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sabato 20 gennaio 2018

Backtrack Lane – In Fine

#PER CHI AMA: Indie Rock, Incubus
Devo ammettere che preferivo l'aria più seriosa di 'Black Truth & White Lies', il precedente album dei parigini Backtrack Lane che si ripresentano in pista con un nuovo EP supportato dalla Dooweet Agency. Le doti vocali di Raphael Gatti sono indiscutibili e riconducibili allo stile di cantanti spettacolari come Chris Cornell e Glenn Hughs, e musicalmente la band poteva essere accostata tranquillamente al suono dei più recenti Soundgarden ma in questa loro ultima fatica, i quattro transalpini hanno optato, a mio parere forzatamente, verso una linea orecchiabile e radiofonica che ricorda le cadute dei Queen of the Stone Age nella loro ostinata e non sempre riuscita ricetta/ricerca pop rock. E così, dall'iniziale ottima apertura di "Fifteen Minutes" che fa da ponte perfetto tra i due stili adottati dalla band, ci si avvia verso un frizzante rock venato di blues e pop, ma demotivato e scarico della vecchia adrenalina. Intendiamoci però, mi manca la tensione e l'aggressività di un tempo ma la qualità è tutt'ora alta anche se rivolta ad una forma più sbarazzina di energico rock che fa il verso agli Incubus più trendy quanto ai bravi Kasabian, che loda i coretti dei Blur d'un tempo, trasformado il quartetto della capitale francese in una sorta di brit pop band dalle marcate venature hard blues ("Breaking the Rules"). Il disco è buono ed ascoltabile (fate partire "Underground" e capirete), ben fatto ed equilibrato, piacevole, senza pecche e se staccato dal precedente, risulterebbe proprio un bell'album. Idee nuove ce ne sono ma difficilmente riuscirò a mandar giù quella sottile aria ironica e scanzonata che invade tutto il lavoro, infatuato come sono del loro precedente cd. Questo è il mio modesto giudizio ma ciò non toglie che l'invito ad ascoltare questa release sia sempre valido e ne vale sicuramente la pena, soprattutto a chi cerca una buona dose di energia positiva e scoppiettante in salsa rock da ascoltare lanciato in macchina, magari un sabato sera. Aggiungo inoltre, che se questo EP è un primo passo per rivendicare il nuovo sound di una band che cerca un posto al sole nella musica indie internazionale, non posso far altro che costatarne il valore, dire che è un salto nella giusta direzione e augurare a questi ragazzi che il loro sogno si realizzi. (Bob Stoner)

lunedì 8 gennaio 2018

Lord Shades - The Uprising of Namwell

#FOR FANS OF: Symph Death/Black
Lord Shades is a French band founded in 2001. Initially, it was a one man project, managed by the current singer and bass player Alex that was the mastermind behind the band´s music, sometimes accompanied by occasional collaborators. Such situation lasted during the demo era, and as soon as the band started to release full albums, new members were added to the band´s line-up. This four-piece line-up has been rather stable during the release of their three albums. 
 
'The Uprising of Namwell' is their last one which closes the trilogy of works based on a fictional universe created by the band members. The storyline of those works covers three different worlds. Firë-Enmek, the land of mortals and a land of suffering, Namwell which is a land of bliss and harmony and Meldral-Nok, a cursed land where only chaos and fire prevail. In this last chapter the main character, Lord Shades, has turned to the dark side and though he has become an evil creature, he is still haunted by almost forgotten memories of his previous life. This is by far the darkest and most chaotic chapter of the trilogy and the concept behind the new album. Taking into account this background, it can guess that the music included in this release must be something dark and epic, but in this occasion variety plays a major role. This is not a standard extreme metal album with an interesting concept behind, mainly because Lord Shades tries to combine different styles, like black, death and symphonic metal, even with certain thrash metal influences to make this complex trilogy a reality. The mixture makes this album an interesting beast, that requires a certain amount of listenings before fully appreciating it. Each song has its peculiar touch, and this can be confusing if you don’t listen to it with an open mind. Anyway, 'The Uprising of Namwell' has a general darker tone than the usual conceptual album with an epic story behind. The last part of this trilogy shows a dark world hit by violence and cruelty, so don´t expect “happy” epic arrangements. A good example of this idea would be the track “Woe to the (Vae Solis)”, which has the aforementioned dark and even decadent atmosphere. This doesn´t mean that this album lacks of beautiful arrangements, because this track is a good example of how Lord Shades successfully introduces atmospheric touches (female vocals and symphonic arrangements), which are a clear contrast to the general tone of track. This gives an extra point of unexpectedness, which is always great. On the other hand, songs like “The Revenge of Namwell” and “Nightly Visions" have a clear stronger tone with a massive death metal influence and they are probably the heaviest tracks of this conceptual work. Regarding the arrangements, the release is very rich in details and the range is quite wide. Those arrangements are usually symphonic-esque, but at certain times they can have a clear folk/ritual tone as it happens with “The Awakening”, which sounds quite close to Middle-East traditional folk music. At the end, the best way to understand the richness and diversity included here, is to check out the long and epic closing track, “A New Dawn”. This song sums up all the Lord Shades efforts in creating an authentic sonic representation of Namwell´s dark universe. 
 
In conclusion, 'The Uprising of Namwell' is a truly ambitious album, both conceptually and musically. The album itself is quite demanding due to its length and complexity, but its worth of it if you like conceptual albums with a wide range of musical influences. Lord Shades has managed to create a worthwhile closure to their epic trilogy. (Alain González Artola)

