglino un po' tutti. I puristi apprezzeranno, ma la chiusura e la staticità del genere bussano alla porta. "Seven Sins" cambia registro e si propone come brano più ampio, disteso nella composizione e che prende inspirazione dalla possente discografia degli Electric Wizard. Le chitarre erigono un muro sonoro abbellito da varie linee melodiche, con qualche intervento blues psichedelico nel break ove, per la prima volta, si ha il grande onore di udire anche il basso. Il quartetto russo è una buona band che sa suonare e comporre, dimostra di aver studiato per bene tutto quello che la storia ha da offrire. 'Circus of Freaks' alla fine è un disco adatto ai puristi del doom, pertanto se state cercate qualcosa di nuovo, passate oltre. (Michele Montanari)

(Solitude Productions - 2014)
Voto: 70

martedì 28 luglio 2015

The Mondrian Oak - People Have Secrets

#PER CHI AMA: Heavy Garage/Post Hardcore/Stoner
Arriviamo un po’ in ritardo sull’ultimo album dei The Mondrian Oak, ma non potevamo non parlarne. Tempo di grandi novità per il trio anconetano, già titolare di un paio di interessanti lavori di post-metal strumentale. Per prima cosa, non sono più un trio, ma un quartetto, dato che ha fatto il suo ingresso in formazione anche (e qui sta la seconda, grossa novità), un cantante. Quello che è avvenuto poi, novità numero 3, è un radicale quanto inaspettato cambio di direzione musicale. Per questo 'People Have Secrets', infatti, i The Mondiran Oak lasciano da parte il loro suggestivo post strumentale per abbracciare un rock dritto e potente, conciso e tirato, che tira immediatamente in ballo nomi quali i Queens of the Sone Age di 'Rated R'. Il lavoro è confezionato in modo impeccabile, dalla registrazione al mastering, fino all’elegante artwork cartonato. Nulla da ridire quindi sul piano formale, e inoltre la periza dei musicisti non è in discussione. Francesco Giammarchi macina riff potenti e mai banali, la sezione ritmica viaggia compatta e arcigna, e Michele Magnanelli alla voce si dimostra per nulla timido, dando il meglio di sé quando può dar sfogo alle sue evidenti inclinazioni HC (in alcuni punti ricorda Dennis Lyxzén dei Refused). Apprezzabile anche la scelta di confezionare brani brevi e concisi (la durata totale non arriva alla mezz’ora), che sappiano andare subito al punto, senza perdersi in inutili lungaggini. Il punto è che, quando si sceglie di puntare forte sulla forma canzone, poi le canzoni bisogna anche saperle scrivere. E questo è il terreno sul quale i quattro devono ancora lavorare un po’. I nove brani infatti, finiscono inevitabilmente per sembrare già sentiti, e nessuno di questi pare, in fondo, essere davvero memorabile. La voce non ha molti registri a disposizione e piacciono di piú i pezzi in cui può lasciarsi andare e fare quello che sa fare meglio, come nel tiratissimo stoner garage “5” oppure nell’opener “R.O.A.K.”, che lascia intravedere soluzioni melodiche interessanti. Meno convincenti paiono invece i brani in cui il ritmo rallenta e ad emergere dovrebbe essere la qualità di scrittura, cosa per il momento lascia ancora un po’ a desiderare. 'People Have Secrets' è comunque un disco interessante, che dal punto di vista della fattura risulta decisamente al livello dei nomi blasonati a cui i nostri sembrano ispirarsi, ma un lavoro inevitabilmente di transizione verso uno stile e una formula che i quattro non mancheranno di mettere maggiormente a fuoco. Da seguire con attenzione. (Mauro Catena)

(Seahorse Recordings - 2015)
Voto: 70

Dreadnought - Bridging Realms

#FOR FANS OF: Folk/Progressive
Dreadnought (from Denver, Colorado) is one of those bands that defies easy description — but that's a good thing. 'Bridging Realms' is the band’s second release and their first full-length album. Although there are only five songs on this album, each one is epic in scope. The title of the third song, “Minuet De Lune” (Dance of the Moon or Month) somehow brought what meager snippets of junior high school French I’ve retained rushing back to the fore, as it would properly be titled “Minuet De Lune”. It tweaked my last nerve only because this band is so prodigiously literate musically that I found that misnomer distracting. Normally, I tend to dissect each release I review song by song, with an in-depth analysis of a select few. In this instance I will only provide an overview — as this is music so diverse that words truly cannot do it justice. Cliché as though it may sound, it remains nonetheless true that this is a work which must be personally experienced by each listener to be fully and truly appreciated. The music varies in some parts between an almost dissonant acid jazz interplay between guitar, drums, bass, keys and flute to heavy guitar. The comparison here to Jethro Tull is inevitable when the flute enters into counterplay with the rhythm section during jazzy interludes, while the heavier parts seem an homage to the best Mastodon sludge. Vocally, this is an extremely diverse work. This release ranges stylistically from 'Grace Slick' in early Jefferson Airplane to classic Yes-like melodies, to harmonies which could have come straight from a medieval Gregorian chorale — all the way to almost incidental death metal vocals. This is a musical work meant to be experienced holistically—in its entirety. If you’re a fan of progressive rock, metal or psychedelic rock you'll find something enjoyable and exciting to immerse yourself in on this release. Fans of any type of rock or metal need to give at least one uninterrupted and undistracted listen to this work. For the truly diehard fan of music, get yourself a copy of this on vinyl. Doing so will allow you to fully appreciate all the genre-transcendent nuances Dreadnought has seamlessly woven into 'Bridging Realms'. (Bob Szekely)

