Thee Maldoror Kollective - Knownothingism

#PER CHI AMA: Avantgarde sperimentale 

Ho conosciuto i Thee Maldoror Kollective (T/M/K) ancora quando si chiamavano Maldoror e esordivano con uno splendido album di black atmosferico, 'Ars Magika'. Era il 1998 e da allora le cose sono mutate notevolmente nella vita dei nostri. Oltre a cambiare monicker più e più volte, la musica dell'act torinese si è evoluta, passando da sonorità electro-black a fughe industrial, per rifugiarsi nel free jazz, nell'ambient e in una serie di sperimentalismi avantgarde, di cui quest'oggi, 'Knownothingism', ne rappresenta verosimilmente la summa. Freschi di contratto con l'Argonauta Records, i nostri sfoderano una prova a dir poco entusiasmante con sette deliranti tracce che potrebbero piacere ai fan di Massive Attack o Portishead, così pure a chi ha amato le intuizioni degli ultimi Ulver o la nuova linea musicale seguita dagli ultimissimi Manes, insomma musica di una certa classe, ma anche dal non facile approccio. Lo capirete di certo partendo dalla circense "Clarity, Oh Open Wound!", song dalle melodie folkloriche che ci conducono in un teatro degli orrori o in una di quelle giostre horror, da cui spuntano teste di clown con le molle o zombie mangia uomini. Se chiudete gli occhi questa è l'immagine che configurerete di certo nella vostra mente, con la voce dell'eccelsa e magnetica Pina Kollars, straordinaria a guidare i vostri incubi, tra riff pinkfloydiani e atmosfere doorsiane e un'altra infinità di influenze che derivano dai generi musicali e filosofici più disparati. Ascoltare questa song è poi come aprire un libro di storia e leggere una parte qualsiasi del suo contenuto, sia esso relativo alla civiltà greca o egizia, indiana o araba. Straordinario. La seconda "An Uncontrollable Moment of High Tide" fa l'occhiolino ancora ai primi Pink Floyd, ma la traccia non tarda ad evolvere verso le sonorità trip hop dei maestri inglesi di Bristol, forti anche di una performance vocale strepitosa del folletto Kollars, con la musica che cresce e nella sua caleidoscopica fluidità, mi fa rizzare il pelo sulle braccia. I 12 minuti di "Cordyceps" sono una dura prova da superare, tra frangenti noisy, ambient e drone, corredati da vocals sinistre, che solo intorno al sesto minuto trovano forma nei tocchi di pianoforte, elettronica e nella ubiquitaria voce di Pina, che vorrei ricordare essere stata scoperta da Peter Gabriel. Con "Mariguanda" si tornano ad esplorare mondi alieni, anfratti dal sapore jazzistico, complice un allucinato sax, spezzoni lounge, frangenti cinematici, blues, rock, soul, etno e chi più ne ha più ne metta. Non c'è più alcun limite invalicabile per i T/M/K e lo dimostrano con i loro deliranti brani, ove tutto oramai è consentito e se "Lhasa & The Naked West" vi sembrerà inizialmente la song più normale del lotto, non temete perché probabilmente alla fine potrà risultarvi la più folle, con quei suoi frastornanti loop, la sua tribalità spiccata e la fragorosa liquidità dei suoi suoni. Non ditemi che siete già ubriachi, perché avrete di che dissetarvi alla scoscesa fonte di "Nirguna" che tra riffoni e ambientazioni psichedeliche, avrà ancora modo di sorprendervi. Mancano ancora i 13 minuti di sonorità Indian rock di "The Ashima Complex" per completare il viaggio spirituale intrapreso con 'Knownothigism': non saranno semplici, ma indispensabili per raggiungere il traguardo purificatore che i Thee Maldoror Kollective hanno tracciato per noi. Innovatori. (Francesco Scarci)

(Argonauta - Records - 2014) 

Voto: 85 

https://www.facebook.com/maldororkollective

Grudom - Fjolkyngi

#PER CHI AMA: Black, Armagedda, Lik

La Scandinavia non smette mai di sorprendere. In questi ultimi anni qualcosa sta rinascendo in quelle gelide terre nordiche, un black metal con sangue nero nelle vene, sempre più aspro e di difficile comprensione ed i Grudom ne sono devoti adepti. Credevo ci fosse un limite al malessere, ma dopo l’ascolto di questo malatissimo 'Fjolkyngi' uscito sotto l'egida della Mysticism Productions, ho capito che questo limite è stato superato. Di questi danesi Grudom si sa ben poco: hanno autoprodotto due demo tapes nel 2012, recentemente rimasterizzati in cd dalla teutonica Darker Than Black e per quanto riguarda il profilo artistico invece, c’è solo il buio. 'Fjolkyngi' è una delle cose più decadenti che le mie orecchie abbiano mai ascoltato ed è di una tristezza sconcertante, una creatura sbilenca, paralitica che si trascina carponi nei più lugubri e cupi boschi che la mente umana possa immaginare. Questo brutto sentiero si snoda tra cacofonie di vario genere, drumming minimale, spazi di vuoto dove nascono melodie nefaste scaturite da organetti spettrali e vocalizzi, gloriosi, distanti, criptici, sfondo di uno screaming putrefatto, disumanamente vaporoso e annichilito. Solo tre tracce di pachidermica durata compongono questa disgrazia sonora. I Grudom ricordano Armagedda, Lik, Lonndom, Hädanfärd, Grifteskymfning e compagnia bella, ma in questo caso gli elementi chiave del genere, sono estremizzati al limite del possibile. Spesso la musica contenuta in 'Fjolkyngi' si autodistrugge per diventare un'aura ambientale, c’è voglia di trascendere qualunque forma di canonicità, questo il pregio primario di tale band. L’assenza di schemi e regole rende questa pietanza appetibile solo per una piccola e elitaria frangia di maniaci, dunque 'Fjolkyngi' è un album non per tutti. Consiglio (anche alle persone di mente più aperta) di ascoltare la traccia che è stata caricata per intero su Youtube prima dell’acquisto e voglio ricordare che l’edizione in vinile è limitata a sole 250 copie dunque, buy or die! Chiudo con una nota di merito nei confronti dell’artwork, con il suo logo infimo e la foto, in bassa risoluzione, di un ceppo radicale divelto dal terreno, radici che ora mai rinsecchite attendono solo la decomposizione. I Grudom (chiunque essi siano) non potevano descrivere meglio l’energia malefica sprigionata da questo meraviglioso e straziante debutto, ottimo artwork dunque! Mi auguro in futuro di poter aver l’onore di ascoltare altri dischi come questo. Supporto totale a questa band e al loro black metal metafisico! (Alessio Skogen Algiz)