Fabulae Dramatis - Solar Time’s Fables

#PER CHI AMA: Prog Avantgarde
Riffoni articolati, vocals curatissime, groove e tanta sperimentazione. Potremmo riassumere con queste poche parole 'Solar Time’s Fables', l’ultimo album in studio dei Fabulae Dramatis. Si comincia dall’opener (e singolo) “Agni’s Dinasty”, con la sua ritmica trascinante, la quale passa in rassegna tutte le qualità e peculiarità del sestetto belga, a partire dai bei fraseggi chitarristici. Elemento interessante il continuo interscambio fra i 4 (!) vocalist, dal growl al canto lirico delle voci femminili, che si articolano in innumerevoli intrecci. Arriviamo a percepire una notevole interpretazione vocale, soprattutto nella terza traccia “Heresy”, dove il contrasto vocale maschile-femminile (ad opera di Hamlet e Isabel Restrepo) è accentuato da vere e proprie parti recitate più che cantate. Brano particolare anche strutturalmente, presenta un insolito riff in levare che assume, nella parte centrale, quasi un carattere da ballad, a dispetto dell’introduzione. Da segnalare anche il brano “Sirius Wind”, con l’originale intervento del sax sostenuto da un groove drum-bass, a tratti orientaleggiante. Tante idee e sfumature curate emergono da tutti i pezzi del disco, dai cori e dalle percussioni etniche in “Coatlicue Serpent Skirt” all’elettronica di “Nok Terracottas” o i sitar della strumentale “Forest”. Tutto sempre condito dai pregevoli ricami vocali delle due componenti sudamericane della band, Isabel Restrepo e Isadora Cortina. “Roble Para El Corazon” è il coronamento di questa influenza latina delle due musiciste: trattasi di un vero e proprio tango, con tanto di fisarmonica e violino, rinforzato poi dalla corazza metal della band, che si destreggia bene su queste ritmiche decisamente insolite. Ciò che emerge da questa seconda fatica del “variegato” ensemble, sono sicuramente le numerose idee che riempiono le loro particolari composizioni. Metal e non solo, perché dalla solida base prog, si delineano quelle sfumature e quegli elementi peculiari che animano ogni brano, respirando anche climi “esotici”, rispetto alla fedele spiaggia metallica. Ai Fabulae Dramatis bisogna poi riconoscere il merito di notevole impegno e di grande professionalità, come si può evincere non appena prendiamo in mano il booklet: studiato, preciso e particolareggiato, proprio come il disco stesso. Ascolto consigliato a chi non disdegna un po’ di avant-garde per colazione. (Emanuele "Norum" Marchesoni)

martedì 19 dicembre 2017

Gut Scrapers – Getting Through

#PER CHI AMA: Hard Rock
Devo ammettere che questi Gut Scrapers mi piacciano molto nonostante ci abbia messo un bel po' ad inquadrarli. Con buona soddisfazione, dico che è stato divertente scoprirli nei particolari e capire quanta passione ci sia dietro questa loro proposta. Partiamo subito col dire che se vi aspettate qualcosa di nuovo, avete sbagliato cd, ma pensare alla solita zuppa riscaldata devota ad un banale rock'n roll, alla fine è ancor più sbagliato. La band di Nimes rispolvera in grande stile il culto vero del rock in varie salse, dall'hard'n roll al blues fino allo sleeze con un tocco di grunge e di roccioso metal style da classifica, facendolo in grande stile e con una propria personale, piacevole interpretazione. Il gruppo suona molto bene, si esprime come se gli Screaming Trees volessero imitare Slash, come se Alice Cooper giocasse con i brani storici dello street metal o degli Aerosmith ed è oltremodo interessante vedere come tra gli ispiratori della band ci siano anche i gloriosi Tesla. Così, l'assemblamento da guerra è pronto e pesca in tutti i settori del rock d'annata e in quello moderno, con il tiro sonoro che strizza l'occhio all'ultimo Ozzy e vede riaffiorire splendide chitarre vintage a stelle e strisce rieccheggianti il riff capolavoro di 'Wanted Dead or Alive' del buon vecchio Bon Jovi nelle tracce più melodiche, mentre assoli incandescenti e coretti alla Motley Crue aiutano a sostenere l'alto tasso adrenalinico dei brani cantati da un Thierry Pitarch in splendida forma, che fa il verso ad Alice Cooper, quanto all'oscuro crooner rock, Mark Lanegan. Il tutto condito con quella verve elettrica alla Dogs d'Amour o ai The Quireboys, rockers consumati, di strada, vissuti, che respirano polvere e trasudano energia senza mai dimenticare il concetto di libertà interiore nei confronti di una società decadente, concetti ben espressi nei testi di questo secondo lavoro della band transalpina uscito per Brennus Music e lanciato dalla Dooweet Agency. Esperienza, passione, qualità, una bomba pronta ad esplodere ed essere contagiosa, ottima nella sua proposta musicale quanto nel suo fumettistico artwork di copertina. Un album coinvolgente con brani decisamente trascinanti. Ascoltatevi "Thankful", "Ahead", "Ride" e provate a dire il contrario! Consigliato! (Bob Stoner)

(Brennus Music/Dooweet Agency - 2017)
Voto: 75

https://gutscrapers.bandcamp.com/album/getting-through

sabato 2 dicembre 2017

Mallory - Sonora R.F. Part II

#PER CHI AMA: Rock, The Doors
Si prosegue con l'analisi della discografia dei Mallory: dopo aver recensito '2' e 'Sonora R.F. Part I', non potevo farmi mancare anche l'ultima fatica della band francese, 'Sonora R.F. Part II'. Come già detto, il quartetto parigino ha un'innata capacità di fondere blues, grunge e atmosfere eteree che rapiscono l'ascoltatore e lo fanno accomodare su una vecchia poltrona di pelle, ormai distrutta dal tempo, ma che conosci in ogni sua imperfezione. L'album contiene dieci brani in un digipack con la stessa grafica del 'Part I', ma a colori invertiti. All'interno sono riportati i testi, sia in inglese che in francese, come i Mallory ci hanno già abituato in passato. "Riot" è il brano che ha la responsabilità di aprire il nuovo album e lo fa con tanta energia, con il tutto che ricorda i vecchi Pearl Jam, con riff aggressivi che si abbattono con energia come una tempesta su un paesaggio quieto ed inerme. La ritmica è sostenuta, batteria e basso si spellano mani e dita per scaricare più rabbia possibile, mentre il cantato ruggisce con la sua timbrica graffiante ed esperta. Un concentrato di headbanging che dà poco respiro, a parte qualche break, ma poi i nostri riprendono le loro progressioni ed esplodono esausti nel finale. Un brano che sembra essere nato in un qualche scantinato di Seattle e non a Parigi. "So Wet" torna alle radici blues della band, il ritmo rallenta e i suoni si fanno di soffice velluto scarlatto che accompagnano perfettamente questa ballata malinconica e sensuale. Immaginatevi un locale buio, deserto se non per un'oscura figura seduta di fronte al palco che vede una ballerina esibirsi in una danza provocatoria, tra fumo di sigaretta e bicchieri di gin scolati per anestetizzare l'anima. Il vocalist accompagna perfettamente la melodia che si districa tra fraseggi classici, ma ben arrangiati e dai suoni perfetti. In alcuni punti si ha l'impressione di sentire i The Doors più passionali e meno lisergici, anche se i quattro musicisti transalpini hanno quella marcia in più che gli permette di giocare sugli arrangiamenti e fare la differenza. "Vertige" reintroduce il cantato in francese che si sposa perfettamente con la parte strumentale e colora un brano bipolare, con un inizio lento e struggente che inganna, facendoci pensare all'ennesima ballata. In realtà appena si percepisce il crescendo, i Mallory pestano sul pedale distorsore e apriti cielo, ritorna quell'energia e quella rabbia che si riflettono in una valanga di decibel. Ancora una volta la sezione ritmica ha un ruolo determinante, il basso viaggia veloce senza perdere un filo di groove, mentre il batterista può destreggiarsi in pattern goduriosi che portano l'ascoltatore a trasformare ogni superficie disponibile in una batteria e immedesimarsi con il maestro delle bacchette che sta dietro le pelli dei Mallory. La breve entrata del synth fa l'occhiolino agli arpeggiatori tanto amati dai The Who, la conferma che le cose semplici vanno fatte in maniera impeccabile per essere convincenti. 'Sonora R.F. Part 2' è un altro capolavoro targato Mallory, una band che non segue le mode e scrive la musica che gli batte nel petto, sempre vera e convincente. Arte unita ad una dose di pazzia che porta sul palco una rappresentazione equilibrata di musica e teatralità, non è da tutti sapersi muovere tra generi così diversi e con cotanta eleganza. Chapeau mon ami. (Michele Montanari)