(Self - 2015)
Score: 90

Interview with Dekadent

Follow this link for an interesting chat with the Slovenian Blacksters, Dekadent: 

http://thepitofthedamned.blogspot.it/p/dekadent


sabato 25 luglio 2015

Anathème - Fujon

#PER CHI AMA: Post Rock strumentale
In una sera qualunque d’un luglio greco, i francesi Anathème spezzano l’aria intrisa di scirocco e profumi caldi d’estate. Il post rock del gruppo di Nancy è particolare. La sottotraccia delle sonorità, lascia nel dubbio perpetuo che la loro composizione sia appartata, aliena e ricercata, senza perdere in spontaneità quanto mai carismatica. Camminate con me, armati d’aspettativa, lungo questo tunnel sotterraneo che è “Ruine”. Il brano è morbido. Accattivante. Carezzevole. Il sottofondo ricorda una vecchia puntina che corre in cerchio su un 33 giri sfatto. La melodia è dolce ed ipnotica. Un intro che con me ci ha saputo fare. Non chiudete gli occhi. Non ancora. Potreste essere bruscamente destati da questa “AgCat/VO”. L’esordio del brano soffia tutto d’un fiato nelle casse. Rock puro. Il proseguo richiama l’intro, ma i volumi dei pensieri sono distorsioni, che anziché cullare, creano disegni lisergici sospesi tra gli occhi e la mente. L’epilogo straccia la vitalità strumentale per ricreare lento lo stacco con il prossimo pezzo. “Baisers de Glasgow”. Ancora sinusoidi psichedelici. Lo stile non cambia. Chitarra, batteria convogliano in questo brano come egocentrismi sonori, che una volta al centro dell’attenzione, s’inchinano al passaggio della dama bianca, che è questa voce così femminile e suadente che ci accompagna quasi fino alla fine. Poi, in chiusura, tornano batterie e chitarre come paladini ruggenti ed imperiosi. “Ohka”. Eccomi al quarto brano. Lo stile degli Anathème si riconferma. E che abbiate voglia di volume caldo o tiepido, questa song vi farà da compagno di viaggio in un turbine sensoriale dai risvolti inaspettati. Abbiate ora un istante fluido come acque di fonte che scorrono a cascata sulla pelle madida di quest'estate. Chiudete occhi cuore ed anima. Lasciate spazio solo all’eleganza invadente di questa “U Govna!”. Non ve ne pentirete. Tinnuoli. Fragranze di peschi in fiore. Sorde involuzioni. Spazi tra il battere ed il levare di questo ritmo che avvolge. Gli Anathème con 'Fujon', si prenderanno cura delle vostre velleità musicali. Avranno spazi e tempi per ognuna delle vostre speranze disattese. Un album che dal primo all’ultimo pezzo vi travolgerà con stile e personalità. Buon viaggio ovunque gli Anathème vi portino. (Silvia Comencini)

(Self - 2014)
Voto: 80
 

Aether Drop - Mannequins

#PER CHI AMA: Alternative Rock/Nu Metal
Gli Aether Drop sono un quintetto romano nato nel 2012 e con all'attivo un EP uscito un anno dopo la loro formazione. Recentemente la band ha prodotto il full length 'Mannequins', distribuito dalla Agoge Recors, e contenente undici tracce pregne di sonorità alternative/nu metal cantate in inglese. La traccia che apre il cd è strutturata su voce, tappeto di synth e un loop di batteria, il tutto per fare da intro ad "Attitude", un brano potente e viscerale. I riff di chitarra sono ben fatti, mutevoli sia nell'arrangiamento che nella metrica, merito soprattutto della struttura ritmica sapientemente creata da basso e batteria. I suoni sono quelli che ci si aspetta dal genere, quindi moderni, compressi e per certi versi un po' piatti, comunque il brano è godibilissimo per tutti i quattro minuti di durata. Cambi di ritmo, break, accelerazioni e quant'altro richiamano i fautori del genere, ma non disdegnano qualche digressione prog metal. "Tyranny Child" mette in evidenza la grinta del vocalist che ha una timbrica squillante e doti non indifferenti, riuscendo a creare linee vocali ben strutturate e varie. L'assolo di chitarra a metà brano scarica la tensione del pezzo con un leggero rallentamento e il successivo break di chitarra acustica ci catapulta in una ballata rock per qualche secondo. Non si ha neanche il tempo di pensarci su se ci piace o no, che il brano cresce e torna alle sonorità metal. "Anger Grows" è probabilmente il pezzo più aggressivo e d'impatto, con ritmiche che s'intrecciano a suon di doppio pedale, cori e muri di chitarre che non lasciano alcun scampo all'ascoltatore. Un concentrato di rabbia, ben interpretata anche dal frontman che vela di oscurità il proprio timbro vocale per meglio adattarsi al mood del pezzo. A mio avviso alla fine da considerarsi come miglior traccia del disco che vede gli Aether Drop al top del proprio agio. Chiudiamo con "Made of Tears", dove ricompaiono i synth che avevamo incontrato nella traccia d'apertura, ma che sono stati poi messi da parte per tutto l'album (peccato). Un brano più disteso, introspettivo e carico, dove si apprezzano sempre le ritmiche ben studiate e gli arrangiamenti che mutano vicendevolmente durante tutta la durata del pezzo. Dopo qualche settimana di ascolto del nuovo album degli Aether Drop, posso dire che 'Mannequins' è un lavoro ben scritto, registrato e mixato. Anche i testi sono piacevoli, trattano tematiche attuali e non sono banali. La band romana vive delle grosse influenze del genere, ma può vantare una solida identità musicale che potrebbe sfociare in qualcosa di ancor più ricercato e intimo. Alcuni passaggi nei brani sono poco personali e legati forse alla voglia di piacere a tutti i costi agli ascoltatori, questa però è una scelta di percorso che lasciamo agli Aether Drop che intanto ci hanno dimostrato di avere tutte le carte in regola per fare buona musica. (Michele Montanari)
 