(Mysticism Production - 2014)

Voto: 90

http://ancientrecords.se/-/MysticismProductions

Handwrist - A Vibe to the Perplexed

#PER CHI AMA: Post Rock/blues strumentale

Torna la one man band portoghese capitanata da Rui Botelho Rodrigues, con un album, 'A Vibe to the Perplexed', che costituisce il settimo sigillo in poco più di due anni. Glassa accartocciata su se stessa dalla musicalità dolce e ripetitiva. "Evolve" apre l'album con fare suadente, orientaleggiante, assistito da creazioni sonore tintinnanti, sostenute da una traccia di sottofondo graffiante, corposa, quasi isterica, non fosse per le distorsioni intercalate ad arte nel brano. Se vi siete lasciati andare con "Evolve", tornate tra noi, ma solo per uno switch che volge a delle note disinibite, in cui la chitarra elettrica fa da padrone e la masticazione metal trova pane per i suoi denti. Tutto vero sino alla chiusura del pezzo, che offre un soffuso ambient jazz lungo, molto lungo, forse un po' spinto, ma assolutamente apprezzabile. Smarrite ogni pensiero e col tocco d'un dito fate partire "Ripple". So che vi piacerà tenere il tempo col pensiero, lasciando che la giornata si annichilisca, a favore di ritmiche pregiate, in cui non sentirete che carezze e scosse sonore modulate come un rally in cui guidate solo voi. Forse debbo destarvi dal visibilio per portarvi in "Perplexed". Indodossate abiti comodi, portatevi un cocktail d'alta scuola e seguitemi, come fossi il Bianconiglio nel Paese delle Meraviglie. Si. Perché questo brano mi parla pur essendo strumentale. Perché la traccia ruggisce di gemiti che sguinzagliano suoni improbabili. Perché l'epilogo è ottundimento puro. Fatemi tornare umana. Qualche plettrata e dalla tana del Bianconiglio, ci troviamo proiettati negli anni ottanta. Lasciatemi dire che "Rootkit" è una bella rivisitazione delle nostalgiche suonate, che, che se ne dica sono sempre attuali. Ora un intermezzo. "Sleep". Suoni e voce sembrano amalgamare l'ecletticità passata e futura. Oh sì! Nuova linfa e siamo sempre nello stesso album! "At the Gloomy Carnival". Cambiamo ancora. Lasciamo che questa marcia tamburelli nella mente e costruisca un motivo tortuosamente accattivante. Ripetitività incalzanti smorzate da poche soste ben congegnate, costruiscono un brano originale e così alieno dai precedenti, come ogni brano precedente per ogni brano precedente. Conclusione? Mi sento proiettata per un attimo nelle danze indiane. Sto amando questo album per la sua poliedria. Cosa chiedere ancora a questa band? Credetemi possiamo chiedere! L'album prosegue con "The God of the Machine". Suoni lenti, uno sfiorare corde più animose che metalliche. Un viatico in cui i 9.33 minuti vi faranno rilassare ed al contempo percorrere i sentieri di ognuno dei pensieri che avete lasciato in sospeso. Veniamo ad "Enthropy". Ascoltate. Lo so. Vi sembrerà di stare addentro a una colonna sonora di un film ad alto costo. I suoni vi moduleranno stati d'animo e umore. Proprio così. Stiamo ascoltando un'ottima musica, che senza immagini ne provoca di istantanee. Senza accorgermene e non vi nascondo, con rammarico, giungo a descrivere l'ultimo pezzo. Come potrei, io che vivo di immagini e suoni e sensazioni, non innamorarmi di quest'ultimo brano? Sapete, iniziare una canzone con un temporale cosparso di pioggia è una vittoria facile, ma corollarlo con una batteria lenta, pennellata appena, una voce così decisa eppure effimera, con un volto strumentale che scompare, rende l'essenza del sentire una matrice incorruttibile, che si fa immagine impensata, vivace, personale. Concludo, lasciandovi a questo ascolto che traccia dopo traccia si materializzerà sulla vostra pelle come un tatuaggio indelebile, lasciando i vostri timpani pregni di bramosia che chiede solo il replay. (Silvia Comencini)

(Self - 2014)

