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venerdì 20 giugno 2014

Blastasfuk - Super Fun Happy Slide

#FOR FANS OF: Grind, Nasum, early Napalm Death
The second release from this Australian act, this is a rather typical output and really serves to be appealing for the hardcore fans of the genre. As is typical of the kind of music usually produced here, it’s a blinding wall of noise that rips through intense, chaotic patterns that usually recall the early hardcore punk scene in terms of sheer chaotic energy and random guitar wailing is being undertaken. Still, the focus on the Death Metal roots here in terms of the rhythm section and how dexterous the rhythms become allows this one to stay more in tune with the truer side of Grindcore than most other types of bands like this, as there’s a rather more profound attempt at incorporating blastbeats and guttural Death Metal growls into the music that are a part of the general Grindcore scene. In this sense, the band certainly sets out on notable paths accomplishing this feat pretty well, but there are several problems with the album. The DIY approach to the production leaves the whole thing sounding way too thin and under-produced in comparison to more traditional Grind acts, making it plainly obvious in regards to the drumming that this is an amateur effort by clattering away on what sounds like a homemade drum-kit instead of professional-sounding equipment. There’s no power or punch in the blastbeats, which should be the most extreme part of the whole album but come nowhere close to the devastation wrought by upper-echelon bands. The repeated samples that have nothing to do with the track as a whole is another big issue, making them seem distracting rather than integral to the song as a whole, and the croaking-frog like vocals that repeatedly show up here are nothing more than a general embarrassment that it made it to tape and thought it sounded good. That just leaves the fact that the whole album is barely a half-hour with none of the tracks reaching a minute and half and having so many on here to begin with that it really could’ve gone through longer stretches of extending the songs since hardly any of them stand-out at all and don’t leave much of an impression at this excessively short length. This one really could’ve been given the time and space to stretch itself out instead of just constantly blaring through the indecipherable patterns through the awful production and then a minute later you’re stuck on another track and you can’t tell where you’ve been as the whole thing is so scattershot and disorganized that it leaves the feeling of bewilderment rather than out-and-out pummeling. As for Grindcore fans in general, this is good stuff and plays into the scene quite well with all these points about the genre proving the there’s still quality old-school Grindcore still being made, and should therefore add onto the total score below. That’s mainly for the more mainstream metal fans to follow. (Don Anelli)

(Lesstalk Records - 2014)
Score: 40

Mechanigod - Realms

#PER CHI AMA: Death/Thrash/Alternative, Meshuggah, Tool
Sbang!! Una sonora botta in pieno viso: ecco le prime parole che mi vengono in mente parlando di questo full lenght, prodotto dagli Israeliani Mechanigod. Forte di una produzione davvero impeccabile, frutto del lavoro di Daniel Strosberg ai KEOSS studios di Tel Aviv e di un mastering in pieno stile scandinavo di Jens Bogren in quel di Orebro, Svezia, 'Realms' si presenta in tutto il suo splendore. Davvero difficile far di meglio, per una band semisconosciuta; sicuramente d'impatto le note qui prodotte vanno, senza dubbio, sparate al maggior volume possibile. Sfido qualsiasi combo, anche ben più blasonato, ad aprire le danze con la magnificenza di “I Shall Remain” indiscussa perla del lotto proposto. Dopo un brevissimo intro, la sopracitata ci scarica addosso una tale quantità di potenza da restarne storditi e piacevolmente sorpresi; cosi come è successo al sottoscritto. Si continua con la maestosità di “The Serpent's Greed”, a tratti quasi progressive, in altri punti degna dei migliori Machine Head, anche se l'ombra dei Meshuggah resta sempre in agguato per tutti i 53 minuti del lavoro. Rimango senza parole. Sbalordito. Stiamo sfiorando vette che potrebbero far parte di un album capolavoro; l'intro di “SilverHaze” mi ha subito rimandato ai Tool di 'Lateralus', quando scopro uno strumentale che mi riporta in pieno ai Metallica di 'Master Of Puppets' del mai troppo lodato Cliff Burton (ascoltare le linee di basso per credere...). Come avrete capito, la varietà compositiva è una qualità che ai Mechanigod non manca di certo, così come l'abilità tecnica; col passare dei pezzi ci si rende infatti conto della qualità “totale” di questa fatica, con chitarre che poche volte hanno reso così bene l'idea di ciò che vuol dire suonare metal “moderno”. Qui dentro c'è quello che io intendo "suonare metal nel 2014", con una certa dose di paraculaggine verso il passato ma con i piedi ben piantati al giorno d'oggi; ma alla fine non si può creare un disco come 'Realms' senza essere molto, ma molto bravi. Un disco che, dopo un paio di ascolti, è già talmente entrato nel cuore di chi lo ascolta da non poterne fare a meno per diverse settimane (l'ho ascoltato ovunque...), non può che meritare la palma di miglior release da mesi a questa parte; non voglio dimenticare di citare altri pezzi assolutamente sugli scudi, quali “Mirror's Aspect” e la finale “Silent State of Mind” che sembra ancor di più omaggiare quei gran bravi ragazzi dei Tool, degno finale per un disco di questo livello. Caldamente consigliato a chi sta cercando dal metal qualcosa che non sia per forza rumore incomprensibile, a chi cerca quei gran bei chitarroni grassi, o a chi cerca riff che non siano un'inutile alternanza di plettrate su due corde, sempre quelle. Anche per chi cerca nel metal, un po' di poesia. Un disco che merita un voto altissimo; un disco che merita rispetto e un occhio di riguardo da chi ama questo “nostro”, stupendo, genere musicale. Da avere. (Claudio Catena)