lunedì 27 novembre 2017

Stolen Memories - Paradox

#PER CHI AMA: Heavy Progressive
'Paradox' è il terzo album in studio per i francesi Stolen Memories, che avevano esordito nel 2010 col disco 'The Strange Order'. Con una formazione di insolito power-trio, privo di bassista, la band di Villeurbanne si ripropone con questo nuovo lavoro in chiave prog metal. A farla da padrone fin dalle prime note di quest’album è la notevolissima abilità tecnica del chitarrista/polistrumentista Baptiste Brun, colonna portante della band insieme al fratello batterista Antoine, nonché autore della quasi totalità delle composizioni. La mancanza delle basse frequenze in pianta stabile è ampiamente sopperita dai movimenti chitarristici che vanno a creare un solido muro sonoro adagiato sulle variabili ritmiche della cassa. In diversi pezzi infatti, cito ad esempio “Exile”, non fa nemmeno ricorso alla quattro corde, seppur in “Obedience” sia presente un bell’intro iniziale basato su una pregevole linea di basso che caratterizza il brano. Solitamente appunto è sufficiente il carattere totalitario assunto dagli assoli e dai fraseggi chitarristici che sostengono ogni brano, come ad esempio in “The Badge” o “Constant Liar”. All’andamento progressivo predominante dell’album si affianca poi una buona dose di sfumature epico-melodiche, grazie anche alla presenza di diverse parti di synth ed effettistica varia, che stabiliscono valide armonie sotto gli assoli del buon Baptiste (davvero notevole quello della già citata "Constant Liar"). A mio avviso però la pecca più evidente dell’album va ricercata nelle liriche poco particolari e le associate linee vocali, forse un po’ troppo “deboli” per lo spirito complessivo del disco. Tuttavia, è notevole l’impatto dei musicisti: tecnica da vendere e belle composizioni, con una certa complessità ritmica. Da tenere sotto controllo. (Emanuele "Norum" Marchesoni)

lunedì 6 novembre 2017

Drakkar - Diabolical Empathy

#PER CHI AMA: Power/Speed/Thrash, Nevermore
Signori, quest'oggi facciamo un tuffo nella storia sconosciuta del metal: i Drakkar sono infatti una band belga formatasi nel lontano 1983 (avete letto bene), da non confondere peraltro con gli omonimi nostrani, che tra defezioni, ahimè decessi e scioglimenti vari, ha fatto uscire solo quattro album, di cui 'Diabolical Empathy' è la loro ultima release. Il sound che ritroviamo nelle 13 track qui contenute, oscilla tra power, speed ed un thrash alla Nevermore. Interessante l'intro "The Arrival" che ci proietta in un qualche mercato di una città qualunque dell'Africa equatoriale. Poi s'inizia a fare sul serio, con una batteria di brani, in cui l'elemento comune è un rifferama compatto e acuminato, una voce che ricorda in alcuni frangenti il buon Warrel Dane e degli assoli che mostrano tutta la caratura tecnica del quintetto belga. Fantastico a tal senso il lavoro della speed track, "Rose Hall's Great House" e di quella fuga della sei corde nel suo fantastico epilogo. Più rilassata e meno convincente "Stigmata", anche se poi quando la band si lancia negli assoli, le due asce formate da Pat Thayse e Richard Tiborcz, fanno gridare al miracolo. "The Witches Dance" ha un che di fortemente folklorico nelle sua linea melodica, mentre il riffing è marcatamente power, accompagnato poi da quei chorus in stile teutonico, per soli amanti del genere, sia chiaro. "Plague or Cholera" è un bel pezzone thrash metal che mi ha ricordato i nostrani Aneurysm, in un altro mio personale tuffo nel passato. Un arpeggio apre la ballad "Stay With Me", in cui compare la voce di una guest femminile, Julie Colin degli Ethernity, altra compagine power belga. Il disco prosegue lungo i medesimi binari anche nelle rimanenti tracce, avvicinandosi qua e là ad altre band che han fatto la storia del metal, su tutte mi viene da pensare ai Metallica degli esordi e ai Virgin Steele. Ultima curiosità sull'album: si tratta di un concept cd che collega ogni traccia ad un figura storica rilevante: la vita di Padre Pio a "Stigmata", 'La Divina Commedia' e Dante a "The Nine Circles of Hell", dove peraltro i nostri sfoggiano un altro assolo grandioso, Giovanni Tiepolo e il suo 'Il Sacrificio di Isacco' a "Plague or Cholera" e molti altri; il tutto non fa altro che aumentare la curiosità per i contenuti di un album, che certamente farà la gioia però per i soli appassionati del genere. (Francesco Scarci)

venerdì 20 ottobre 2017

Stone of a Bitch - S/t

#PER CHI AMA: Alternative Pop Rock
Dei Stone of a Bitch si trovano poche notizie sul web, sappiamo che è un duo francese e che questo è il loro primo album, sotto l'egida della sempre verde Dooweet Records. Dieci brani splendidi, prodotti assai bene con quel gusto e con quelle sonorità che fecero grande la musica alternativa degli anni '90, rinvigoriti in questo disco con nuovo smalto. Nasce così, tra una copertina che in maniera evidente non mi aiuta di certo ad identificarli musicalmente e una formula sonora centratissima, il mio amore per questo bellissimo lavoro. Tra un balzo musicale e l'altro, mi godo lo spassoso remix di alternative rock, punk, pop, elettronica e acoustic rock sparato dritto nei denti dal rumoroso duo transalpino. Nessun rimorso, a muso duro, perché i nostri due musicisti hanno le idee chiare, spiazzare l'ascoltatore con la bellezza di brani indie confezionati a regola d'arte, un miscuglio tra melodia e rumore, e con canzoni accessibili a tutti, mai banali e impossibili da disprezzare. Ecco che tornano alla mente le americane Sleater Kinney e i mai dimenticati post-hardcores Girls Against Boys, passando per il garage e l'indie scozzese dei The Delgados, i The Pastels e gli albori di Beck. A questo, aggiungete giusto un tocco di minimale elettronica per rendere il tutto più moderno, ad accompagnare una splendida voce femminile (Chris Go) disciolta tra urlati punk e sensualità alla Kim Deal delle The Breeders, tra chitarre noise rock (dove Lois D è autore di tutti i brani), atmosfere romantiche e trasversali, tra accenni di pianoforte e aperture stralunate, rumori, voci di fondo ("Wolves") che vanno a completare la tela. Prendete "TnBrS" e provate a non innamorarvene, ascoltate l'iniziale "That's a War" o l'hit da alta classifica "Caribbean Dive" che strizza l'occhio a Blondie e alle Bangles. Parlano di strane, contorte ed oscure storie della mente nei loro brani gli Stone of a Bitch e la musica le riflette con tutta l'energia del rock visto da mille angolazioni diverse. Un album che merita tantissimo, il cui ascolto è semplicemente obbligatorio! (Bob Stoner)