(Agoge Records - 2015)
Voto: 75
 

martedì 14 luglio 2015

M.H.X.’s Chronicles – Infinite Ocean

#PER CHI AMA: Swedish Death Metal/Heavy, Dark Tranquillity, Iron Maiden
MHX sono semplicemente le iniziali di Murillo Henrique Xavier, il musicista che ha dato i natali a questa band di San Paolo, Brasile. Murillo dopo un EP di debutto, si è circondato di altri musicisti, dando alle stampe a questo full length, ‘Infinite Ocean’. Il genere proposto? Beh direi che il riferimento al binomio Dark Tranquillity/In Flames ci sta tutto per descrivere le gesta del quartetto paulista, che dopo l’acquatica overture strumentale, detona con “Conquest of the Oceans”, nella loro personale rilettura dello swedish death. Chitarre melodiche sparate a mille, vocals stile Mikael Stanne, una mitragliata a livello di drumming, splendidi break melodici e assoli da capogiro, rappresentano a mio avviso, un biglietto da visita niente male per questi nuovi arrivati. “Castle in the Sand” sfoggia altre influenze che vanno dal metalcore all’heavy più classico (scuola Iron Maiden) passando addirittura per suoni progressivi e bombastici (Dream Theater e Children of Bodom), che delineano l’assoluta perizia tecnica di questi quattro ragazzi sud americani e anche una certa versatilità nel sapersi muovere attraverso più generi, peraltro mostrando anche una certa disinvoltura a livello vocale. “The Way Home” ha un che di malinconico, quel sound che si trovava un po’ ovunque nelle tracce di ‘Projector’ dei Dark Tranquillity, merito di un emozionante pianoforte in sottofondo e di un sound mid-tempo davvero convincente. Pianoforte che ritorna prepotente anche in “At the End”, sorretto da una timida chitarra in sottofondo, che pian piano cresce e guida la melodia portante del brano con un riffing secco e corrosivo, mentre le vocals passano con una certa agilità tra il growling e il pulito, mentre Michel e Murillo alle chitarre, tracciano solchi di melodie astrali. Il vento soffia in “Outcry”, la tastiera è l’elemento predominante nella matrice sonora dei nostri, l’approccio si fa più ruffiano, ammiccando ad un alternative rock malinconico, stile francesi Demians, con la componente death metal scomparsa quasi del tutto dai radar di questo brano. Niente paura, tanto con “Havet” si ritorna ai riffoni di scuola svedese, con la batteria che diventa ancor più annichilente. La song, carica di groove, torna a tingersi di richiami metalcore. Le cornamusa (o almeno qualcosa di molto simile) si palesano nella breve “Amazing Grace”, traccia comunque piacevole nella sua epicità che anticipa i quasi dodici minuti di “A Winter Song”, la canzone più complessa del lotto, complice anche la sua lunga durata, ma anche quella più melodica e vicina al metal degli HIM, a testimoniare ancora una volta l’eterogeneità che avrete modo di riscontrare durante l’ascolto di ‘Infinite Ocean’. Il pezzo è comunque una girandola emotiva in cui i nostri sapranno dar sfogo a tutte le loro passioni, toccando addirittura suoni ambient ed etnici. Chiude il suono del mare di “Moon and Sea”, traccia acustica che sarebbe bello suonare su una spiaggia, al tramonto, alla persona che amiamo. Esotici. (Francesco Scarci) 

(Self - 2015)
Voto: 80

domenica 12 luglio 2015

Interview with Ashtar

Follow this link for an interesting chat with the Swiss Black Doom metal band of Ashtar: 

http://thepitofthedamned.blogspot.it/p/interview-with-ashtar-july-2015.html




Pavillon Rouge - Legio Axis Ka

#PER CHI AMA: Black/EBM/Industrial, Blutengel, Suicide Commando, Aborym
Che la violenza regni sovrana: deve esser stato il motto dei francesi Pavillon Rouge quando hanno concepito questo nuovo, secondo capitolo, della loro discografia, intitolato 'Legio Axis Ka'. Nove sorprendenti tracce che si dimenano nell'ambito di un furente black industriale danzereccio. Certo, stride un po' scritto cosi, ma il quartetto di Grenoble ci attacca con un black efferato che trova nella programmazione del drumming il punto di contatto con la musica techno-industriale. Quel che è certo è che da quando "Prisme Vers l'Odysée" farà il suo ingresso nel vostro stereo sino al termine del disco, non troverete alcuna sosta nell'arrembante proposta dei nostri. Verrete infatti investiti da blast beats sintetici, da vocals ostili, da ipertrofiche velocità ritmiche e da splendide melodie di una band dalla forte attitudine industriale miscelata alla perfezione con l'iconoclastia del black. "L'Enfer Se Souvient, l'Enfer Sait", sebbene l'inizio dotato di una ritmica marziale, esplode nella rabbia distruttiva di un suono che potrebbe richiamare gli Aborym più elettronici, i Plasma Pool e i Mysticum. Un coro che sembra inneggiare al Sole apre "Mars Stella Patria", pezzo più controllato, quasi rock se solo non avesse l'immancabile componente elettronica in sottofondo e se nella sua seconda metà non invadesse nuovamente territori della dance music e dell'EBM. "A l'Univers" è il tipico pezzo che si potrebbe ballare in una discoteca hardcore con i beat che vanno a ritmi infernali, ed enfatizzano la veemenza della proposta di questi pazzi scalmanati. Se avete un'idea del sound di Suicide Commando ed Hocico, traslati in veste black, potrete intuire di che cosa stia parlando. "Aurore et Nemesis" è un pezzo oscuro che mi ha evocato nella mente i Samael della loro svolta elettronica, un brano dotato di un refrain accattivante che ho semplicemente adorato e che lo pone in cima alle mie preferenze di questo 'Legio Axis Ka'. Si torna ai beat discotecari "tuz tuz tuz" con "Droge Macht Frei", anche se poi un ottimo assolo rock distoglie la mia attenzione dalla disco dance incorporata nelle violente partiture industriali. "Kosmos Ethikos" (strumentale) e "Notre Paradis" sono un paio di pezzi interlocutori, accattivanti, ma piuttosto brevi che preparano piuttosto alla conclusiva "Kluz Santur", l'ultima efferatezza sonora di questo interessantissimo 'Legio Axis Ka'. (Francesco Scarci)