(Self - 2013)
Voto: 90

giovedì 19 giugno 2014

Ea – A Etilla

#PER CHI AMA: Funeral doom, Ahab, Monolithe
È con estremo piacere che mi cimento nella recensione di questa quinta fatica in studio degli Ea. Al solito, per chi già li conosce (altrimenti mi permetto di farlo presente a coloro che ignorano l’esistenza di questa creatura oscura), i ragazzi non lasciano trapelare nulla che vada appena al di fuori delle note registrate in questo disco. Gli Ea (ma per quanto ne sappiamo potrebbero essere pure una one man band, chissà…) negli anni ci hanno abituati ad un suono votato alla terra, possibilmente adombrata e, tutt’al più, appena rischiarata da sfuggevoli raggi di luce crepuscolare. Criptici (dicono di provenire dalla Russia, sempre ammesso che questo corrisponda al vero), adornano le loro composizioni con sintetici testi scritti in un misterioso idioma antico, ricavato e ricomposto sulla scorta di studi archeologici, ed anche a tal proposito qualche dubbio può lecitamente sorgere. Quale che sia lo scopo ultimo di tutto questo mistero, di assolutamente pacifico e, per una volta, ben illuminato dalla luce del sole c’è un talento non comune emerso sin dal primo lavoro e maturato album dopo album. Notevole la capacità della band di affrontare (trionfalmente) il ben difficile salto da una struttura basata su lunghe ma separate composizioni ad un’unica suite, e questo è il secondo monolite che i Nostri partoriscono, segno di una ormai confidenza raggiunta in tal senso. Ci troviamo di fronte, per lo meno per chi scrive, al loro miglior lavoro ed, in ogni caso, a quanto di più accessibile faccia parte della loro discografia (il che è tutto dire!). Ciò che di ostico poteva essere ritrovato nei precedenti capitoli qui è stato adeguatamente smussato e levigato, senza perdere una virgola di quegli elementi di solennità ed epicità sonora che ne rappresentano senza dubbio il marchio di fabbrica. Il songwriting maturo ci dà in pasto un unicum scevro di quei momenti (per fortuna pochi) a volte vuoti, o lungaggini, che potevano essere riconosciuti specialmente nei lavori d’esordio. Di pregio l’utilizzo più marcato e convinto della doppia cassa, portando il disco a muoversi su granitiche ritmiche capaci di accelerazioni ed improvvisi rallentamenti, continuando quanto intrapreso già nel precedente album. Il riffing delle chitarre non ha subito grandi variazioni rispetto al passato, sempre portante nell’intrecciare la struttura di ogni singolo passaggio; immancabile il tappeto melodico-onirico delle tastiere a fare da supporto, nonostante un’evidente ridimensionamento dato a questo strumento rispetto agli esordi, il che non è affatto un demerito. Qua e la fa capolino l’onesto growling del vocalist, sicuramente non il migliore in circolazione, ma ben oltre la sufficienza. Solo un rapido accenno al finale, molto diverso dal loro solito in quanto quasi “tronco” rispetto alle abitudinali lunghe scie tastieristiche. Ma al di la degli aspetti tecnici, ciò che conta nell'intraprendere l’ascolto di un qualunque disco degli Ea è l’atmosfera che sono in grado di creare, capace di trasportarci in un mondo buio e meraviglioso ma non terrificante, lento ma non opprimente, epico ma non vagheggiante e dove la sensazione di smarrimento non si connota negativamente, perché alla fine si ritrova la strada di casa quasi d’improvviso. Gli Ea sono una realtà nel panorama funeral doom che ormai non si può più ignorare… se mai decideranno di mostrarsi, saranno accolti e acclamati a gran voce dal popolo delle odissee musicali. Sicuro. (Filippo Zanotti)