Voto: 85

https://www.facebook.com/handwrist

The Slaughterhouse 5 – Alban B. Clay

#PER CHI AMA: Alternative Rock, At the Drive In, Minus the Bear, Echolyn, Sparta 

I The Slaughterhouse 5 (TS5) sono una band math-rock danese nata nel 2012 e composta da sei signori musicisti. Dico signori perché questo 'Alban B. Clay' è il frutto di un lavoro monumentale: un concept album con cui vengono raccontate le vicissitudini di un misterioso individuo, Mr. Alban appunto. L'album a lui dedicato è composto da sedici tracce arrangiate, registrate ed editate in modo professionale, a queste si aggiungono inoltre degli intermezzi parlati in stile teatrale. Quest'ultimi regalano un'esperienza diversa dal classico rock album dove i musicisti si focalizzano totalmente sui brani, arrangiamenti e suoni. Il loro genere è il math-pop/rock, quindi ritmiche ingarbugliate (ma non troppo), riff iperbolici che mutano dopo poche battute e cantato che per pochi secondi segue la melodia principale e immediatamente si stacca e ne crea una propria. Gli strumenti utilizzati sono i classici del rock, con un forte utilizzo di cori che rafforzano le linee melodiche e anche alcuni campionamenti/loop per aumentare la complessità sonora. Dopo una breve intro cacofonica, l'album apre con "Alban B. Clay the Artistè", un brano talmente ricco di arrangiamenti e suoni che diventa una festa per le nostre orecchie. Provate ad immaginare gli Arctic Monkeys al quadrato, il tutto miscelato alla perfezione, senza mai una sbavatura o un calo di tono. Per tutto il brano non troverete uno strumento solista, ma un'unica sinfonia che veleggia in maniera suadente; "Kill Thrill 2.0" è una canzone totalmente diversa, breve e ritmata, la voce femminile diventa la protagonista e gli strumenti si divertono esibendosi in una sorta di fuga. La batteria in particolare da prova delle sue velleità tecniche, sfoderando una ritmica complessa e rullate velocissime. Un pezzo coraggioso è "Hitler in a Box" che dopo un breve campionamento di un qualche vaneggiamento del Führer, si lancia in una corsa scavezzacollo con il basso e la batteria. Questi creano una ritmica che si impossesserà delle vostra membra e vi troverete a muovervi a scatti, in preda alle convulsioni con tanto di schiuma alla bocca. Ogni singola nota vibra di energia e ogni volta che ascolterete questa brano, vi accorgerete di una linea melodica o un arrangiamento che vi era sfuggito precedentemente. Se continuate l'ascolto di questo cd, soffermatevi su "The Celebrity Snuff Tape pt. 1", un brano che vi riporterà indietro di qualche hanno, quando i Radiohead producevano album come 'Pablo Honey' e in seguito 'Ok Computer'. Per carità, gli arrangiamenti diversi, ma i TS5 hanno studiato bene la lezione e hanno saputo fare tesoro di una struttura compositiva vincente. Concludo confermando quanto detto prima: la band danese è degna di nota, si meritano ampiamente il successo che stanno avendo e non ho difficoltà a pensare che la loro strada sia ancora lunga e piena di successi. Con loro l'idea classica di concerto è forse pronta al cambiamento a diventare un po' più rappresentazione teatrale, per dare così vita ad uno spettacolo che coinvolga appunto altre forme d'arte. (Michele Montanari)

(Self - 2014)

Voto: 85

La scena alternativa mondiale offre chicche da ogni parte del mondo, forte del suo volubile e versatile senso di esplorazione, espone band come questa, che pur essendo autoprodottasi nel 2014, è stata in grado di partorire un disco dalle splendide potenzialità di riuscita. Il sound della band danese, al suo primo album, è asciutto, fantasioso, nervoso, con un'indole selvaggia trattenuta da una verve che lo imbriglia piacevolmente in ambito pop e si intrufola tra i solchi degli Arcade Fire e i mitici Minus the Bear. Il gusto psichedelico e sperimentale della band emerge soprattutto in alcuni brani lampo fatti di pochi secondi, piccole schegge impazzite di forte urgenza creativa. L'intero lavoro è suonato con forte gusto alternative rock/math pop che richiama il metodo canzone classico degli storici The Housemartins, ed è influenzato dal punk alternativo degli Sparta e a tratti anche dal particolare mix sonoro dei rimpianti At the Drive In. Tra queste tracce si elevano le doti del bravissimo vocalist propense a rievocare il miglior Cedric Bixler Zavala, immaginato in contemplazione ai migliori Band of Horses, per poi proseguire a suon di ritmiche sbilenche, di scuola indie, a metà strada tra Sleater Kinney e The Strokes, cadenze romantiche decadenti glam care al buon Marc Almond e canto ecclesiastico stile Dave Gahan nei Soulsavers. "Hitler in the Box" alza il tiro e per la band è un vero e proprio inno assieme a "Light Bulbs", "Fish pt. 2–3" esalta la composizione in chiave neo progressive e li avvicina agli Echolyn in modo eccelso, mostrando le qualità e le virtù del combo danese, mettendo di fronte all'ascoltatore un'opera di ampio respiro e fresca, degna di nota e di composizione musicale superiore. Uno spettacolo interessante e variegato che farà piacere ai cultori del progressive rock come agli estimatori del rock alternativo senza colore ne parte. Liberi di creare senza vincoli, poiché questa è la sensazione netta che da tempo contraddistingue le band di classe dai surrogati proposti dalle major... e The Slaughterhouse 5 ne è la conferma in positivo! Meglio indipendenti, vitali e geniali. Ottimo esordio! (Bob Stoner)

(Self - 2014)