(Dooweet Records - 2015)
Voto: 75

https://www.facebook.com/LuxDiscipline

Ommatidia - Let's Face It

#PER CHI AMA: Dark/Alternative, Katatonia, Charred Walls of the Damned
Strana e affascinante creatura questa band francese che al suo secondo full lenght da indipendente, mostra capacità tecniche al di sopra della media e una professionalità di registrazione impeccabile. Musicisti transalpini provenienti da aree e stili diversi dell'universo metal si riuniscono sotto il nome di Ommatidia nel 2010, dando vita a questo progetto interessante e particolare. Il contenuto del disco è difficile da decifrare, anche se tutti i brani sono ottimi per costruzione ed esecuzione. Il sound della band è un groviglio di stili che pesca tra gli ultimi malinconici Katatonia, gli epici In the Woods, il progressive dei più recenti Queensryche ed il supergruppo Charred Walls of the Damned con una vena post grunge che ne aumenta il tiro. Intermezzi acustici rincarano la capacità melodica dell'album che non si sposta mai in territori troppo rumorosi od estremi, mantenendosi sempre sul confine malinconico/melodico/epico, sacrificando appena la tanto decantata inclinazione gothic metal che la band vorrebbe avere ma che non riesce ad esprime a dovere. In 'Let's Face It' troviamo in realtà un ottimo progressive metal, non incentrato tanto nei virtuosismi, piuttosto suonato benissimo, dalle sonorità pulite, patinate e potenti, che comunque non affondano mai nell'oscurità profonda e buia. Anche le parti più cadenzate risultano troppo prog per definirsi un prodotto gotico, cosa che, al contrario di ogni facile giudizio, risulta essere una menomazione molto positiva in questo singolo caso. La nascita inaspettata di una forma sonora originalissima ed equilibrata che dona una personalità alla band di tutto rispetto. L'atmosfera è incantevole e per tutta la durata del cd, grazie ad una produzione coi fiocchi, si ha la sensazione di ascoltare un prodotto mainstream e non indipendente. Assoli, chiaro scuri, aperture e un cantato molto presente, rendono 'Let's Face It' tanto omogeneo ed apprezzabile sotto ogni punto di vista. La band parigina non ha bisogno di essere inserita in una scena musicale precisa, poiché gode di tanto carattere che può tranquillamente essere semplicemente inserita nel calderone dell'alternative metal, sulla scia di band come Tool o Control Denied, anche se il suono degli Ommatidia è più consono e meno d'avanguardia. Decisamente inaspettato, 'Let's Face It' è un ottimo album contenente due brani splendidi, "Sunspot" e "Dark Swelling". (Bob Stoner)

Mother Engine - Absturz

#PER CHI AMA: Kraut/Stoner/Space Rock strumentale, Color Haze, Can
Sulla pagina Bandcamp dedicata ad 'Absturz' si legge: “Questo album è interamente registrato live dai Mother Engine mentre jammavano nella stessa stanza. Per riprodurre al meglio le dinamiche e il suono, vi consigliamo di suonare il disco […] al massimo volume possibile”. L’inizio è promettente: non molti possono permettersi di rinunciare ad editing digitali, sovramissaggi, aggiunte e rifiniture in post-produzione. In effetti l’attitudine alla jam del trio tedesco era già nota: allo Stoned From The Underground Festival del 2013 non erano in scaletta – ma si sono portati gli strumenti e hanno allestito un set live nel campeggio (geniale!), facendo il pienone e diventando gli idoli del pubblico. Preparatevi ad un viaggio spettacolare: a guidare la nave spaziale c’è il chitarrista Chris Trautenbach. Virtuoso ma senza esagerazioni, sempre in equilibrio costante tra grasse distorsioni fuzz e tonnellate di delay, flanger, wah ed effettistica vecchia scuola. È lui a tracciare le linee e il riffing di ogni pezzo: sempre originale nei suoni e nelle melodie – mai una sbavatura, mai una scelta banale, mai un passaggio noioso o scontato: non sentirete minimamente la mancanza di una voce. A co-pilotare la nave, Cornelius Grünert alla batteria (bravissimo con dinamiche, fantasia e tocco) e Christian Dressel al basso: sono loro a costituire di fatto il motore portante di 'Absturz', su cui la chitarra costruisce poi architetture strumentali sempre nuove. Grazie alla registrazione come jam in presa diretta, il lavoro è estremamente fluido: un vero viaggio tra atmosfere strumentali psichedeliche di delay e riff caleidoscopici e groovy (ascoltate la opening “Nebel”, come esplode dal minuto 4 in avanti; o le ritmiche veloci di “Relief”, soprattutto nel finalone da headbanging), tra arpeggi soffici e distanti, costruzioni prog, immense aperture di crash e distorsioni (“Wüstenwind”), lunghe improvvisazioni e calde sonorità avvolgenti. Indimenticabile il main riff di “Lichtung”, a costruire una connessione naturale tra la tradizione stoner americana (Karma To Burn, Pelican, ma anche certi Kyuss) e il kraut rock di Can e Color Haze. Misuratissimi i due interventi vocali da guest, nel finale di “Relief” e nella coloratissima “Sonne” – con una voce femminile che canta in lingua tedesca tra partenze e ripartenze della musica. Se anche voi rimpiangete una certa naturalità della musica, la capacità di far immaginare scenari solitari e viaggi spaziali, la tecnica finalizzata all’emozione, la dinamica e i lunghi delay, pur senza rinunciare all’aspetto più groovy, rock e ai riff spaccacollo – spolverate i vostri bong e non perdetevi questi 60 minuti di meraviglia tedesca.(Stefano Torregrossa)