(Solitude Productions - 2014)
Voto: 85

lunedì 16 giugno 2014

Abstraction - End of Hope

#PER CHI AMA: Power Progressive, Dream Theater, Evergrey
Uno scenario post-apocalittico si delinea innanzi allo sguardo. In copertina sembrano rimaste solo le vestigia di un mondo distrutto e abbandonato dall'umanità. Uomo capace sia di questo che di creare un simbolico album, come gli Abstraction han saputo fare con il loro eloquente 'End of Hope'. Il singolo "Wolf" mette a confronto l'uomo con la bestia, la quale è molto meno crudele con i suoi simili di quanto esso non lo sia con i propri. Una città corrotta in cui l'uomo divora l'uomo con la voracità di un lupo, una foresta nella quale la bestia accoglie l'umano che sappia ascoltare il suo libero canto. La chitarra acustica di Kiril Yanev si fa portavoce del tema di una canzone tradizionale bulgara, mentre la leggenda narrata sembra scaturire da antiche storie mai obliate. Una breve sinfonia orchestrale introduce questo pezzo, che si distacca molto stilisticamente dal resto dell'album, richiamando alla mente band quali gli ultimi Wintersun e Blind Guardian. Ma resta un'impressione superficiale, dato che il sound appare più pulito e asciutto e l'organico più minimale, innestando di fatto la band in un genere che sta a metà strada tra il power e il progressive metal. Il pezzo ruota attorno al tema esposto dalla voce narrante di Mladen Medarov nelle sezioni acustiche, contrapposto ai fraseggi di chitarra elettrica di Pavel Serafimov armonizzati dall'altra di Danail Karjilov nelle sezioni strumentali. Interessante è il gioco contrappuntistico tra flauto e cembalo sul tema acustico. A metà brano un coro interpreta la parte del branco di lupi sulla base a marcia già esposta nella strofa precedente, prima dell'arrivo di un virtuosistico assolo di chitarra che anticipa la ripresa, terminante a sua volta con un finale strumentale dalla ritmica serrata e delle code. Allo scattare del secondo brano l'ascoltatore è catapultato negli anni ottanta, con un incipit che sembra un tributo alla celebre "Two Minutes to Midnight" dei Maiden. "Wondering" si presenta come un pezzo dal testo contemplativo, nel quale è manifesta solo in seguito l'amarezza lasciata da un incolmabile vuoto. Una celata rabbia non sfogata ma interpretata dalla musica con una struttura a blocchi e poi triplette nei chorus con tastiere nello sfondo e una sezione di cori nella parte centrale e finale che rappresenta, a causa dell'incerta intonazione, il vero neo del pezzo. Un brano che a tratti ricorda i Bon Jovi degli esordi, in particolare nelle vocals, nel quale viene inserita una sezione strumentale prog che riprende temi ritmici caratterizzanti lo stile dei Dream Theater, complici però un forzato connubio di stili, un cantato non abbastanza sostenuto ed esplosivo e un songwriting non in linea con le atmosfere musicali, si tratta di un capitolo dell'album poco riuscito. La scacchiera è pronta, le pedine di "The Game" cominciano a muoversi. Le prime a spostarsi sono tre e corrispondono ad altrettante stanze nelle lyrics, le quali esplorano sia il punto di vista dei vincitori che dei vinti, nell'eterna lotta tra chi ha potere e chi non ce l'ha. La terza stanza è un chorus, nel quale è interessante lo scambio tra la voce e un contrastante cembalo synth. Questa struttura ripetuta due volte cede il posto, dopo un intermezzo di cembalo, a uno strumentale che ha molti punti in comune con le sonorità e le ritmiche degli Iron ma strizza l'occhio anche al prog nell'uso di controtempi e poliritmie. Il pezzo si chiude dopo un significativo "GAME OVER" che riporta trama e musica all'inevitabile fato. "The Last Man On Earth" è forse una delle immagini più belle ed evocative dell'opera. E proprio di opera metal si tratta, l'intro riporta potenti alla mente le suggestioni dei Rhapsody of Fire. Chitarra acustica e flauto precedono un coro, questa volta dal sapore epico. I neoclassici fraseggi di chitarra solista strizzano l'occhio a Luca Turilli. Le vocals molto dirette e ruvide qui non disturbano perché ogni riff e ogni sezione strumentale risulta perfettamente incastonata, per un pezzo che sicuramente brilla in quest'album come un gioiello. Samples tratte dalla serie tv 'Kingdom Hospital' dialogano attivamente con la musica in questo strumentale "Piece of Life". Non è necessario dilungarsi sulle prime sperimentazione in tal senso da parte di mostri sacri come i Pink Floyd, nei quali musica e suoni diventavano un tutt'uno; precisando che uno tra i primi brani a introdurre registrazioni vocali parlate e attive nella musica fu "Space-Dye Vest" (Dream Theater, Awake, 1994). "Shattered Pieces" incarna appieno nelle tematiche il concetto espresso dal titolo dell'album. Difficile non pensare a band quali gli Evergrey ascoltandone le idee musicali, dove ad atmosferiche linee di piano e archi son contrapposti potenti e decisi blocchi ritmici. E così i pezzi del puzzle che compongono i sogni vengono sparpagliati a ogni scarica strumentale e la voce si fa portante nell'esporre questa rassegnazione, in modo talvolta troppo monocorde. Ottima la sezione solistica di chitarra centrale che anticipa un parlato accompagnato dal piano, punto di luce che trafigge i nembi di un brano vagamente monodico. Le lyrics di "The Righteous Path" abbandonano sentieri piani e sgombri per seguire vie più anguste e simboliche, cosa che finora mancava nel songwriting dalla band, in cui la bellezza delle tematiche veniva troppo spesso impoverita da un'espressione troppo diretta e prevedibile. Inaspettato è il pizzicato introduttivo e il ritmo ad accentuazione irregolare che ne consegue, per uno dei pezzi più progressivi dell'opera e uno dei più caratterizzanti. Spiazzano i ritmi a singhiozzo di Antonio Velkov, essenziale e magistrale dietro le pelli della batteria da inizio a fine album. Stupisce il primo vero intervento solistico di Ivaylo Rashev al basso, che confeziona un intermezzo con imitazione a due voci alle estremità del campo uditivo e un giro ammaliante su una base calma e suadente che ricorda un suo gemello marchiato John Myung nella multiforme "Breaking All Illusions". Questi a loro volta racchiudono una parte vocale doppiata una una voce parlata distorta, che allarga il campo dei narratori del testo. Ma le sorprese non finiscono, alternati al riff tematico più volte esposto in modo ubriacante, vi sono un assolo di tastiera e un altro intermezzo dal sapore contrappuntistico e questo contrasto da equilibrio compositivo al tutto. Ora è il turno di uno dei capitoli concettualmente chiave del concept, "Requiem for a Dead Planet". Poche parole cariche di significato trasportano attraverso futuro e passato, attraverso una musica graffiante, introdotta da acustica e samples create con autentiche registrazioni della NASA. L'inizio è una grande rullata, che si fa portavoce dei singulti di un pianeta morente, le vocals sono dirette ma questa volta supportate da un coro di milioni di voci che l'atmosfera creata dalle tematiche fa credere di percepire, lamenti di esseri morenti. Mai più espressivo è stato un silenzio, quello strumentale, che lascia il posto nei suoi vuoti a una voce, carpita da trasmissioni radio distorte, dialogandovi attivamente. Questo e molto ancora in un brano che crea un alone lunare profetico, sublime come l'immagine sibillina della tragica sorte del mondo nelle ultime pagine de 'La Coscienza di Zeno'. Quando la narrazione musicale e tematica sembra arrivata al culmine della tensione ecco "Same Again", stelo d'erba accarezzato dal vento, affacciato a un precipizio. L'unica ballad dell'opera acquista ancor maggior forza, nel suo esser conclusiva e solitaria. La voce ruvida e diretta del vocalist acquista qui una commovente morbidezza e assieme alla prima traccia costituisce una delle prestazioni migliori di Medarov, che qui duetta con una bella base di piano pad firmata Serafimov, che si apre assieme alla sua voce ad armonie vaste e irraggiungibili da voce e piano presi singolarmente. Un testo d'amore, distanza e separazione, ispirato al film di Danny DeVito 'The War of the Roses' da cui sono estrapolati dialoghi a creare una samples che accompagna tutto il brano. Un episodio che fa pensare, perchè il contesto rende questo brano speciale e in un certo senso dal taglio inaspettato. Gli Abstraction hanno dimostrato in questo lavoro grande maturità compositiva, una non comune capacità strumentale e una sensibilità viva e lungimirante nelle tematiche. Davvero notevole il lavoro di mix e master, come la qualità della registrazione e la pulizia di esecuzione e sound nella parte strumentale. La sezione vocale si presenta spesso non all'altezza di quella strumentale, in intonazione e impatto d'insieme per quanto riguarda i cori; in sostegno ed espressione per quanto riguarda la solista, che suona spesso troppo di gola e poco agile nel muoversi nel suo registro. La band deve ancora trovare un proprio stile, in quanto le varie e variegate idee musicali risentono spesso di troppo manifeste influenze di altri gruppi. Ciò ha però reso possibile un album davvero ricco di idee e pure ben sviluppate. Anche il songwriting possiede questa varietà, tanto da dover precisare come impropria la definizione univoca di concept per quest'album. Simbolico ed evocativo è l'artwork firmato da Ivan Maslev. Non è un caso forse che il nome "Ninfa" che appare sulla nave riporti alla mente il mito greco di Dafne, trasformata in alloro per sfuggire alle lusinghe amorose del dio Apollo. E in albero è tramutata anche questa barca volante, attraccata a un molo fantasma al di sopra del volo dei gabbiani, tema che rimanda alla moderna arca di Noé di cui tratta "Requiem for a Dead Planet", la cui rotta è lo spazio, la conquista di nuove terre da consumare e l'inevitabile fine dell'umanità, fino a un ultimo e definitivo apocalisse. (Marco Pedrali)