Voto: 90 

https://www.facebook.com/theslaughterhouse5

Valerian Swing - Aurora

#PER CHI AMA: Math/Post, Between the Buried and Me, Irepress 

Dopo suoni catartici, funerei e catacombali, è giusto concedermi la pausa purificatrice che mi consenta di riprendere fiato per poi rituffarmi nei meandri dell'oscurità. Cosa di meglio quindi della follia delirante degli emiliani Valerian Swing, che snocciolano lungo le otto tracce di 'Aurora', la loro passione per suoni decisamente poco scontati. Il viaggio in cui il terzetto ci conduce, ci consentirà di toccare con mano, l'eclettica visione sperimentale di tre ragazzi di provincia che possono realmente raggiungere vette indefinite di successo, se solo una buona dose di culo saprà assisterli, ma credo che i concerti a supporto di Russian Circles, Boris e This Town Needs Guns, possano valere come ottimo biglietto da visita per i nostri. A tutto questo aggiungete una musicalità pazzesca, che partendo da "3 Juno" arriva a "Calar Alto", e attraverso un'inebriante girandola emotiva, vi catturerà fin dalla prima nota scoccata da questi tre fantastici musicisti che hanno fatto un'ottima pensata, coniugare nelle loro note, il sound di alcuni delle migliori bands in circolazione, per cui cito a random: Irepress, Devin Townsend, Between the Buried and Me, Russian Circles, Dillinger Escape Plan e *Shels, ma sicuramente nel corso dell'ascolto dell'album me ne verranno in mente altre. Si insomma mica gli ultimi arrivati e nemmeno troppo semplici da emulare. Il disco dicevo, parte da "3 Juno", un pezzo che si rifà proprio ai mostri sacri di Chicago, RC, con la differenza che in background si riesce a sentire una voce, mentre la musica abbastanza ruffiana (non nel senso negativo del termine, anzi), si muove tra un scintillante math e un arioso post rock. Il viaggio interstellare ci spinge a "Cancer Minor", in cui sono le melodie di fondo a catalizzare ogni vostra molecola sul sound dei Valerian Swing, che si srotola, attorciglia, sgretola e ricompone, tutto nell'arco di una manciata di minuti ipnotici, orchestrali, fotonici (come quella tromba che esplode a fine brano). Wow, it sounds very cool! Con "Scilla", i nostri mi richiamano più da vicino gli Irepress con un sound che si mostra coriaceo quanto sperimentale, introspettivo e disturbante (per quel suo break noisy); sempre più semplice no? Okay proseguiamo, cosi magari i nostri potranno stupirci ancor di più con effetti speciali e colori ultravivaci... Esattamente "Cariddi" è quello che ci voleva. Con questa song sprofondiamo in uno dei miliardi di inferni che popolano il nostro universo: un brano in slow motion, spaventoso e urticante, quanto il liquido delle cubomeduse australiane. Rimango inebetito da questa inusuale veste musicale dei Valerian Swing, che pomposamente va via via ispessendosi tra il suono improbabile di strumenti a fiato. Valli a capire tu questi, che con "In Vacuum" cambiano il loro umore circa un centinaio di volte grazie a un brano le cui parti potrebbero costituire la colonna sonora di un videogame di macchine impazzite, ma anche una qualche pubblicità televisiva o chissà quali altre mille cose. "Spazio"... al delirio. La sesta traccia continua a prendersi gioco dei fan, offrendo nuovamente il mutevole carattere della band italica, come se il trio di Correggio fosse affetto da un ciclo mestruale costante. Follia pura, gran gusto per tutte quelle trovate strumentali e visionarie che costellano 'Aurora', coraggio per metterle in campo e eccezionale bravura nell'applicarle. Schizofrenia, quella che si respira nelle note di "Parsec", più che una canzone, un tracciato di un elettrocardiogramma di un paziente che soffre di pesanti aritmie cardiache: un po' bradicardico, e un po' tachicardico, il sound si sviluppa tra rallentamenti e progressioni cinetiche allucinanti, che ci conducono alla conclusiva "Calar Alto", la song più lunga del lotto che, nei suoi quasi otto minuti, conciglia cinematicamente tutto l'implosivo repertorio dei Valerian Swing. La fortuna aiuta gli audaci, i Valerian Swing lo sono parecchio, quindi mi aspetto grandi cose per il loro futuro... (Francesco Scarci)

(Cavity Records/To Lose La Track/Subsuburban/Small Pond - 2014)

Voto: 90

https://www.facebook.com/valerianswing

Aeurtum - The Depths of Which These Roots Do Bind

#PER CHI AMA: Death/Doom, Saturnus

Birmingham da sempre è indicata come essere una delle città di riferimento della scena hard rock, al pari di Liverpool. Se quest'ultima è famosa per aver dato i natali ai Beatles o più recentemente a Carcass e Anathema, Brum non può esserlo da meno, visto che Led Zeppelin, Black Sabbath, Judas Priest e Napalm Death (mica poco) nascono qui, giusto per citarne qualcuno. Oggi tra la folta schiera di band che fioriscono nel West Midlan, annoveriamo anche gli Aeurtum, che con 'The Depths of Which These Roots Do Bind' giungono a distanza di due anni da 'The Fall', al traguardo del secondo disco. La band non è altro che il solo progetto di tal Jonathan Collins, factotum musicale, qui coadiuvato da alcuni ospiti, tra cui, immagino anche la sorella, Alice Collins, che presta i suoi soavi vocalizzi nell'eterea e ingannevole opening track. Ingannevole per la leggerezza e sensualità che la contraddistingue, e che verrà spezzata dall'oscurantismo sonoro di "Antithesis", la song che traccia il percorso musicale che gli Aeurtum intendono tracciare, un death doom dalle cupe linee progressive. Virtualmente influenzato dagli esordi del trittico Anathema, My Dying Bride e Paradise Lost e dagli ormai immancabili Saturnus, Jon esibisce tutto il suo armamentario sonoro alla ricerca di uno stile che sia in grado in primis di catturare l'emotività dell'ascoltatore e direi che le chitarre solistiche riescono in pieno in questo proposito. In secondo luogo, credo che il mastermind britannico voglia buttar fuori, attraverso la propria musica, quel nichilistico senso di perdita che ne avvinghia l'animo inquieto. Il risultato non è certo dei più facili da assimilare, anzi talvolta risulta ostico da digerire, segno comunque di una ricerca sonora quanto mai scontata. Citavamo i gods del passato dai quali Jon prende spunto, e da qui si allontana cercando di inseguire e definire un proprio personalissimo sound che trova sfogo nei malinconici fraseggi di "Within the Ashes of the Deadwood" (ove di nuovo Alice presta la sua voce, cosi come pure nella title track) che apre con un classico riffing doom che si rifà proprio ai già citati Black Sabbath, mentre i vocalizzi del frontman si muovono tra il growling viscerale (un must per il genere) e qualche urlo demoniaco, che sinceramente avrei omesso. La ritmica è abbastanza andante, ma tenete presente che si muove più verso il fondo (dell'anima?) che in estensione, anche se "Shade of a Behemoth" gode di una certa dinamicità che non ne guasta affatto la riuscita; tra l'altro fa capolino in questa song anche un cantato in sussurrato. Lontano dagli estremismi funeral, 'The Depths of Which These Roots Do Bind' è un lavoro che offre una valida alternativa alle cavernose band provenienti dall'est Europa, un disco che va ascoltato e ascoltato più volte, per poter solo lontanamente carpire il poliedrico e intimistico mood di Mr. Collins, che trova modo di sfogare la propria rabbia nella selvaggia "…of Ebony Branches & Bone" per poi rabbonirsi (relativamente) nella successiva title track, in cui sembra vedersi un pizzico di luce in più negli occhi del bravo Jonathan, sensazione confermata anche dall'ascolto dell'ultima lunghissima e quasi spensierata, "Frozen into the Grain" (alla fine la mia preferita), che degnamente conclude un disco che apprezzerete di sicuro solo dopo alcuni svariati passaggi nel vostro lettore. Per molti ma non per tutti. (Francesco Scarci)