(Dooweet Records - 2017)
Voto: 80

giovedì 12 ottobre 2017

Disco-Nected - Vision/Division

#PER CHI AMA: Alternative Rock
Esce in questi giorni il secondo EP dei parigini Disco-Nected, 'Vision/Division' dopo il positivo 'Family Affair' uscito nel 2015. Il genere proposto dal power trio transalpino è piuttosto trasversale, riuscendo a convogliare nel proprio sound influenze derivanti da Foo Fighters, Pantera, Incubus, Kings Of Leon e Biffy Clyro, in una proposta certamente carica di grande energia. Lo si evince immediatamente col rifferama rabbioso ma stracolmo di groove di "Here to Stay", che accompagna la voce calda e ammiccante di Aziz Bentot in una song breve, melodica ed efficace quanto basta per catturare la mia attenzione. Nessuna invenzione particolare, zero orpelli stilistici, solo tanta voglia di divertire ed intrattenere i fan con melodie ficcanti, come accade nella seconda "Unity", traccia che strizza l'occhiolino anche ai System of a Down. Un riffone incazzato apre "Dead Inside", un'altra song da hit parade, che ha le qualità per intrattenere il pubblico con una ritmica più controllata e un cantato che per tecnica ricorda il frontman dei SOAD. Dicevo, non siamo al cospetto di chissà quale innovazione musicale, ma il dischetto si lascia ascoltare piacevolmente, complici anche tutti quei chorus che popolano l'EP. Ecco, avrei evitato la ballad della quarta traccia, "Waves and Lies", una palla da laccio emostatico al braccio che mi spinge a skippare all'ultima "The Wolf Returns", una song che mi spinge ad un headbanging sfrenato e che sancisce la conclusione di un lavoro che probabilmente non ha grandi aspettative se non far conoscere il proprio alternative rock ad un pubblico più vasto. Coraggio. (Francesco Scarci)

domenica 2 luglio 2017

Yugal – Chaos and Harmony

#PER CHI AMA: Thrash/Deathcore
Hanno cercato il salto di qualità necessario per farsi notare e ci sono riusciti. La band bretone degli Yugal, sotto le ali protettrici della Dooweet Records e dopo un paio di buoni EP, arriva finalmente al full length in ottima stato di forma, affilando le armi in maniera più che perfetta e aggiustando la mira sul sound ricercato. La scrittura dei brani non varia molto dai precedenti lavori ma qui s'intensificano le belle parti acustiche usate spesso per tagliare l'aria opprimente di un pesantissimo metal dai tratti moderni e di matrice thrash. Il risultato è un convincente miscuglio di chiaroscuri musicali, ben calibrato e progettato a dovere. Un ordigno sonoro carico e pronto ad esplodere, dove le capacità tecniche della band si sentono ma non si sporgono mai ad inutili manierismi virtuosi e dove l'equilibrio tra esotica, mistica, melodia etnica medioorientale e metal estremo è sempre dietro l'angolo, come in "From This Day I Will Rise" che potrebbe essere imparentata con i Sepultura di un tempo rivisitati da un'angolatura etnica diversa, oppure gli Orphaned Land rivisti in salsa e violenza che collima col thrash dei Testament. Il suono di 'Chaos and Harmony' si snoda nervoso e frastagliato lungo l'intero cd, pieno di cambi di direzione e atmosfere pesanti e violente, sfoggiando una batteria stellare e composizioni ricche di particolari venature in territori sonori tutti da scoprire. Dieci brani per qualcosa in più di una mezz'ora di musica compatta ed intelligente, per farci innamorare di una band matura e preparata. L'artwork suggestivo è degno di nota, cosi in perfetta sintonia con la musica della band. Alla conclusiva title track va poi tutta la mia ammirazione per gusto, sensibilità, potenza e aggressività. Yugal, una band sicuramente da tener d'occhio! L'ascolto consigliatissimo! (Bob Stoner)

sabato 13 maggio 2017

Cowards - Still

#PER CHI AMA: Black/Hardcore
Ottima uscita per i Cowards che si confermano una delle realtà hardcore metal più oscure e affascinanti del panorama francese. Solo 19 minuti in questo EP per puntare ad un infuso al veleno che contiene sfuriate hardcore, sludge, schegge di black metal alla Deathspell Omega e sentori malatissimi di rabbia e ribellione, racchiusi in un contenitore di tecnica e composizione visionaria estrema. La voce è una sciabola che semina fendenti ovunque, mentre la musica, tra rasoiate ed energia nera, sostiene un concetto di hardcore evoluto e dal sottoscritto anche assai ben voluto con punte di noise e colori black che si sposano a puntino, una sorta di maestoso Breach e Cursed sound estremizzato e riadattato come in uso ai giorni nostri. I primi tre brani, "Still (Paris Most Nothing)", "Let Go" e "Like Us" volano distruttivi e feroci sulle ali della velocità e del rumore più piacevole per lasciare posto a due rivisitazioni in stile puramente Cowards. La prima "You Belong to Me" dovrebbe essere la rivisitazione di "Every Breath You Take" dei Police e se qualcuno riesce ad individuarne qualcosa batta un colpo. La seconda, "One Night Any City" vorrebbe essere "One Night in NYC" dei The Horrorist ed anche qui vi sfido a riconoscerla perché per me potrebbe essere tranquillamente un fuori onda dei Killing Joke epoca 'Democracy'. Comunque ottime interpretazioni entrambe che si sommano egregiamente all'intero lavoro, mantenendolo costante ed omogeneo nel drammatico suono e nel drastico, splendido concetto musicale del combo transalpino, che dopo il buon full length del 2015, 'Rise to Infamy', ci delizia con una nuova uscita targata Dooweet, uscita sul finire del 2016. Copertina poi dall'artwork fantastico, una costante per i Cowards... Spettacolare! (Bob Stoner)