(Self - 2014)
Voto: 80

Lorelei - Угрюмые Волны Студеного Моря

#PER CHI AMA: Death/Doom/Gothic, primi Theatre of Tragedy 
Russia ormai è diventato sinonimo di death doom: ne sono l'ennesima conferma questi cinque ragazzi di Mosca, a nome Lorelei, che ci propinano un classico sound oscuro dalle doppie vocals, growl e soprano femminile, che mi hanno ricordato non poco i primi Theatre of Tragedy (non a caso "Lorelei" è anche una song della band norvegese). La musica poco si discosta dai dettami del genere; ciò che ha catalizzato la mia attenzione è stato l'inserimento di alcune parti recitate in italiano. Le ritroviamo ad esempio in "Холод безмолвного зимнего леса...", in cui largo spazio viene concesso alla brava cantante Ksenia Mikhaylova, mentre le ritmiche eseguono il loro compitino egregiamente, disegnando malinconiche melodie che sicuramente piaceranno a chi segue il genere e al contempo annoieranno chi invece è ormai saturo dell'ennesima proposta di questo tipo. Le song si lasciano tutte ascoltare ma la musica dei nostri non apporta rilevanti novità: niente male il pesante growling di Evander Sinque (vocalist dei Who Dies in Siberian Slush e guest star in questa release), cosi come pure le tastiere di Marina Ignatovich che con le sue atmosfere, rende il tutto estremamente più accessibile. Tuttavia, l'album continua ad avere un che di già sentito forse perché quella dei Lorelei è una proposta che andava molto di moda a metà anni '90, ma anche perché dà sfoggio di tutti i cliché che il genere impone. Mi fa piacere l'ispirazione che i nostri traggono dai classici nostrani, con un intermezzo dal titolo "La Vita Fugge e non s'Arresta un'ora", che si rifà ad un famoso sonetto del Petrarca. Poi, c'è poco altro da segnalare in questo 'Угрюмые Волны Студеного Моря', lavoro che segna l'ancora acerbo esordio di questi giovani ragazzi. (Francesco Scarci) 