(Insidious Voices - 2014)

Voto: 75

https://www.facebook.com/Aeurtum

Polaroids - I Still Have Dreams/In My Past Life

#PER CHI AMA: Hardcore, Ska Punk, Emo

Basta ascoltare "Fort Knight", 1’:39’’ di furioso hardcore punk melodico, per capire da dove arriva il nome della band: quelle dei Polaroids, infatti, sono istantanee di vita quotidiana, che riescono a catturare sguardi, espressioni, colori ed emozioni in modo estremamente diretto e sincero. Il loro primo album 'I Still Have Dreams' si compone di 10 brani veloci, potenti ed emozionanti. Lo stile oscilla di continuo tra l’hardcore e lo skate punk melodico, che spesso vanno a braccetto nei pezzi più “lunghi” (solo 3 su dieci superano i tre minuti, e altri 3 non arrivano a completare il secondo giro di lancette), sposando vocals strozzate in stile quasi screamo ad altre invece più pulite e ariose (come nell’ottima "Red Herring"). Quando poi schiacciano forte sul pedale dell’intensità emotiva, complici testi densi e tormentati, riescono a cambiare marcia e allora è davvero difficile rimanere indifferenti di fronte a "Soul Mates", la sofferta "Immigrant Song pt.II", "Blue Period" o "Rearview". C’è anche spazio per la splendida strumentale "Somnia", che chiude come meglio non si potrebbe un disco intenso. L’Ep 'In My Past Life', uscito all’inizio del 2014, non sposta la questione e regala un’altra decina di minuti (per 4 tracce) di hardcore e struggimenti post-adolescenziali da cameretta. Questi ragazzi del New Jersey suonano con una passione che traspare da ogni piccolo particolare, a partire dall’artwork dei loro CD-r, realizzati come se fossero delle vere e proprie fotografie Polaroid e riccamente corredati di testi e informazioni, il tutto in perfetto stile DIY. La cura del dettaglio è poi evidente anche nella loro musica, registrata benissimo, e nella varietà della strumentazione usata, che arricchisce il suono in densità e profondità, un suono che si stratifica sovrapponendo chitarre elettriche e acustiche, percussioni, pianoforti, perfino un contrabbasso. Impossibile non guardare benevolmente a realtà come queste, dove l’amore per la musica è talmente evidente da risultare commovente. Impossibile non volergli bene. (Mauro Catena)

(Self - 2013/2014)

Voto: 70

https://www.facebook.com/polaroidsnj

Endname - Demetra

#PER CHI AMA: Post-metal, Doom, Ambient

Un disco concettualmente diviso a metà: due lunghe tracce da una parte, due dall’altra, come suonate da band differenti (sono quattro tracce, ma è un full-lenght vero e proprio: l’intero lavoro dura quasi 45 minuti). I russi Endname sono in grado di mescolare ingredienti estremamente diversi in un unico flow strumentale che, strano ma vero, fila via dritto come un missile. 'Demetra' si apre con “Duplication of the World”: pesante e ossessiva, delirante nei tempi dispari, carica di intensità doom. A seguire “Union”: la traccia più complessa, dove distorsioni e ritmiche si inseguono per quasi 12 minuti di oscurità e groove, tra crescendo e calando di pulsazioni metalliche e sonorità nerissime. Ce ne sarebbe abbastanza per fare un EP, catalogabile banalmente come post-metal strumentale. Ma gli Endname osano di più e si avventurano in territori completamente diversi. La seconda parte del lavoro si apre con una lunghissima (17 minuti) suite ambient, “Forest”. Emerge il lato riflessivo e inquieto del terzetto di Mosca: campioni elettronici, suoni sottili, lunghi respiri del vento. La foresta è buia e avvolta nella nebbia, siamo soli nell’oscurità e qualcosa di terrificante sta per accadere. È “DOTW RX”: come un mostro che emerge dalla notte, gli 8 minuti della traccia di chiusura sono sconvolgenti e folli: dissonanze, lunghe cavalcate noise, disturbi elettronici. Pazzia pura, come nelle malate dimensioni alternative pensate da H.P. Lovecraft: si perde il senso del ritmo con la batteria completamente sfalsata, che accelera e rallenta ignorando il percorso degli altri strumenti per esplodere in un finale rumoroso e disturbante. Pur penalizzato qua e là da una produzione non sempre all’altezza della situazione, questo 'Demetra' è proprio un bel lavoro: rompe le regole del post-metal proponendo un ascolto complesso, difficile, denso di dettagli, stili, riferimenti. Un disco per pochi. (Stefano Torregrossa)