(Dooweet - 2016)
Voto: 85

https://cowardsparis.bandcamp.com/

martedì 21 febbraio 2017

Beyond Chronicles - Human Nation

#FOR FANS OF: Melodic Death Metal, Across the Burning Sky, Enchridrion
In existence since 2012, Paris-based Melodic Death Metallers Beyond Chronicles have steadily risen to the point of allowing their influences to take place in bringing out the groups’ finest official release yet following their continuous stretch of live dates to hone their skills. Built around short, stuttering rhythms and a crunchy mid-tempo attack, there’s a generally solid attack featured throughout here that makes the generally one-dimensional material come to life. With the infusion of swirling melodic rhythms throughout the vast majority of the tracks as well as the inclusion of a stellar dynamic mixing together the hoarse shouts with the clean crooning it all comes off with a fine light melodic touch that’s quite nicely in keeping with the general feel of the album. There’s little to be done, though, for how much of an impact the flaws have on this one as the material is quite light and one-dimensional which makes for a fine if much too familiar experience where the album really loses steam in second half. Still, for the most part the tracks themselves aren’t that bad. Following intro "Ground Zero," efforts like "Cold Vengeance," "Last Transmission" and "Powerless" feature plenty of enjoyable fiery rhythms and tight patterns to be solid highlight offerings, while slower mid-tempo elements like "Upon Them" and "The Best at Everything" all show up as the best of the rest. It’s certainly decent enough for the genre, but it does have its problems. (Don Anelli)

(Dooweet Records - 2016)
Score: 65

https://www.facebook.com/beyondchronicles

mercoledì 28 dicembre 2016

Lost Opera - Hidden Sides

#PER CHI AMA: Power/Prog, Kamelot, Epica
Sono diverse le influenze che si trovano all’interno di quest'ultimo lavoro dei Lost Opera, 'Hidden Sides': dal power basilare a qualche ritmica prog. Si ascoltano anche derivazioni da generi più ruvidi, in cui il front-man Loic Conti, sfoggia le sue growling vocals come accade nel brano più duro dell’album, “O.P.S.”, che diventa quasi un pezzo in puro stile death. Le sonorità che però emergono su tutte nel resto del disco, sono quelle melodiche "kamelotiane" come si sentono in “Betrayal”. Le parti orchestrali ben studiate di “The Inquisitor”, “So Wrong” o “The Sinner, potrebbero invece ben figurare negli intermezzi di un qualsiasi disco degli Epica. Le onnipresenti tastiere si muovono su orchestrazioni semplici, che appaiono tuttavia spesso troppo deboli, e non riescono pertanto a conferire una seria componente sinfonica ai pezzi, lasciandoli sospesi cosi, a mezza via. Questo accade anche nel singolo "Follow the Signs", seppur si tratti di un brano mica male. I suoni electro e le contaminazioni death non trovano la perfetta amalgama con l’impianto melodico del disco e alla fine la resa non è delle migliori. Sebbene questo secondo full-length della band normanna rappresenti comunque un notevole passo in avanti rispetto al precedente lavoro uscito nel 2011, che mostrava ancora acerbe sonorità, in realtà non riesce ancora veramente a convincermi. Ci sono delle buone premesse, ma c’è bisogno di lavorare ancora un po’ per imboccare la giusta via, che non sappia di “già sentito (un sacco di volte)”, anche se un ambiente quasi saturo come quello del melodic francese non sia di troppo aiuto. Le idee sono tante ma bisogna metterle in ordine, cercando di accantonare quelle troppo scontate. (Emanuele "Norum" Marchesoni)

(Dooweet Records - 2016)
Voto: 60

https://www.facebook.com/lostoperametal/

lunedì 26 dicembre 2016

Beneath a Godless Sky - S/t

#PER CHI AMA: Djent/Deathcore, Meshuggah, Tesseract
Quando rifletto su generi che si sono un po' persi per strada, mi viene da pensare al djent: un'esplosione incredibile, una crescita esponenziale e un'implosione altrettanto veloce. Tuttavia, a parte le solite tre-quattro band di grido, c'è ancora un sottobosco che sta germogliando. E quel mondo nascosto non poteva che essere in Francia, paese rigoglioso in fatto di trend musicali. Ecco da dove arrivano i Beneath a Godless Sky, autori di un EP omonimo di sei pezzi, sotto l'egida della Dooweet Records. Il genere ovviamente ci riporta al djent, sia per quel che concerne l'approccio poliritmico delle chitarre che scomoda inequivocabilmente nomi quali Meshuggah o Textures, che all'utilizzo di vocals più o meno pulite. La classica intro e poi è il tempo di "The Wall", che parafrasandone proprio il titolo, innalza un muro ritmico fatto di chitarre meshugghiane, voci ancestrali ed aperture progressive, il tutto condensando cascate di groove a non finire. "Divided", pur seguendo il medesimo pattern chitarristico, trova addirittura modo di impantanarsi in rallentamenti doomish, con le vocals del frontman sempre a cavallo tra il pulito e un growling mai troppo cattivo, tipico del genere. Continuano comunque le bordate sonore anche in "Broken Streets", con il classico rifferama tra Meshuggah e Tesseract, architetture chitarristiche ubriacanti ed aperture quasi space rock. "Fake Smile" prosegue sulla falsariga senza vere e proprie soluzioni alternative, e forse risiede proprio qui il rapido declino di questo stile: non bastano infatti i muri roboanti di chitarre se poi non si creano delle variazioni al tema. E quindi, sebbene fin qui l'EP non mi stesse dispiacendo, mi rendo conto che mi ritrovo alla quinta traccia con le orecchie già un po' sature di tali sonorità. E dire che i nostri sono ben preparati tecnicamente, hanno qualche buona idea, usano con oculatezza l'impianto tastieristico e il cantante ha una buona voce (eviterei però quel cantato quasi rappato che ad un certo punto si sente in "Faith + One"), ma evidentemente non basta. Dopo un po' infatti mi stufo e l'effetto è confermato anche in questo disco. Manca il sussulto, la trovata ad effetto, la divagazione ritmica, la genialata che faccia svoltare questo (e mille altri) dischi. Un EP quello dei Beneath a Godless Sky comunque piacevole, che necessita tuttavia di una maggiore ricercatezza, il rischio infatti è di scivolare nell'oblio totale. (Francesco Scarci)