(BadMoodMan Music - 2013) 
Voto: 60 

domenica 15 giugno 2014

Arbor - Echoes Over Oceans

#PER CHI AMA: Progressive black metal, Agalloch, Wolves in the Throne Room
'Echoes Over Oceans' esce nel 2014 in puro stile DIY (con uno splendido digipack peraltro) dalle mani dell'attivissimo trio americano degli Arbor, di base a Milwaukee (WI); il lavoro rappresenta il secondo album della band che segue l'ottimo debutto del 2012, già recensito su queste stesse pagine. Geniale commistione tra onirico, evocativo black metal stile Agalloch e Wolves in the Throne Room con fughe post rock, prog e shoegaze, atmosfere surreali spaccate da sfuriate cerebrali di violento, liberatorio evoluto black dalla forte ispirazione naturalistica. Il progressive di matrice seventies emerge in maniera evidente, con echi dei Rush ma anche di cose più complesse e classiche come quelle proposte da Yes e Hatfield and the North ma anche da influenze più moderne alla Ulver e quelle atmosfere sospese del gioiellino 'The Marriage of Heaven and Hell', senza però la pesante componente elettronica industriale, ma tutto portato in una struttura sonora sofisticata e curatissima, dalla forte componente melodica, da assaporare senza indugi e tutta d'un fiato. Un doppio album con otto brani (le migliori del lotto a nostro avviso sono "The Foliate Head" e "Archways") dalle atmosfere variegate, con costruzioni intense ed evocative. Quasi novanta minuti di musica da ascoltare attentamente, immergendosi in tutte le sue sfumature, dalle aperture drone/atmospheric dark, alle classiche e cristalline composizioni progressive, ricche di ariose melodie e dalle chitarre lussureggianti, fino alle veloci cavalcate black cariche d'infinito. Il lavoro alla fine è di buonissima qualità, pur rimanendo nell'autoproduzione di stampo fedele al black metal più sotterraneo e oltranzista, dove tutto si sente alla perfezione: voci, chitarre e batteria sono ottime e anche se i due cd sono di notevole durata, alla fine non ci si annoia mai durante il suo ascolto, tante sono le variazioni sul tema portate dal trio statunitense, nelle medio lunghe composizioni musicali. Lavoro appetibile, artwork notevole anche se poco comprensibili sono i titoli nel retro. Lasciatevi stregare, ne vale la pena! (Bob Stoner)

(Self - 2014)
Voto: 75

Firtan - Niedergang

#PER CHI AMA: Epic Black, Bathory, Windir 
Primo full lenght per i teutonici Firtan dal titolo 'Niedergang' (Declino), che rivela al mondo sommerso una nuova entusiasmante band che farà breccia tra i seguaci del black atmosferico. Otto tracce più intro per il combo di Lörrach, piccola cittadina nel sud della Germania. L'album si dischiude con l'acida "Angst", song nevrotica (soprattutto a livello vocale) che alterna sprazzi di eleganti atmosfere con sfuriate black a la Windir. Pagan, black, ambient e post sono solo alcuni degli ingredienti che costituiscono e caratterizzano il terzetto germanico che vede in alcune aperture al limite del sinfonico altri suoi punti di forza. La durata quasi mai eccessiva dei pezzi (fatto salvo per i nove minuti abbondanti della title track e gli otto minuti di "Huckup") contribuisce a rendere le melodie più facilmente memorizzabili. Le keys, posizionate come arrangiamento inizialmente solo in secondo piano (ma più avanti si riveleranno la vera colonna portante dei pezzi), conferiscono un'aura sinistra all'intero lavoro. "Hypnos & Thanatos" è uno splendido pezzo che si muove tra epiche cavalcate, interludi ambient e urla disumane. L'immagine che mi si configura davanti agli occhi è quella di pascoli verdi su sinuose colline, su cui si stagliano però minacciose nubi basse, cariche di pioggia. La lunga e già citata title track ha un che dei primi Alcest nel suo effluvio sonoro: arpeggi malinconici, lo screaming disperato di Phillip Thienger, il marziale incedere delle ritmiche e quel magniloquente suono delle tastiere, che devo ammettere aver catalizzato quasi interamente la mia attenzione, rendono alla fine la release dei nostri di più facile approccio anche per chi non mastica quotidianamente questo genere di sonorità. Fatto un piccolo sforzo iniziale, vi ritroverete coinvolti in eroiche battaglie, in cui le spade brandite volgono al cielo. "Zwischen Wahn und Sinn" è una song morbosa e cupa, in cui predomina la componente sinfonica, mentre la successiva "Seelenfänger" si propone con un mood decadente nella sua introduzione, guerresco e corale nella parte centrale, in cui nuovamente sono le tastiere ad assurgere ormai al ruolo di protagoniste indiscusse del lavoro. La forza brutale del black riesce a trovar sfogo in una breve tempesta sonora, prima che le acque possano trovare la loro tranquillità. Tranquillità che viene spezzata dalla furia dilagante di "Wogen der Trauer", la traccia più brutale del lotto, in cui ad emergere fortissimamente nelle sue ritmiche pagane, sono nuovamente i Windir. Passando oltre la breve e strumentale "Oneiros", arriviamo alla conclusiva e tragica "Huckup": bucolico l'inizio affidato all'acustica, prima che la componente elettrica subentri inneggiando alla guerra. Se solo accanto alle screaming vocals ci fossimo trovati anche una componente vocale declamata o pulita, forse oggi starei parlando di capolavoro. Per ora mi accontento di un signor album che farà la gioia di coloro che trovano giovamento nell'ascolto dei Bathory più epici, degli Agalloch o dei più volte citati Windir. Firtan, un nuovo nome da inserire nel vostro sempre più folto taccuino, ma credo ne valga davvero la pena. (Francesco Scarci)