(Slow Burn Records - 2014)

Voto: 75

https://www.facebook.com/EndNameBand

Gilgamesh - The Awakening

#PER CHI AMA: Black/Death, Behemoth, Melechesh

L'epopea babilonese di Gilgamesh, che narra le gesta di un antichissimo e leggendario re sumerico, appunto Gilgamesh, alle prese con il problema che da sempre assilla l'umanità, la morte e il segreto dell'immortalità, mi ha sempre affascinato per quelle sue affinità con i testi biblici (diluvio universale, la pianta della vita e il serpente). Cosi dopo Melechesh e Absu, possiamo dare il benvenuto ai bavaresi Gilgamesh, che contribuiranno ad arricchire la nostra conoscenza in fatto di civiltà mesopotamiche. Se poi accanto all'aspetto prettamente culturale ci piazziamo anche quello musicale, corredato da un sound black death all'insegna dell'occultismo, statene sicuri, che questo potrebbe essere l'album che fa per voi. 'The Awakening' si apre col cielo oscurato da "Eclipse", una breve intro che mi riconduce con la mente a fantasticare su popoli e terre lontane. Mi ritrovo pertanto tra i palazzi di quella misteriosa civiltà di cui si sa che amasse profondamente la musica e io con loro. E cosi i nostri eroi finiscono per sfoderare una prova da paura, giocando ad annichilire gli ascoltatori con un attacco frontale fatto di muri di chitarre imperturbabili che macinano riff schiacciasassi su cui spicca l'ottima prova del drummer e della porzione d'asce che in "Astaroth", sciorina riff taglienti come la lama più affilata, dibattendosi con i blast beat ossessivi di Matthias Wedler, su chi possa primeggiare come migliore performance sonora. Vi dirò che è un pari merito: pesante, elaborata e serrata la batteria, frastagliate, chirurgiche ma assai melodiche, le chitarre. Aperta da un arpeggio dal sapore orientale, "Slaying in the Name of Ishtar" divampa col suo sound incendiario, che si muove tra il death bombastico, corredato da profondi vocalizzi growl che si alternano con clean vocals e arabeschi che arricchiscono la proposta del quartetto di Monaco. Mi piacciono parecchio questi Gilgamesh, mi inducono a riprendere in mano la lettura della mitologia mesopotamica. "The Astronomer" è un altro pezzo che merita menzione a se stante: rifferama melo death, porzioni corali e assoli da urlo, con le liriche che si affacciano su un mondo fatto di antichi e oscuri cerimoniali e il misticismo del culto delle divinità. Con "Aeons of Hate", il ritmo è leggermente più cadenzato, i mid-tempo si inframmezzano infatti al ripetuto e impazzito martellare sulle pelli, in un ritmo che va intensificandosi con chitarre perennemente in tremolo picking. La song però non emerge come le altre, fatto salvo per le scudisciate alle 6-corde del duo formato da Schorsch H. e Emanuel Daniele, quest'ultimo anche vocalist. "Evocating Enlil" parte in sordina, quasi in punta di piedi, come se si trattasse di un outro e cosi si comporta fino e oltre metà brano, in cui rinvigorisce in termini di energia e devastazione, mantenendo una certa epicità vocale. Con i quattordici minuti finali di "The Curse of Akkade" e il suo suono marziale accompagnato da una linea di chitarra magistrale, i nostri ci mostrano la loro veste più thrash oriented, con cavalcate che si muovono tra i primi Testament, miscelati con la ferocia dei Behemoth e i suoni orientali stile Orphaned Land, per un risultato che rappresenta la summa di un album, 'The Awakening", assolutamente da far vostro. Tecnicamente mostruosi, accattivanti da un profilo visuale, i Gilgamesh sono la new sensation che arriva da lontano, anzi no, da molto molto vicino. (Francesco Scarci)

(Self - 2014)
Voto: 85

http://facebook.com/gilgameshofficial

Oltrevenere - S/t

#PER CHI AMA: Rock, Teatro degli Orrori

Gli Oltrevenere sono stati una bella scoperta quando ho avuto la possibilità di calcare lo stesso palco durante un contest che hanno poi vinto. Il quartetto vicentino nasce nel 2009 e si rivela al grande pubblico nel 2014 con l'album in questione e tutta una serie di live per presentarlo. La loro musica è un mix di rock e cantautorato con chiari riferimenti ai Teatro degli Orrori, vecchi Litfiba e influenze prog della gloriosa scena italiana che fu qualche anno fa. I testi sono intensi e gli arrangiamenti graffianti, il tutto condito da suoni moderni ma non troppo. Si aggiunga anche un po' di sana elettronica come nel brano "L'Albero delle Mele", un mix di electro-industrial con un filo di pianoforte e voce, e i giochi sono fatti. Forse un esercizio stilistico o semplicemente la band ha voluto levarsi uno sfizio, anche perché la traccia poteva essere sviluppata maggiormente e diventare un brano con molto personalità. Passando agli altri brani, ci si imbatte ne "Il Sesto Giorno", la canzone con maggior tiro dell'intero album, potente e dalla ritmica che prende da subito l'ascoltatore. I riff sono in puro stile hard rock e il basso spara cannonate che ingrossano il sound del brano per tutti i quattro minuti di durata. L'assolo finale trasmette rabbia e nervosismo che vengono mitigati subito da un breve break di chitarra acustica che permette di tirare il fiato e arrivare alla fine della traccia. Poi arriva "Colt-Love" che apre con il basso che resta il protagonista indiscusso per gran parte della canzone caratterizzata da un'impronta più oscura e introspettiva, ma sempre con una possibilità di riscatto. Infatti gli Oltrevenere giocano molto bene sui cambi di ritmica e di riff, regalando tracce con molte sfaccettature che mettono in risalto anche le loro doti tecniche. I testi riescono a parafrasare tematiche comuni in maniera mai superficiale ed il vocalist interpreta i brani in maniera profonda, quasi teatrale, ecco perchè parlavo di somiglianza con Il Teatro degli Orrori. "Senza Fili" ricorda invece quelle atmosfere del rock italiano quando i Timoria e i vecchi Litfiba, ci regalavano delle gran chicche. Su quest'onda nostalgica, gli Oltrevenere elaborano a loro piacimento un brano ben fatto con qualche arrangiamento che odora di citazione alla storia del rock, il tutto discretamente amalgamato. Verso la fine i riff s'incattiviscono e ciò ci fa un po' rammaricare perché forse avremmo voluto tale energia sin dall'inizio. Resta il fatto che la band è tecnicamente preparata, ha cercato di crearsi una propria identità e questo album ne è la prova. Molto può ancora essere fatto e ora che sono usciti allo scoperto, dovranno dimostrare di che pasta sono realmente fatti. (Michele Montanari)