(Dooweet Records - 2016)
Voto: 65

domenica 11 dicembre 2016

Wedingoth - Alone in the Crowd

#PER CHI AMA: Prog Rock/Gothic
Ciò che salta subito all’occhio quando si viene a contatto con questo disco, 'Alone in the Crowd', è sicuramente il suggestivo artwork, con i suoi colori sgargianti e i bei contrasti tonali. All’interno della cornice (su cui sono incise peraltro due date che non riesco ad interpretare, 1945-2012) viene rappresentato uno scorcio su di una scogliera da cui emerge un faro, che si eleva isolato in lontananza. La pittoresca veduta sembra scaturire dalla violenta tempesta che inghiotte una metà del dipinto con la sua oscurità. Pare sia proprio questa tenebra ad essere raffigurata dai francesi Wedingoth nella prima parte del loro terzo lavoro, i cui brani presentano delle liriche a tematica appunto “decadente”, in stile gothic, con uno sprazzo luminoso sul finale, in cui si assiste ad una sorta di salvazione dalla rovina iniziale. L’album, cosi come tutto il progetto Wedingoth, è opera del mastermind Steve Segarra, ufficialmente chitarrista, ma che in realtà si occupa anche della composizione di tutti i pezzi, suonando anche tutte le parti di tastiere (non poche tra l’altro) presenti nel cd. È innegabile dunque che di lavoro dietro ce ne stia parecchio, e che idee e impegno di certo non manchino al musicista transalpino, questo va riconosciuto. Il risultato che si avverte però in questo full-length lascia un po' perplessi. Attorno alla emotiva femminilità delle vocals, si articola la struttura sonora dell’ensemble di Lione, che suona un prog molto melodico e ricamato, evitando sonorità più potenti e prediligendo una certa pulizia e leggerezza. Questa trova la sua massima realizzazione nel brano "Sing The Pain", quasi completamente acustico, molto pop-eggiante, insomma, non troppo piacevole per come messa in pratica. Si avverte qualche leggero sprazzo progressive nelle tempistiche spesso articolate dei brani e qualche sonorità che in certi momenti richiama i gods Dream Theater (senza però poter osare nessun tipo di paragone), per esempio nella prima parte dell’ultima traccia “Alone in the Crowd pt.2”. Per il resto, il disco non è riuscito ad attirare particolarmente la mia attenzione, a causa di un eccessivo "piattume" di fondo: mancano infatti quegli spunti che lo renderebbero godibile ed interessante. Da apprezzare comunque il gran lavoro di Segarra, per cui sono sicuro che, trovando la giusta formula per i suoi Wedingoth, potrà realizzare presto qualcosa degno di nota. Mezzo punto in più per la grafica! (Emanuele Norum Marchesoni)

(Dooweet Records - 2016)
Voto: 65

https://www.facebook.com/Wedingoth/

domenica 4 dicembre 2016

H-One - Cygne II

#FOR FANS OF: Hardcore/Modern Metal, Gojira, Soulfly
Active for nearly a decade, French metallers H-One came together from brothers Adrian and Alan who quickly rounded out their numbers into a full line-up that plays a rather energetic and engaging modern metal attack. This is mostly apparent in the rather straightforward riff-work present which adopts a typically hardcore-influenced series of chugging rhythms without as many breakdowns while offsetting that with progressive swirling patterns to get things quite hard-hitting and full of noodling riffing that makes for a nice burst of modern metal throughout here. Though it’s quite apparent here that the straightforward nature of the material here doesn’t really create much of an impression here as the band tends to mostly utilize a simplistic series of chugging rhythms that aren’t in the slightest bit employing any variety or dynamic riffing in their attack, making this a mostly hollow burst of music that doesn’t really go anywhere beyond being simply angry and heavy. Though that’s the case the music when it’s on the better end of their spectrum does come off rather nicely. Intro ‘Salt War’ features tight, ravenous riffing and heavy chugging breakdowns with plenty of furious rhythms and blasting tempos carrying on through the sprawling patterns that carry on for a strong opening. ‘Home’ takes jangly rhythms and stuttering riff-work into a series of plodding chug-patterns swirling through lame noodling patterns that wandering around aimlessly throughout the finale which makes for a wholly bland and lifeless offering. ‘Pray for My Name’ moves through somewhat livelier plodding chug-rhythms and bursts of tight, energetic drumming that makes for a rather nice contrast to the barreling drumming and tight lock-step riffing blasting into the later half for an effective highlight. ‘Mother’ uses stronger churning riff-work and plenty of thumping patterns to offer a slight series of trinkling patterns to the charging groove-laced chugging carrying on through the final half for a decent enough offering. ‘Headcharger’ features bouncy swirling chugging riff-work and a bouncy mid-tempo pace with light thumping rhythms along through the plodding sprawl-like rhythms keeping this one charging along into the plodding finale for a decent enough track. The instrumental ‘Moved Reasons’ serves as a decent album-break for ‘Black Cloud’ which features plenty of stylish chugging and trinkling patterns mixed along the tight, swirling breakdowns flowing throughout the final half with the chugging intermingled alongside for a highly enjoyable effort. Lastly, album-closer ‘Final Track’ contains tight chugging rhythms alongside sprawling loops of swirling melodic tones and plenty of straightforward rhythms before leading into silence with an acoustic track leading into the end which makes for a fine if decent enough lasting impression. That, in the end, is the overall feel of the album as a whole. (Don Anelli)