(Self - 2014) 
Voto: 75 

giovedì 12 giugno 2014

Megattera – Origo

#PER CHI AMA: Elettronica, Industrial, Ministry
I Megattera (a proposito, bellissimo nome), ultima sensazione dell’elettronica romana, sono un duo composto da Matteo e Gianni, con un passato da musicisti “tradizionali” in ambito post rock. Armati di campionatori, drum machine e sequencer, i due riescono a districarsi egregiamente tra atmosfere sintetiche ora piú rarefatte, ora “sporcate” da clangori industrial, sviluppando un discorso fatto di suggestioni apocalittiche e scenari post industriali, ricco di intuizioni spesso sorprendenti. La costruzione di questi 6 brani segue sovente un canovaccio simile: i due procedono per stratificazione, deponendo sopra un beat iniziale scarno (e scarnificato) nuovi layer sonori, che ben presto rivelano un disegno dalla complessità via via crescente, senza perdere mai di vista l’identità del brano, anzi valorizzadolo con orchestrazioni metalliche e soluzioni interessanti e mai banali. Si parte con le scansioni marziali di "Nebula", dove le orchestrazioni vengono scosse da sferzate cyber-punk. I pezzi fluiscono l’uno nell’altro senza soluzione di continuità, ed ecco quindi che "La Lunga Attesa" che mantiene fede al suo nome, creando una tensione sospesa e trattenuta, si trasfigura repentinamente nei ritmi parossistici da tempesta elettromagentica di "La fine del Perdono". "Vorago" è sicuramente tra gli episodi migliori dell’album, con la sua sottile inquietudine instillata da un beat simil trip-hop, e un poetico break di chitarra elettrica arpeggiata prima di un finale maestoso e liturgico. I brani dall’incedere lento e compassato sono quelli che si fanno preferire in una scaletta che non ha comunque momenti di cedimento, anche in una "IO/RE" sporcata di dubstep e quasi danzereccia (nell’accezione che Trent Reznor darebbe a questo termine). La lunga, conclusiva "Grande Inverno", forse ispirata alla saga di 'Game of Thrones', si staglia minacciosa all’orizzonte alternando raffiche di elettronica gelida a intermezzi chitarristici dal sapore post che scaldano piú di un ciocco crepitante nel camino in una notte di neve. In definitiva si tratta quindi di un disco decisamente interessante, forse un po’ ostico al primo ascolto, ma in grado di regalare tante soddisfazioni all’ascoltatore, e di insinuarsi sotto pelle come un germe mutante difficile da debellare. Ottimo lavoro! (Mauro Catena)

(Killrpool Records - 2014)
Voto: 75

Aeons Confer – Symphonies of Saturnus

#PER CHI AMA: Progressive Death Dark, Augury, Anaal Nathrakh, Wintersun
Il sestetto di Amburgo ci coglie di sorpresa e ci lascia esterrefatti con un primo album pazzesco dove la forma epico oscura degli Anaal Nathrakh, la lucida e classica rigidità teatrale dei Wintersun, la potenza tecnica degli Augury e la variante sinfonica monumentale degli Empyrion riescono a sfociare tutte assieme in un unico album dai mille volti. La tecnica sopraffina e le più che incoraggianti e ricercatissime strutture di metal sinfonico si incontrano nel cammino di un death metal violento e glaciale, dalla doppia cassa devastante e dal suono al limite dell'industriale. Rumori, cori, elettronica minimale, tastiere mastodontiche, chitarre killer, tanto moderno metal (ascoltate "ESP" o "Aeonized") e un vocalist degno di tale nome sia nel growl che nel pulito. Numerose ed inaspettate aperture melodiche con forte ispirazione ad un freddo, oscuro e potente metal proiettato nel futuro, conferiscono un'impronta progressiva e concettuale all'intero lavoro. Questo è un disco spaventosamente pieno di idee, ragionate a lungo (9 anni di gestazione dal precedente EP!), suonato a dovere e carico di nitroglicerina pronta ad esplodere; un continuo intersecarsi di riff e umori contrastanti inghiottiti da un cantato magistrale. Tutto calza a pennello e niente scalfisce l'intero ascolto dei quattordici brani disseminati nei circa settantotto minuti dell'album. Tutto è legato come in un lungo concept da una colata di lava incandescente: velocità, melodia, drammaticità, teatralità e potenza al di fuori della norma. Ci fa rabbrividire di gioia pensare a quale sforzo creativo questa band teutonica si sia sottomessa e a quale apice sia approdata. Immaginate 'Timmo Tolkki's Avalon' in una forma oscura e oppressiva; visualizzate nella vostra mente una specie di musical in chiave death metal e avrete un'idea di ciò che vi aspetta. Aggiungete poi tanta tecnica, una bella dose di violenza, un suono professionale, un modus operandi e una scrittura musicale da dieci e lode privo di cadute, che non annoia, e che riesce a rivitalizzarsi ad ogni ascolto. Considerando che il tutto non è di facile approccio, rimarchiamo a gran voce che questo è un signor album! Fast and modern symphonic dark metal ritroviamo scritto sulla presentazione del cd... e nulla potrebbe descrivere meglio questo loro stupendo primo full lenght! Una band da non perdere di vista pronta per il grande passo! Gioiellino da avere! (Bob Stoner)