(Gebrüllter Schall - 2015)
Voto: 90

https://www.facebook.com/MotherEngineRock

Xaxaxa – Sami Maži i Ženi

#PER CHI AMA: Alternative/Post-hardcore/Punk, Hüsker Du
Altra uscita e altro centro per la Moonlee Records, che continua imperterrita a dare spazio alle voci piú underground dell’ex Jugoslavia, senza distinzioni di sorta, alla faccia del becero nazionalismo (spesso condito da odio razziale) che siamo soliti associare a questi paesi dalla storia tormentata. È questa la volta dei macedoni Xaxaxa, band nata come costola dei Bernays Propaganda e, a quanto pare, sopravvissuta al gruppo madre, che mi risulta essersi sciolto lo scorso anno. Allo scorso anno risale anche questo 'Sami Maži i Ženi”, terzo album per il trio di Skopje, e vero e proprio disco della maturità. Questo lavoro, lo confesso, mi ha conquistato già a partire dall’artwork, che riporta una foto di gruppo di quella che, per la breve parentesi della sua esistenza, è stata la piú forte squadra di calcio che io ricordi, ovvero la Jugoslavia che conquistó la qualificazione agli europei del 1992 ai quali poi non partecipó per i motivi che sappiamo benissimo (qualche nome? Immaginatevi Savicevic, Stojikovic, Boksic, Suker, Prosinecki, Susic tutti assieme e ditemi voi se non era una cosa da perdere la testa). Con questo in testa, sono ben disposto all’ascolto di un lavoro che, rispetto agli esordi totalmente devoti all’hardcore punk dei primi Hüsker Du e dei Rites of Spring, risulta un po’ più curato, riflessivo, leggermente levigato in un suono sempre potente e aggressivo, ma meno ruvido e intransigente. Un suono che risente alresì delle influenze indie-rock e che sta a quello dei primi dischi come gli Sugar stanno agli Hüsker Du. Canzoni più melodiche e malinconiche, pur sempre in un ambito dichiaratamente punk-rock. I testi, ora arrabbiati, ora riflessivi, sono in macedone, ma questo non è un grosso ostacolo alla fruizione di un disco breve (meno di mezz’ora) e intenso, che non stanca davvero mai nel suo mettere in fila otto brani robusti e delicati allo stesso tempo. Chi ama i nomi di riferimento, non potrà rimanere indifferente di fronte a tanta sincerità. Qualche titolo su tutti: “2 Milioni Trkalački Kamenja”, “Radio Motorika", “Vlae Salep”, ma è difficile scegliere. E poi, quella foto... (Mauro Catena)

(Moonlee Records - 2014)
Voto: 70

https://xaxaxa.bandcamp.com/album/sami-ma-i-i-eni

giovedì 9 luglio 2015

Árstíđir Lífsins - Aldafödr Ok Munka Drottinn

#PER CHI AMA: Black/Viking/Folk, Einherjer, Primordial, Enslaved 
Non mi stancherò mai di ribadire come la Ván Records rappresenti un indiscusso sinonimo di eccelsa qualità. L’abbiamo visto recentemente con band del calibro di Macabre Omen, Sulphur Aeon o i nostrani Caronte, lo confermo oggi con il come back discografico degli impronunciabili islandesi Arstidir Lifsins e del loro terzo album, uno splendido doppio lavoro in formato digipack, dal semplicissimo titolo ‘Aldafödr Ok Munka Drottinn’. Il disco, che vanta anche un raffinato booklet interno tra testi in lingua madre e traduzioni in inglese, affronta le consuete tematiche legate alla mitologia nordica, che rappresentano la principale fonte di ispirazione del terzetto islando-germanico. Cinque le tracce comprese nel primo cd di questa eroica saga, che apre con la lunga “Kastar Heljar Brenna Fjarri Ofan Ǫnundarfirðinum” che narra la storia dei fratelli Hoskuldr e Sigfùss, muovendosi tra furibonde cavalcate black e intermezzi di epica narrazione, con le voci che si alternano tra un selvaggio screaming e un parlato narrativo che tornerà anche nei seguenti brani. Proprio all’inizio di “Knǫrr Siglandi Birtisk Á Löngu Bláu Yfirborði” infatti, vi è infatti un racconto introduttivo di Marsél Dreckmann (membro dei tedeschi Helrunar). Poi le spade vengono brandite al cielo, gli eserciti allestiti per la guerra e quello che posso immaginare nella mia fantasia, è il momento che anticipa la battaglia e gli inni che vengono intonati prima di essa, con la musica che si muove tra suggestioni cinematiche, scorribande black e frangenti ambient. Il fragore delle armi irrompe nella malvagia “Þeir Heilags Dóms Hirðar”, song black mid-tempo che ha modo di esibire fantastici intermezzi acustici che ne placano l’incedere violento e funesto, in una lunga evoluzione di quasi 14 minuti. Con “Úlfs Veðrit Er Ið CMXCIX” immagino di contare i morti sul campo di battaglia, complice l’avanzare greve all’insegna di un doom drammatico e solenne che da lì a poco evolverà verso lidi di rabbia furente, interrotta solo dal calar delle tenebre, che si manifestano con un ridondante suono di chitarra acustica e voci narranti in sottofondo che raccontano le gesta di antichi eroi. “Máni, Bróðir Sólar Ok Mundilfara” sembra suonare interlocutoria, quasi come un ponte che colleghi il primo disco al secondo che va a prepararsi. I cadaveri dei caduti vengono bruciati e le loro anime che si dirigono verso il Valhalla, celebrate con i canti folklorici di “Tími Er Kominn At Kveða Fyrir Þér”. Le ostilità riprendono con “Norðsæta Gætis, Herforingja Ormsins Langa”, song che mostra qualche richiamo ai Primordial e sembra dotata di un forte sentimento vichingo. Si continua a mantenere alta la tensione con “Bituls Skokra Benvargs Hreggjar Á Sér Stað”, altro esempio di come si possa combinare black, viking, epiche melodie, folklore e doom, senza rischiare di stancare l’ascoltatore. A chiudere ‘Aldafödr Ok Munka Drottinn’ ci pensa la mesta melodia di “Sem Lengsk Vánar Lopts Ljósgimu Hvarfs Dregr Nærri” che nella mia mente rappresenta il ritorno a casa dei pochi fieri sopravvissuti alla guerra. Arstidir Lifsins, un gradito ritorno. (Francesco Scarci)