(Dooweet Records - 2016)
Score: 65

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venerdì 15 luglio 2016

Mallory - Sonora R.F. Part 1

#PER CHI AMA: Rock/Grunge/Blues
Avevamo lasciato i Mallory a marzo dello scorso anno, quando il quartetto parigino ci aveva fatto pervenire il precedente lavoro '2'. Oggi abbiamo tra le mani il nuovo 'Sonora R.F. Part 1' e devo dire che è già qualche settimana che gira in loop nella mia auto, il posto migliore per godere appieno dei Mallory e della loro musica on the road. La band era matura allora e un altro passo in avanti è stato fatto con quest'album, mantenendo quel loro mix personale di rock, grunge e blues. Ad un primo ascolto, le atmosfere sembrano essersi incupite ulteriormente, in realtà molte tracce hanno un'alta capacità introspettiva, unita ad una malinconica dose di rabbia, come in "On The Shelf". Dopo un'intro parlata in castigliano, le chitarre si sporcano di polvere, la ritmica lenta tiene le redini, ma non cela perfettamente quella collera mascherata da tristezza ed accidia. Una ballata grunge come non si sentiva da anni, interpretata perfettamente dal vocalist, a cui dobbiamo riconoscere una timbrica pressoché perfetta. In "Zero" scatta qualcosa nei Mallory che ora cantano in francese, mentre le melodie di basso e chitarra si fanno nervose grazie alla batteria che scandisce accenti come un profeta inascoltato. Il crescendo non si fa attendere, ottima l'esplosione che non necessita di distorsioni estreme e si affida ad un unisono di suoni ed esecuzione. La scelta della lingua francese potrebbe rivelarsi rischiosa, tuttavia è stato fatto un ottimo studio delle metriche che qui calzano a pennello. Rimane solo il dubbio che il testo non sia uscito così spontaneamente, comunque onore ai Mallory. In "Shu", l'influenza dei vecchi Pearl Jam si fa sentire, ma la band riesce a tirar fuori qualcosa di buono da un semplice classico giro armonico. Consapevoli di ciò, il quartetto ha finito egregiamente i compiti per casa in termini di suoni (difficile non riconoscere la timbrica del single-coil della Fender) accostata ad un'interpretazione che esprime al meglio lo struggimento di una generazione che va per i quaranta ma si sente ancora tradita da una società in cui non si rispecchia. Anche "Silex" segue il medesimo filone e si incastra perfettamente nelle note di questo 'Sonora R.F. Part 1' che probabilmente è stato pensato e suonato nell'ottica di un concept album. I suoni ruvidi ma curati di chitarra si abbinano perfettamente alla timbrica vellutata del basso, a creare un ipotetico amplesso sessuale coronato dalla voce sempre graffiante del frontman con le ritmiche che si rivelano semplici e variopinte. Il gran equilibrio dei Mallory sta nel regalare un'accelerazione nel momento giusto in cui la si desidera, lo stesso vale quando i nostri decidono di abbassare i toni per dare maggior risalto al cantato o alle melodie intimistiche, che svolgono un ruolo importante nel tessuto sonoro dell'act transalpino. Un gran bell'album, forse non una vera evoluzione verso un obiettivo ben definito, ma un'altra tappa sulla loro personale mappa che ha bordi sfuocati come quelli di una vecchia foto. A dimostrazione che abbia più importanza il viaggio che la meta, siamo felici di seguire i Mallory e portare la loro bella colonna sonora nella nostra vita di tutti i giorni. Che tu abbia venti, quaranta o sessant'anni... (Michele Montanari)

sabato 28 maggio 2016

Scolopendra - Cycles

#FOR FANS OF: Death/Thrash, Legion of the Dead, Slaughterra
After several years between releases, French thrash/death metal group Scolopendra finally unleashes their debut offering, and manages to contain enough quality points to be a viable entry in the style moving forward. Basically making the whole affair a tight, crunchy thrash attack with the scattered deathly riff-work and vocals, this here is a lively affair full of dynamic rhythm changes and wholesale tempo shifts. The riffing here is capable of deftly maneuvering through these shifts with great ease, either at a generous mid-tempo gallop littered with steady, simple drumming, swirling thrash rhythms rattling along at a fine heavy charge or just bursting into full-throttle paces that explode with tight energy and frantic rhythms that allow their death metal roots the most opportunity to shine nicely here. Those are where the band really gets quite a lot of mileage out of this one, and showcase the most promise overall with their style generating it’s best work overall, though the fact that it gets quite so many chances is another story here since there’s a few too many tracks featured which manage to come off a little too bloated despite a shorter running time than expected here due to the shorter tracks on the second half which really comes into making this one quite so troubling. Beyond this though, there’s not a whole lot really working against it as the tracks here come off rather nicely. Instrumental intro ‘Dream Sequences’ takes a series of industrial noise riffing droning on into proper first track ‘Purity’ as the tight, crunchy riff-work and thrashy drumming work through a series of intense patterns with the razor-wire riffing working nicely alongside the furious drumming as the mid-section delves into a series of meandering melodic rhythms that charges back into the frantic blasting in the final half for a strong opener. ‘Awake Nightmare’ gradually works from light trinkling riffing that turns into a strong series of raging rhythms fueled by more frantic, full-throttled riff-work and pounding drumming that keeps building into the rather loose, bouncy rhythms rattling along through the finale for another rather strong and enjoyable effort. ‘Spartan Killer Instinct’ features tight, crunchy mid-tempo riff-work that explodes into utterly frantic and blasting patterns with plenty of charging up-tempo riffing bringing along the intense swirling riffing along throughout the solo section and bringing the stuttering, crunchy rhythms thrashing into the final half for an enjoyable and dynamic highlight. ‘Morbid Psychosis’ is another industrial noise collage offering a lead-in for next track ‘Mental Torture’ features swirling droning riff-work with plenty of plodding rhythms that carry on at a straightforward, simplistic chugging series of rhythms with hard-hitting-yet-simple drumming that picks up some energetic patterns driving along into the frantic final half for a decent enough if overall bland offering. ‘Psychic Paralysis’ features ravenous razor-wire riffing and plenty of blasting up-tempo drumming that settles on a frantic, up-tempo pace with a series of tight chugging riff-work alongside the more thunderous and savage pounding drumming that works through the tight finale for another rather blistering highlight. ‘End of Tunnels’ uses the sampled speech and chaotic noise to lead into next track ‘Pinhole of Diffraction’ as the savage swirling riffwork and pounding drumming burst through the chaotic opening before settling on a bouncy, mid-tempo paces with stuttering rhythms and pounding drumming that soon builds to a frantic finale for another strong effort. Bleeding through into follow-up ‘Pinhole of Diffraction (Part 2)’ with swirling stuttering rhythms with savage drumming taking the furious paces and tight riff-work alongside the savage, unrelenting drum-work that thumps along to rather enjoyable, bouncy patterns that work throughout the enjoyable finale for another rather enjoyable effort. ‘Psychotic Mass Murderer’ gradually fades into a thumping mid-tempo chug with plodding drumming and tight, stylish riffing with a light, sluggish rhythm holding loose swirling riffing into a mindless repetitive series of riffing throughout the final half for an overlong, unneeded and overall bland offering that doesn’t really belong here. Finally, album-closer ‘Soul Dissolution’ features distorted industrial noises and squealing effects driving into the classical piano notes alongside the deep droning sounds leading into the finale for another dull offering that really leaves this on a doubly bad impression. Still, there’s a lot more to like here that makes this enjoyable enough. (Don Anelli)