(Self - 2013)
Voto: 90

martedì 10 giugno 2014

Cauldron Black Ram - Stalagmire

#FOR FANS OF: Black/Death Metal, Doom/Sludge, StarGazer, Crowbar
Never one to follow a strict releasing schedule, this third release from the Australian Black/Death Metal act comes four years after their last release, itself six years after the preceeding offering so there’s clearly no need to put out music constantly from the band with an output like that. Certainly, though, that relaxed pace has certainly caused a more relaxed vibe to enter their music for this band’s output is decidedly plain and quite sluggish, as the album rarely manages to make a lasting impact with its chosen style of primal Death Metal, Doom and Black Metal while laced with dashes of Sludge for what is a wildly inventive mix but one which doesn’t always make for entertaining listening. The slow, droning Doom tempos are mixed with brazen, heavy Sludge-like riffing patterns recorded with a level of slime and fuzz that incorporates the occasional fast-paced Death Metal section against a hoarse, demonic rasp that brings the Black-ness into focus, but overall this conglomerate of influences manages to come up with a hodge-podge of discordant sounds and off-kilter passages that make for a scattershot and disorganized-sounding album that doesn’t know to keep itself in line for the track as it has to go off into its own little world almost as if distracted by something else in the room. That the production is so weak and bland certainly does this no favors, rendering the guitars into a pile of mush that further offers their Sludge listing while making riffs bleed into each other with so much distortion going on as to make it nearly impossible to determine the actual melody being played. As well, the drums are just merely pounding percussion notes playing the background and really don’t do much of anything to distinguish themselves while the blaring, muddy bass-lines throughout make for a rather sloppy mess that it can’t really recover from. There’s no bite at all to the music and when mixed with generally boring and disorganized music as this it really makes the whole effort hard to get into. This isn’t all the fault of the songs, as intro "Fork Through Pitch" signals their intentions immediately with plodding riff-work, stagnant paces and churning, slow-broiled rhythms at odds with each other as the thrashier sections clash wildly with the sluggish tempos, awful production and decidedly obvious lack-of-life within the arrangements, clearly gives a noticeable warning. "Maw" is slightly better with a tight riffing set and some spirited sections, but again the lousy production, plodding rhythms and generally heavy-handed forcing of the different elements into a whole makes for a rather troublesome outing. "Discarded Death" is a bit better as it focuses more on low-slung Death Metal riffing and a generally faster vibe that comes off as one of the faster tracks on the album and stands out because of that. The album’s worst track, "A Litany of Sailor’s Sins," is just too slow and plodding to offer anything substantial here with a lame central riff, no speed or even heaviness until the later half, which is generally too little too late to matter with this one. This plodding, generally uneven pace is repeated throughout "From Whence the Old Skull Came," the rumbling bass failing to make the bland, plodding riffs stand up against the uninteresting drums and makes this one undoubtedly disposable. "Bats" tends to focus itself a little better with some fine mid-tempo riffing and a generally enjoyable pace, while the fine instrumental "Cabin Fever" certainly offers up some interesting up-tempo riffs and sections that actually comes across as one of the better tracks without the vocals to hold it back and lets the band rip away with abandon. "The Devil’s Trotter" does get things back on track with the bouncy rhythms and actually fun tempo throughout, but tends to wander around too much with the eerie vocal chants and go-nowhere final half that really makes it hard to finish off strongly, which certainly aligns itself with the plodding closer "Speliogenesis," as the extended vocal chanting, plodding riff-work and generally numbing riffing throughout manages to end on a feeling of euphoria at not enduring anymore as the final up-tempo notes sign off once and for all at the general lack of interest it has in sustaining that pace. The credit for mixing the genres is certainly commended, but the fact that it’s so weak and disorganized as this is certainly troubling. (Don Anelli)

(20 Buck Spin - 2014)
Score: 40

Mosca nella Palude - Ultrafuck

#PER CHI AMA: Crossover, Korn, Faith No More, System of a Down
Nonostante il roboante lancio della loro cartella stampa (”i Faith no More che vanno a fare una passeggiata nella giungla con Beastie Boys e John Zorn e tornano sconvolti...”) lasci presagire qualcosa di diverso – e forse un tantino piú originale – i binari su cui si muove il trio toscano in questo esordio, sembrerebbe essere piuttosto il buon vecchio crossover anni '90 a stelle e strisce: brani brevi e perlopiú schizofrenici, schegge impazzite che riprendono il discorso portato avanti anni fa da Korn e System of a Down, senza inventare nulla di nuovo ma non senza una buona personalità, tanta energia e in definitiva una notevole credibilità. I Mosca nella Palude sembra si prendano poco sul serio, per via di un’ironia di fondo che ben si esemplifica nei titoli dei brani ("Madafuga", "Fac Alabama", "Beastie Toys", tra gli altri) e in un’attitudine giocosa che, ad un ascolto distratto, potrebbe portare a bollarli come niente piú che dei simpatici cazzoni. Cosa che sarebbe molto sbagliata, dato che i tre ci sanno indubbiamente fare. L’opener "Madafuga" è la piú pattoniana della scaletta, con quel chorus che sembra venire direttamente da 'King for a Day'. "Rex Idiotorum" introduce percussioni tribali che caratterizzeranno un po’ tutto l’album e contrappone ad una prima parte tutta convulsioni, una seconda potente e melodica. Se qualche episodio forse non è ancora perfettamente a fuoco, prediligendo l’effetto sorpresa a tutti i costi a discapito della costruzione del brano ("Revolution"), altrove i tre dimostrano di avere molte cose da dire, come nel tribalismo schizoide di "Aaayeee" o nelle sorprendenti chitarre sguaiate di "Afghan", oppure ancora nella splendida, conclusiva, "Smith Wesson", riminescente di certe atmosfere a la System of a Down. A spezzare la tensione epilettica dell’album ci pensano un paio di brani acustici molto interessanti, come il paludoso blues "Fac Alabama" o l’inafferrabile "Marzo" che disegna paesaggi e melodie cari ai Porno for Pyros di Perry Farrell. Rimane da dire della voce versatile e camaleontica di Giovanni Belcari, mente del progetto, il cui timbro ricorda in piú di un passaggio quello di Billy Corgan. Lavoro in definitiva interessante, estremamente energico e ricco di entusiasmo. Attesi alla prova dal vivo e a nuovi sviluppi futuri. (Mauro Catena)