(Ván Records - 2014)
Voto: 80

mercoledì 8 luglio 2015

Le_Mol - Kara Oh Kee

#PER CHI AMA: Post Rock, Mogwai, Godspeed You! Black Emperor, Neurosis
Prima di leggere quest’articolo ascoltatevi almeno un brano dei Le_mol e cercate di capire quanti elementi ha questo gruppo. Ora che lo avete fatto (o se gli spoiler non vi scalfiscono), siete pronti per scoprire che quest’incredibile orchestra di puro post-rock in realtà è un duo! Due giovani viennesi che riescono, grazie all’utilizzo di loop ed elettronica, a ricreare sonorità degne dei grandi di questo genere. L’album 'Kara Oh Kee', il cui nome ovviamente ironizza sulla presenza di soli brani strumentali, apre con “Time to Get Pumped, Robert Pattinson” il pezzo più lineare e corto dell’intera opera che fa da intro a “Majorities Finest Moments”, un crescendo di chitarre in loop, quasi cercassero di raggiungere un’opera di Glen Branca, arricchito da un pianoforte e dai sintetizzatori. Arriviamo quindi a “Esarintu”, uno dei pezzi più belli e interessanti del disco, dove pianoforte e chitarre si fondono in continui crescendo e un malinconico sax, ci prepara al consueto finale. “Am I Under Arrest?” e “Yeti Untitled” proseguono anch’essi con lo schema classico del post-rock che caratterizza la produzione del duo. Con “The Mountain Daisuke Inoue Never Sang About” la band ritorna a ironizzare sul titolo dell’album, poiché Daisuke Inoue è l’inventore della macchina del karaoke. L’album termina con “I Despise You, Butterflies”, canzone che si discosta dal resto della produzione, sia per durata (supera gli otto minuti) che per composizione: un lungo tappeto di “rumore” dove pianoforte e chitarra si alternano con malinconia e ci portano ad un’esplosione sludge nel finale. Nel panorama post-rock è difficile trovare delle novità interessanti che riescano a colpire l’ascoltatore ma, questo duo che sembra un’orchestra, o come si autodefiniscono loro una “loop orchestra”, ci ha regalato un disco che vale la pena ascoltare, un'ottima amalgama di post-rock e sludge con delle rifiniture drone. (Stefano Bissoli)

(Self - 2015)
Voto: 75

domenica 5 luglio 2015

Tovarish - This Terrible Burden

#PER CHI AMA: Drone/Noise, Khanate, Alos?, Sunn O)))
I Tovarish sono una band di Providence, Rhode Island, dedita ad un connubio artistico di generi estremi e radicali che non lascia superstiti. Dentro a questo loro terzo devastante cofanetto, vi mescolano dark ambient, noise, drone metal, industrial e avanguardia sperimentale. L'ispirazione è tratta da una certa ammirazione per quella che fu la grande URSS (quella con la falce e il martello), immaginata in una forma post atomica, deforme e contaminata (Tovarish se non erro significa Compagno), come se dovessero scrivere la colonna sonora di una grande madre Russia disintegrata da una guerra nucleare, dove il paesaggio è gelido, sepolcrale e terrificante. L'immagine di macerie e detriti (anche l'artwork di copertina si presenta molto a tema) è alquanto viva e presente nell'espressività sonora di questa band americana, che fa del rumore la sua arma più letale. Sia esso prodotto da feedback di chitarra o synth o loop, non ha importanza. Il drone, le terrificanti presenze vocali e l'ambientazione horror in alta fedeltà, sono alla base di ogni composizione, aiutate da una qualità di registrazione ottima per l'ascolto. Il mio viaggio nell'incubo post atomico avanza violentemente in tutta la sua perversa teatralità. Ottima la quarta traccia, "Order", che ci fa immaginare perfettamente, come potrebbe essere una melodia venuta direttamente dall'inferno, interpretata da un mostro, geneticamente modificato dopo lo scontro post nucleare, amante del bel canto. "Whisper Campaign" vede la partecipazione della musa Yoshiko Ohara (Yoshiko Ohara, Bloody Panda, etc...) che aumenta "l'infernalità" e la disperazione del brano precedente con una grazia eterea e disarmante venuta alla luce dalle viscere più profonde della Terra. Devo ammettere che in questi due brani c'è un affondo musicale che eleva i Tovarish verso l'olimpo degli ibridi tra jazz sperimentale più estremo e funeral drone più radicale. Due brani davvero speciali. Il dramma continua per circa quarantacinque minuti di nebbia fumosa, tra palazzi caduti e bunker desolati, il canto quasi black metal di "Call of the Kurck" e la speranzosa malinconia di "Urca Major" mi spingono verso la successiva travagliata "Dyatlov Pass" ed il suo estremo black metal minimale. Le ultime due tracce si chiudono tra voci provate di una radio che cerca di spiegare l'accaduto ai pochi sopravvissuti, facendosi spazio tra gli ultimi retaggi ambient/industrial/noise che delineano il finire di questo viaggio in un paese morto, senza più vita. Alla fine, tirando le somme, 'This Terrible Burden', uscito per la Argonauta Records in questo torrido 2015, si presenta con tutta la sua potenza e la sua particolarità, adatto ad un pubblico di nicchia e volonterosi ricercatori di novità estreme, amanti di Bloody Panda, gli ultimi lavori di Alos?, Teeth of Lions Rule the Divine, Khanate e gli immancabili Sunn O))). Buon viaggio nell'incubo post atomico dei Tovarish! (Bob Stoner)