(Dooweet Records - 2016)
Score: 80

venerdì 25 marzo 2016

Evenline - Dear Morpheus

#PER CHI AMA: Alternative/Nu Metal, System of a Down, Alter Bridge
L’invocazione all’onirico è chiara nel nome del disco ma in realtà, oltre ai sogni, gli Evenline hanno una forte componente emozionale che è descritta in modo lucido, teatrale ed espressivo. La formazione parigina è composta da quattro elementi, voce chitarra basso e batteria, in attività dal 2009 e con alle spalle l’autoprodotto EP del 2010, 'The Coming of Life'. 'Dear Morpheus' esce nel 2014 ma quello che ascoltiamo oggi è la versione Deluxe che presenta, oltre ad un cd aggiuntivo, una copertina nera con un simbolo simmetrico dal sapore vagamente esoterico, che alla vista risulta elegante ed essenziale. La stessa cosa non si può dire a proposito della cover originale nella quale vi era un richiamo alla stanza, del film Matrix, ove Morpheus offre a Neo la scelta tra rimanere addormentato e venir catapultato in una realtà che molto probabilmente non sarà di suo gusto. Ora se il riferimento è effettivamente al film, è un buono spunto per chiedersi che pillola sceglieremo noi se ci venisse offerta la cover originale che somiglia piuttosto allo studio di un telegiornale. Ma ora è il momento di affidarsi totalmente al tasto play e lasciar andare i sensi. La musica inizia con il suono di un carosello antico, riesco quasi a vedere la ballerina giocattolo senza un occhio e con la gonna mezza staccata che gira mestamente. D'un tratto un assalto crossover mi risveglia dal sogno e mi trasporta all’esasperato e toccante ritornello di “Misunderstood”. A sentire le chitarre mi vengono in mente i Korn e i System of a Down, suoni propri del nu metal che contrastano in modo piacevole con le linee vocali di Arnaud, anche se spesso le melodie si avvicinano più alle linee degli Alter Bridge e Staind. Da sentire almeno una volta è la title track dove Arnaud dà prova della malinconica e decadente espressività della sue linee vocali. L’apice del brano tuttavia è raggiunto nella disperata invocazione di un qualcosa che sia in grado di liberare l’anima dal dolore, concretizzato nel verso “Purge my soul from this growing pain”. Questa breve parentesi tocca alte vette di piacere, una mitragliata di fango, liberatoria come nessun'altra nel disco. Il brano fa riferimenti alla natura e in particolare all'acqua ma anche ai ricordi, si percepisce un’aria di melanconia cupa e romantica, forse il sentimento che ha dato origine e che più è descritto in 'Dear Morpheus'. I testi sono una parte importante dell'opera che denota una forte predisposizione al cantautorato, con la voce chiara e molto presente per l'intera lunghezza del disco. Le immagini che le parole ci regalano sono eterogenee e non sempre collegate tra loro. A volte si sente che la lingua utilizzata nel cd non corrisponde a quella con cui sono stati pensati i testi: lo si può intuire dalla sintassi e dalla pronuncia che, seppur molto buona, lascia trasparire la bandiera dei quattro musicisti transalpini. Veniamo ora al secondo cd di questa Deluxe Edition che reca il titolo 'In the Arms of Morpheus'. Si tratta di una raccolta di canzoni presenti nella versione studio ma qui suonate dal vivo in un set acustico. Il primo impatto è che i pezzi in questa dimensione trovino una forma che meglio si addice rispetto all’elettrica. I testi hanno modo di stendersi e rendere le immagini in essi contenute più libere di prendere forma nella mente dell’ascoltatore. In particolare la versione acustica di “Hard to Breathe” è quasi più riuscita della versione elettrica: si tratta di un blues diabolico con un ritornello cristallino e lucente, trademark a cui gli Evenline ci hanno abituato. Nel set acustico, anche il basso suonato in slap e la batteria leggermente più tappata rispetto all’elettrico, riescono a sostenere i pezzi in modo da conservare quella spinta rock che li ha generati, ma allo stesso tempo non vanno a invadere i testi e le melodie; qui l’equilibrio viene sicuramente raggiunto. La chiusura del disco è affidata a “Already Gone”, voce e piano, un commiato da accendino acceso, lacrime e cuore infranto. Pare che qualcuno sia stato lasciato e che non riesca ad accettare la vita senza la sua metà. Triste si, ma non mi faccio troppo coinvolgere dalla malinconia, sono sicuro che grazie a questo pezzo Arnaud non avrà nessun problema a trovare un'altra ragazza! (Matteo Baldi)

(Dooweet - 2015)
Voto: 75

domenica 12 luglio 2015

Pavillon Rouge - Legio Axis Ka

#PER CHI AMA: Black/EBM/Industrial, Blutengel, Suicide Commando, Aborym
Che la violenza regni sovrana: deve esser stato il motto dei francesi Pavillon Rouge quando hanno concepito questo nuovo, secondo capitolo, della loro discografia, intitolato 'Legio Axis Ka'. Nove sorprendenti tracce che si dimenano nell'ambito di un furente black industriale danzereccio. Certo, stride un po' scritto cosi, ma il quartetto di Grenoble ci attacca con un black efferato che trova nella programmazione del drumming il punto di contatto con la musica techno-industriale. Quel che è certo è che da quando "Prisme Vers l'Odysée" farà il suo ingresso nel vostro stereo sino al termine del disco, non troverete alcuna sosta nell'arrembante proposta dei nostri. Verrete infatti investiti da blast beats sintetici, da vocals ostili, da ipertrofiche velocità ritmiche e da splendide melodie di una band dalla forte attitudine industriale miscelata alla perfezione con l'iconoclastia del black. "L'Enfer Se Souvient, l'Enfer Sait", sebbene l'inizio dotato di una ritmica marziale, esplode nella rabbia distruttiva di un suono che potrebbe richiamare gli Aborym più elettronici, i Plasma Pool e i Mysticum. Un coro che sembra inneggiare al Sole apre "Mars Stella Patria", pezzo più controllato, quasi rock se solo non avesse l'immancabile componente elettronica in sottofondo e se nella sua seconda metà non invadesse nuovamente territori della dance music e dell'EBM. "A l'Univers" è il tipico pezzo che si potrebbe ballare in una discoteca hardcore con i beat che vanno a ritmi infernali, ed enfatizzano la veemenza della proposta di questi pazzi scalmanati. Se avete un'idea del sound di Suicide Commando ed Hocico, traslati in veste black, potrete intuire di che cosa stia parlando. "Aurore et Nemesis" è un pezzo oscuro che mi ha evocato nella mente i Samael della loro svolta elettronica, un brano dotato di un refrain accattivante che ho semplicemente adorato e che lo pone in cima alle mie preferenze di questo 'Legio Axis Ka'. Si torna ai beat discotecari "tuz tuz tuz" con "Droge Macht Frei", anche se poi un ottimo assolo rock distoglie la mia attenzione dalla disco dance incorporata nelle violente partiture industriali. "Kosmos Ethikos" (strumentale) e "Notre Paradis" sono un paio di pezzi interlocutori, accattivanti, ma piuttosto brevi che preparano piuttosto alla conclusiva "Kluz Santur", l'ultima efferatezza sonora di questo interessantissimo 'Legio Axis Ka'. (Francesco Scarci)

(Dooweet Records - 2015)
Voto: 75

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