(Santa Valvola Records - 2013)
Voto: 70

Dormant Ordeal – It Rains, It Pours

#PER CHI AMA: Death Metal, Meshuggah, Exhumed
I Dormant Ordeal sono una band polacca di notevole caratura tecnica che sapientemente coniuga il suono sanguigno e reale, stile ultimi Sepultura, con influenze estreme a la Meshuggah, Exhumed e Mostrosity. L'album si distingue per la freschezza di esecuzione e un'abile fluidità nella scrittura dei brani, che lo rende veramente appetibile. L'ascolto è naturale, i suoni ben calibrati e ricercati per mediare tra i fans troppo esigenti dei Meshuggah e quelli più esplosivi di band come gli Exhumed, contemplando anche quel tocco di sano classicismo che tutt'ora Sepultura o Napalm Death, con tanto orgoglio a distanza di anni, si portano a presso (ovviamente il riferimento sta nell'alta qualità della proposta musicale intrinseca di 'It Rains, It Pours'). Artwork di copertina di elevata e raffinata bellezza, lontano dagli stereotipi del genere che potrebbe richiamare il malinconico mondo dei Katatonia; dodici brani in quarantadue minuti di musica d'alto livello. Death metal il loro, compresso ed efficace, con tutte le carte in regola per entrare nelle grazie degli amanti del genere; la band costruisce brani memorabili, violenti ed estremamente fruibili, carichi d'energia con estratti cyber-futuristi degni della suddetta mitica band svedese ma senza calcare troppo la mano sul tecnicismo fine a se stesso, anzi relegando la tecnica al servizio della buona riuscita del brano. Tutti i pezzi interagiscono tra loro creando insieme una trama che dona all'intero lavoro una solida omogeneità. Il sound si rivela caldo, avvolgente, saturo e claustrofobico quanto basta, sorprendentemente additivato con uno stile “diretto”, tanto “orecchiabile” quanto ricercato e potente, di ottima fattura con richiami deathcore cari agli Agoraphobic Nosebleed, con una batteria magistrale e ritmiche veloci mozzafiato, un cantato in perfetta sintonia e un'equalizzazione dei suoni che mette tutti e tutto al posto giusto (il doppio gancio, "The Sinless", "Your Mother – Slave", ne sono un buon esempio). Alla fine soddisfatti e triturati, siamo in grado di emettere un verdetto finale...se cercate una seria risposta underground al mainstream omologato, questo è il disco che fa per voi! (Bob Stoner)

(Self - 2013)
Voto: 80

domenica 8 giugno 2014

Ennui - The Last Way

#PER CHI AMA: Funeral Doom
Mi sembra quasi di capire che il funeral doom al giorno d'oggi sia una questione lasciata principalmente alla Russia e a tutte le nazioni che costituiscono il CSI, con in testa Ucraina e Biellorussia; da oggi annoveriamo anche la Georgia, da dove arrivano questi Ennui, propinatori di catartiche sonorità funeree. 'The Last Way' è la loro seconda fatica del 2013, uscita per MFL Records (del 2014 invece uno split con gli Aphonic Threnody) che come al solito farà la gioia di coloro che si cibano di atmosfere oscure, soffocanti, lente e mortifere. Chiaro il concetto no, in questo lavoro non avrete modo di vedere alcun bagliore di luce, fin dall'iniziale "Cold Somnolence", lentissima song che musicalmente potremo affiancare al solito nome di riferimento della scena, gli Skepticism. Le ritmiche sono pachidermiche, cosi come il genere impone; le song hanno lunghezze infinite, con l'effetto di stremare i fan con maratone di note decadenti, deprimenti e definitivamente dilanianti. Cosa aspettarsi dalle vocals poi? Catacombali. Ciò che mi esalta invece della band di Tbilisi e che me ne fanno ampiamente apprezzare la proposta, sono le emozionali fughe solistiche dove i nostri scattano splendide fotografia bicolori che amplificano un senso di desolazione, già di per sè assai forte nei solchi di quest'album. Nonostante gli infiniti 15 minuti di "Ennui" non potrete non apprezzare le chitarre che guidano la melodia del brano e insieme alle tastiere di Serj Shengelia, costruiscono una non poco apprezzabile struttura armonica, tale da differenziare la proposta degli Ennui da quella delle altre band funeral. Si prosegue con "A Moment in the Void", ma in cuor mio dopo i 28 minuti delle prime due tracce, un'idea me la sono già fatta. Un'idea che trova confortanti conferme con la terza traccia e le sue splendide lugubre ambientazioni e con gli altri 28 minuti composti da "Loss", song tetra e dal mood straziante e "The Descendant Of Lifeless Rebirth" in cui splendido è il lavoro chitarre/tastiere, che consacrano gli Ennui a mia band funeral preferita. Certo i 77 minuti di questo 'The Last Way' non sono una passeggiata di salute che tutti potranno affrontare, ma mi sento di consigliare quest'album non solo agli adepti adoratori delle tenebre più profonde, ma anche chi questo genere non lo bazzica tutti i giorni. (Francesco Scarci)

(MFL Records - 2013)
Voto: 80

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