(Argonauta Records - 2015)
Voto: 80

https://www.facebook.com/Tovarishband

sabato 4 luglio 2015

3 Days of Silence - Sodium/Sulfur

#PER CHI AMA: Black Industrial Sperimentale
Lo dico da un po’ di tempo che in Svizzera c’è un sottobosco che brulica e non poco, facendo emergere diverse band dai caratteri davvero interessanti. Complice la presenza di due etichette emergenti, la Hummus Records e la Czar of Crickets, ma anche grazie ad una sempre più fiorente scena metal. I 3 Days of Silence si formano nel 2012 nei dintorni di Ginevra, dopo una serie di pregresse esperienze con Xicon e The Nightshade, e solo a fine 2014 escono autoprodotti con questo intrigante ‘Sodium/Sulfur’. La spiegazione del mio “intrigante” la si ritrova immediatamente nei contorni industrial trip-hop della opening track del side A di ‘Sodium’, “Mortality/Normality”, che trova il solo punto di contatto col black, nello screaming ferino di AsCl3, che affianca quello di una soave fanciulla. Per il resto potrebbe essere tranquillamente una qualsiasi delle band della scena di Bristol a suonare, muovendosi tra elettronica e bassi trip-hop, in un ipotetico mix tra Portishead e Massive Attack. Elettronica che torna decisa anche nella successiva “Ask the Dust”, dove anche le vocals maschili vanno ad emulare quelle dei gods inglesi e in cui la definizione metal va quasi totalmente a estinguersi per abbracciare un sound più votato alla sperimentazione. Un pianoforte apre “Consolation”, un’altra traccia che travalica il concetto di metal: suadenti, melodici, visionari, sperimentali sono solo alcune tra le parole da spendere per descrivere il sound dei 3 Days of Silence. Giro lato, e il side B del vinile (‘Sulfur’ che verosimilmente dovrebbe evocarmi l’atmosfera sulfurea dell’inferno) mi presenta uno scenario alquanto inatteso, ossia la furia iconoclasta di “Na-tural S-tate” che prende nettamente le distanze da quanto ascoltato fino ad ora. Sinceramente frastornato da questo cambio di rotta, l’unico punto di contatto col side A è rappresentato dall’utilizzo di qualche sampling e da tastiere atmosferiche. “Verwüstung” è un ferale attacco black, sferrato a velocità disumana, che solo sul finire torna a rinverdire ipnotici fasti trip-hop. Ormai è chiaro, il secondo lato di questo disco si pone in netta contrapposizione alla verve sperimentale di ‘Sodium” e così anche “S.W. MMVII” si muove sul versante estremo, palesando comunque singolari melodie di sottofondo che confluiscono nell’esplosione finale di “White Birds”, song selvaggia ma comunque dai tratti cibernetici. I 3 Days of SIlence alla fine mi convincono appieno, qualunque sia la direzione dove il trio ginevrino si sta dirigendo. Aiutati poi da una folte schiera di amici (Blutmond, Near Death Condition e Code), ‘Sodium/Sulfur’ si presenta come un accattivante album d’esordio che mi obbliga fin d’ora a tenere monitorate le sorti di questo combo elvetico. (Francesco Scarci)

Khaossos - Kuolonkuu

#PER CHI AMA: Black Old School, Burzum
I Khaossos li abbiamo già incontrati sul finire del 2014, quando tra le nostre grinfie finì 'Eksistentialismi', EP dedito a un oscuro black old school che positivamente colpì il nostro Bob. Ora, a distanza di qualche mese, mi ritrovo fra le mani (ma solo virtualmente, vista la natura digitale della release) 'Kuolonkuu', il full length di debutto del combo di Uusimaa. Sei i brani a disposizione per provare a sedurre anche il sottoscritto, di manica decisamente più stretta rispetto al collega che precedentemente recensì la one man band finlandese. Dopo la spettrale overture, l'album si affida all'incedere ossessivo, tagliente e minimalista di "Sokeus", una lunga traccia, che nei suoi oltre nove minuti, mai accenna ad una accelerazione o a una sfuriata che ne modifichi la sua desolante dinamica esistenziale. Spoglio, diceva bene Bob; è difatti la parola che meglio si addice per delineare l'essenza tormentata di questo eremita del black metal. La terza "Harhainen" è un altro lungo brano in cui si scorge una vena folklorica che fino ad ora era rimasta nell'ombra della litanica proposta del factotum finnico. Difficile cogliere però il benchè minimo barlume di speranza dall'ascolto di questo disco, che tra le proprie influenze racchiude senza ombra di dubbio i Burzum più tetri ed essenziali, complice quella monotonia intrinseca racchiusa nelle linee di chitarra. Il registro non cambia poi di molto anche in "Polkuni Vailla Suuntaa", asfissiante e deprimente, il brano prova a cambiare registro ed inoltrarsi, con le sue ancestrali tastiere, nelle maglie di un black più atmosferico. Con la title track, il buon Kval prosegue la sua missione di saturazione di anima e mente, spingendo gli ascoltatori sull'orlo del precipizio del suicidal black, prima di dare la letale spallata finale; del lotto è la song che preferisco, forse anche la più varia, visto il break acustico centrale. 'Kuolonkuu' l'avrete intuito, non è tra gli album più semplici da digerire, quindi servirà tutta la vostra attenzione e ispirazione, per trarre giovamento dalle note informi di questo maledetto artista, che con la breve "Toisella Puolen" chiude definitivamente le porte dell'inferno. (Francesco Scarci)