(Self - 2014)

Voto: 70

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Wrøng – Doomed From the Start

#PER CHI AMA: Grind/Hardcore, primi Napalm Death

Parlare di grindcore metal o noise per questa band è decisamente riduttivo. Di casa a Melbourne, Tim - bass / vocals - lyricist e Crispin - drums / vocals – editor, sfoderano nel 2014 ben sei opere devastanti tra singoli, e.p. ed album, tutte autoprodotte e dal copione selvaggio, iconoclasta e mostruosamente realistico. Un grido di rabbia e disperazione reso possibile distorcendo esageratamente ogni cosa, dalle voci alle trombette giocattolo, dai trapani elettrici al basso, senza nessuna remora o forma canzone, una illogica/logica contorsione intellettuale della forma sonora. L'amore per i primi Napalm death e per l'hardcore primordiale, uniti alla rumoristica sperimentale più oltranzista, quella che prevede tutto il rumore possibile nel più breve tempo possibile, ha voluto la genesi di questo album che a parer nostro risulta, nella sua inaccessibilità, una geniale follia sonica. Il suono è pregno di violenza ma non fine a se stessa, una crudeltà a scopo artistico, ispirata, incomprensibile e rumorosissima. Cercare il bandolo della matassa nelle sette tracce che compongono 'Doomed From the Start' nella sua durata di soli tredici minuti risulterà arduo, così se adorate il teatro dell'assurdo, sconcertante, profondo, riflessivo ed intelligente, adorerete anche quest'album, al contrario, il consiglio è di non ascoltarlo. Non troverete niente o poco di suonato veramente, niente di tecnicamente dotato, niente di stilisticamente corretto ma se avete amato gli albori rumoristici degli Einsturzende Neubauten (il paragone è valido solo tenendo conto dell'attitudine alla sperimentazione che accomuna queste due diversissime band), allora tuffatevi senza timore tra le sue fila rumorose, troverete la stessa voglia estroversa di far musica disagiata e di confine. Lasciatevi tentare a cuore aperto dal caos sonoro provocato dai due artisti australiani. Considerateli figli illegittimi dei Black Flag in super low-fi. Sparatevi in faccia questi loro brani che suonano come un bootleg degli Atari Teenage Riot registrato con un walkman anni '90 dentro una cantina, mentre emulano pezzi dei Napalm Death sbagliando il dosaggio dei distorsori di basso e batteria!?! Questa musica è avanguardia noise, hardcore per menti superiori, intelligenza che sfocia in rumore accecante, di bassa fedeltà, contornato da immagini underground eversive, musica catartica, evoluta per le orecchie di chi la saprà realmente apprezzare. Un'arma delicata e fatale chiamata rumore... Genialmente underground! (Bob Stoner)

(Self - 2014)

Voto: 80

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Amplified Memory - The Ever Spinning Wheel

#PER CHI AMA: Death Melodico, Dark Tranquillity, In Flames, Kalmah 

Gli Amplified Memory sono un combo proveniente da Monaco di Baviera, un five-piece dedito a un death metal melodico di chiara derivazione dai Dark Tranquillity. Lo si evince immediatamente da "Of Whirling Chaos and Glowing Stars", la seconda traccia, che richiama la band svedese nella sua forma primordiale, quella dei tempi di 'The Gallery', tanto per capirci. Questo non può che far piacere ai nostalgici di quelle sonorità, incluso il sottoscritto, che si esaltavano con quelle favolose galoppate melodiche che entravano a gamba tesa nelle nostre orecchie. Quindi ritmiche schiacciasassi - quasi mai iperveloci sia chiaro - sorrette da interessanti melodie, costruite da abili chitarre o da sognanti tastiere, come nel caso di "Heteronomous", che proprio nel break centrale, offre notevolissimi spunti, con un finale in crescendo che oltre risentire del richiamo di Mikael Stanne e soci, mostra anche qualche accenno folk (primissimi In Flames?), segno che la scuola di Goteborg in toto, costituisce l'influenza cardine per i cinque musicisti teutonici. Si perchè anche con le successive tracce, i nostri si divertono nel ringhiare con i loro strumenti, evocando le gesta mai dimenticate di act quali Ceremonial Oath ed Eucharist, altri due alfieri del death svedese. Belli i solos spianati in "Drowning the Appetence" o il refrain chitarristico sparato in faccia da "From Balance to Chaos", altra song che vede un ottimo break pianistico interrompere l'incedere nervoso dei nostri eroi, pezzo peraltro che garantisce un elevato godimento per le nostre orecchie in una serie di ubriacanti scale finale. Non vorrei tuttavia che pensaste che l'utilizzo delle tastiere rendesse alquanto ruffiano questo 'The Ever Spinning Wheel'. Gli Amplified Memory spaccano infatti di brutto, non eccedendo mai in fatto di velocità di esecuzione, piuttosto si divertono nel lanciarsi in una serie intrigante di cambi di tempo o di atmosfera: rarefatta e imperscrutabile nella lunga "Inscrutable Stones", più rilassata nella psuedo semi-ballad "Omniscient Stars". A parte le ottime sonorità, da sottolineare è anche la prova dei singoli musicisti, Wolfgang Paulini in testa, bravo dietro alle keys (soprattutto nella selvaggia "Ladon's Dream" song che più di tutte si rifà alla musica classica) ma soprattutto dietro al microfono, con la sua timbrica gutturale assai graffiante, che emula comunque gli albori dei Dark Tranquillity. Menzione poi per Simon Bodesheim e Christoph Lamprecht, che si rincorrono con le loro 6 corde in dinamici sali e scendi, neanche fossimo sulle montagne russe. Mentre scrivo, le song scivolano via armoniose, senza alcun intoppo, veleggiando nei lidi del melo death, arrivando a fare l'occhiolino anche ai mirabolanti Kalmah. Certo non tutto è oro quel che luccica: i suoni, come detto, sono molto spesso derivativi, in alcuni frangenti anche non perfettamente bilanciati e chi ha l'orecchio fine, potrebbe addirittura evidenziarne qualche piccola sbavatura nell'esecuzione. Tuttavia, stiamo parlando di un debut album di una band di ragazzi con un'età media di soli 22 anni, che si diverte nel suonare, cercando di emulare i propri eroi d'infanzia, sperando quanto prima di maturare il carisma e la personalità che ha reso grandi band quali Dark Tranquillity e In Flames. Che ci crediate o no, sono certo che gli Amplified Memory di strana ne potranno far parecchia, ovviamente se ben assistiti. Per ora gustatevi 'The Ever Spinning Wheel', un cd di 12 tracce (e quasi un'ora di musica) che certamente non vi annoierà. Buonissimo debutto. (Francesco Scarci)