Dustskill - Closing Circles

#FOR FANS OF: Melodic Death Metal, early In Flames and Dark Tranquillity
The debut EP from these German Melodic Death Metallers tends to go along pretty familiar routes here that can make this band appear pretty much stagnant and derivative. Whereas the majority of the bands of this style tend to play deep, heavy Death Metal bristling with melodic notes and accents, instead this group is more into the modern stance of the scene with plenty of mid-tempo or slower chugging patterns that offer breakdown-style riffing complete with twists between clean and growled vocals that suggest melody throughout but don’t really suggest a lot of actual Death Metal in their roots. This is due to the stripped-down, mechanical approach to the music here without much to really lay into the more aggressive side of their sound, which is without question the early-90s Gothenburg forbearers to this general scene. Those mid-tempo moments here are just too strongly rooted here to let that take hold, for while this does a more admirable job at establishing itself in the deathlier realms that the Metalcore crop that also emerged from said scene utilizing the same formulas, it just can’t get that solemn, melancholy feel to really let loose here which results in enjoyable if not exactly demanding work throughout here. Instrumental intro ‘The Circle Closes’ gets this started with a series of electronic bleeps and building tension that leads into proper first track ‘Here Comes the Fire’ really offers a lot of that great work with choppy drumming grooves, tight chugging and a gorgeous sense of melodic framework with the clean vocals mixed alongside the deep growls for an impressive first offering. ‘Restless Will’ offers a more traditional Death Metal assault here with the pounding kick-drumming, deep chugging and melodic surges that offer the best hints here of their overall future approach with a solid semblance of attack here, and sticks out as the best track accordingly, while ‘Broken Blockade’ features a slightly less up-tempo variation with far more frantic blasting drum-work amid the gorgeous melodic chugging intertwined throughout the final half for the album’s best two tracks. ‘Burning Dust’ goes for a more technical approach to the standard Gothenburg mindset throughout the vast majority here as the pounding drumming and charging riff patterns that are trying to eke out here are awash in melodic rhythms and tight chugging for an enjoyable if not exactly stand-out effort. ‘The Hundredth One’ turns towards mid-tempo chugging with a few scattered blastbeats among it’s more restrained and melodic moments are mixed alongside that slow, mid-tempo melodic chug that makes this another enjoyable if not spectacular offering. Lastly, ‘Rusty Skin’ again keeps the melodic mid-tempo chug at the forefront but not even at that previous one’s speeds which get close with a series of sharp rhythm-work throughout but the melodic keyboards and chug-based patterns keep this from really racing along and tends to end this on a down-note. Overall, this one isn’t all that bad but doesn’t really stand-out in the crowded scene as it is. (Don Anelli)

(Self - 2015)
Score: 65

https://www.facebook.com/dustskill

The Pit Tips

Kent

Mitochondrion - Archaeaon
Ad Nauseam - Nihil Quam Vacuitas Ordinatum Est
Samothrace - Life's Trade

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Larry Best

Dendera - Pillars of Creation
Luca Turilli's Rhapsody - Prometheus
Helloween - My God-Given Right

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Claudio Catena

Faith no More - Sol Invictus
Testament - Dark Roots of Thrash
Alice in Chains - Facelift

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Francesco Scarci

Dekadent - Veritas
Vola - Inmazes
Naïve - Altra

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Yener Ozturk

Amenra - Mass III
Crowbar - Symmetry in Black
Sodom - In War and Pieces

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Don Anelli

Chaos Synopsis - Seasons of Red
Reanimator - Horns Up
Dustskill - Closing Circles

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Roberto Alba

Amestigon - Thier
Abyssion - Luonnon Harmonia Ja Vihreä Liekki
Urfaust - Apparitions

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Stefano Bissoli

The Troggs - Wild Things
Beastie Boys - Check Your Head
C'mon Tigre - C'mon Tigre

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Stefano Torregrossa

Goatsnake: Black Age Blues
Stoned Jesus: First Communion
Glowsun: The Sundering

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Bob Stoner

It's Not Night: It's Space - Bowing Not Knowing to What
Shrine of the Serpent - Shrine of the Serpent
Paradise Lost - The Plague Within

RTC - So Close So Far

#PER CHI AMA: Hardcore/Metalcore
Gli RTC (acronimo per Ready to Crumble) nascono nel 2011 nella Svizzera italiana, raccogliendo membri da alcune formazioni hardcore ticinesi e debuttano con un EP nel 2013. Dall'EP al disco d'esordio il passo è breve e nel 2014 vede la luce questo 'So Close So Far', 31 minuti di musica divisi in 10 tracce comprendenti anche un “Intermezzo” strumentale (ed è proprio “Intermezzo” il titolo del brano). Come sempre sarò molto sincero, a costo di essere perfino greve nelle mie valutazioni; ho sempre odiato il genere proposto dal quartetto svizzero, ma tant'è...premetto che mi sono accostato all'ascolto senza preconcetti e cercando di ascoltare più volte il disco, anche se non sempre è stato facile arrivare alla fine dei 31 minuti. La band propone un metalcore (chiamamolo cosi', va tanto di moda...) miscelato con elementi che arrivano dritti dritti dall'HC più classico, una voce che a volte si cimenta nel growl di chiara estrazione death, chitarre saturate tipo swedish anni '90 ed una produzione molto grezza, quasi da demo. Le canzoni scorrono, i minuti passano, ma veramente poche cose risultano degne di nota. I ragazzi sono degli ottimi esecutori, suonano bene e picchiano duro, ma le canzoni lasciano a desiderare. Tutte molto simili, senza picchi, abbastanze “piatte” e per quanto riguarda quest'aspetto, la produzione scelta non li ha di certo aiutati: chitarre troppo piene di bassi, che vanno ad “impallare” gli altri strumenti. Una produzione di questo tipo me la aspetto dagli Entombed, dai Dismember...ma questi gruppi hanno scritto la storia dello swedish death e quindi rispetto assoluto. Sono sicuro che nel caso degli RTC, con dei suoni meglio centrati, le composizioni ne avrebbero goduto, anche oltre che le orecchie. Comunque, dopo diversi ascolti, se la situazione non migliora vuol dire che difficilmente questo lavoro uscirà dal guado dei “solo discreti” della mia discografia. Qualche riff in più, un po' di monoliticità in meno (figlia probabilmente del ricercare il “peso” a tutti i costi, porta quasi sempre a rendere monotono il tutto, ammazzando anche le più semplici variazioni melodiche). Essendo io stesso un musicista, so che sicuramente gli RTC ci avranno messo l'anima nel comporre e produrre questo CD, ed infatti qualcosa che mi è piaciuto l'ho trovato sul serio: “Hero” e la conclusiva “Again, Again” sono due bei pezzi, che riescono a strappare la sufficienza in extremis. Una volta venivano chiamati “esami di riparazione”, ecco, aspetterò gli RTC al varco col prossimo lavoro; quando durante l'appello chiamerò il loro nome, mi aspetto di trovarli pronti, impavidi e coscienti delle proprie capacità. Possibilmente con un ottimo CD da presentare. Per ora, purtroppo, un occasione persa. (Claudio Catena)

(Jetglow Recordings - 2015)
Voto: 60

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