(Self - 2013)

Voto: 75

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Godhunter/Secrets of the Sky – GH/0ST:S

#FOR FANS OF: Death/Doom/Sludge

There are some bands, that when you first listen to them, certain identifiable qualities immediately jump out you: you can often hear their prominent stylistic influences declare themselves clearly though certain parts of certain songs. This is not the case with Godhunter. It took me a long time for me to get some grasp of what they were trying to say in their "City of Dirt" release. Being an active songwriter and musician myself, I attempt to understand what an artist or band is trying to accomplish before I start to review them in writing. You immediately feel the power (and the dynamics) on the initial listen of this Godhunter release, but there is significantly more to be explored below the surface of the obvious. This isn't throwaway pseudo-Satanic claptrap (Venom) or gore (Cannibal Corpse) designed to appeal to an audience who just wants to be part of shocking mainstream social sensibilities while railing and rebelling against whatever they can, whenever they can. I wonder how many of those listeners and fans realize they've essentially adopted the original 1970s punk movement philosophy of nihilism and anarchy by becoming 'rebels without a clue'. Godhunter, in contrast, manages to be heavy and yet subtle at the same time, which is a rare mix: as metal isn't often known for its subtlety. It's what impresses me most about this band, yet makes them a challenge to do justice to in a review. Their heaviness seems to embody relevant and current political commentary, without coming across as either preachy or alienating to fans of multiple metal and rock genres. GH/0ST:S Varies between psychedelic, progressive, and extreme metal. The first track—"Pursuit/Predator"—indicates a psychotic transference of sexual desire into the thrill of killing another human being. This song is a good candidate for behavioral analysis by FBI profilers as depicted in the TV series "Criminal Minds"; as it is a very telling portrait of obsession and psychosis. There are elements of David Gilmour (Pink Floyd) reminiscent in the guitar playing, with some harkening back thematically to the Queensryche classic, "Operation Mindcrime". Overall, the music is very theatrical and moody throughout GH/0ST:S II. It's important to give the whole GH/OST:S release an uninterrupted and undistracted listen through headphones. It consists of only four songs, laid out for vinyl (two on each side): Side A (Godhunter): 1. Pursuit/Predator. The protagonist of the song transforms carnal lust into bloodlust. Opening narration: "I like killing people. It's so much fun. It's more fun than—hunting wild game in the forest: 'cause man is the most dangerous animal of all. To kill something, is the most thrilling experience. It's even better than getting your rocks off with a girl. I won't give you my name, 'cause you'll try to stop me...." Ending narration: "I wanna report a murder. She was—so beautiful. So I followed her home last night and I shot her in the head with my .45. She's lying here now, next to me; bleeding, not breathing. She was—so beautiful. Goodbye...."; 2. GH/0ST:S Side B (Secrets of the Sky) 3. The Star; 4. GH/0ST:S II. Narration (starting around 7:13 into song), "Impulsive. Sighing, he glanced at the police psychologist's report on the recent desecrations at Holy Trinity Church...." although I had trouble hearing some of the words in this piece of narrative it gets rather graphic and rude...alluding to a sexualized satanic influence in the murder alluded to on the "Godhunter", side (here on the "Secrets of the Sky" side) without making it sound contrived, or necessarily supportive of Satanism. I wonder if Godhunter chose to spell the album title this way (putting a slash after the "GH", substituting a zero for the letter "o", and putting a colon between the "T" and "S") to minimize confusion with the 2008 NIN (Nine Inch Nails) Release "Ghosts I-IV".... Also, why wasn’t this release, as it goes back and forth between driving metal and reflective psychedelia—perhaps reflecting the wild mood swings of the protagonist in this story—instead entitled "Mind of a Madman" or "Memoirs of a Sociopath”: unless perhaps both already taken? This is definitely an album to reflect upon, as there is a story worth hearing on here. (Bob Szekely)

(The Compound/Battleground Rec - 2014)

Score: 90

https://battlegroundrecords.bandcamp.com/album/godhunter-secrets-of-the-sky-gh-ost-s