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lunedì 4 febbraio 2013

Miroist - The Pledge

#PER CHI AMA: Djent, strumentale
Mi sembra di essere quasi un drogato in questo periodo, si di musica però e di non riuscire a farne proprio a meno. Ecco perché sto recensendo davvero tutto quello che mi capita a stretto giro d’ascolto. Quindi, imbattermi oggi in questi sconosciutissimi Miroist e rimanerne addirittura folgorato, direi che è davvero una botta di fortuna. “The Pledge” è un EP strumentale di soli tre pezzi, che rimette in auge un genere, che dopo i botti del 2011, targati Tesseract, Uneven Structure e Vildjartha, pare essersi un po’ perso per strada. Sto parlando ovviamente del djent e delle multiformi chitarre polifoniche che da sempre mi fanno impazzire, quando sono ben suonate e in grado di disegnare armoniose linee melodiche. E i qui presenti Miroist, di sicuro sanno il fatto loro, come imbracciare la propria strumentazione e come farla suonare nel migliore dei modi, trasudando alla fine, groove da tutti i pori. Mancherà anche un vocalist in questa release, ma ad un certo punto chissenefrega, io sbatto il cranio avanti e indietro come un pazzo furioso e mi lascio guidare dalle eccellenti melodie, dai funambolici stop’n go e dalle pestanti ritmiche del tentacolare polpo Miroist. (Francesco Scarci)

domenica 11 novembre 2012

The Reset - Progenitor

#PER CHI AMA: Djent, Progressive Death, Tesseract, Meshuggah
Un grazie a Simone Saccheri (chitarrista degli (Echo)) per avermi suggerito questa giovane band proveniente da Orlando (Florida), autrice di un buon EP d’esordio, capace di miscelare ritmiche brutal death con le sonorità polifoniche del djent (scuola Meshuggah), con spaventosi cambi di tempo, il tutto eseguito in poco più di 12 minuti di tempesta elettrica. Il lavoro si apre con la strumentale “Materia” che permette immediatamente di identificare il genere proposto dall’act statunitense; la song cede il passo, dopo un paio di minuti di bombardamento a tappeto, stemperato solo da ipnotiche keys, alla ancor più ferale “Relativity” che con le sue chitarre ribassate, il growling oscuro di Steven McCorry, e il suo dilaniante incedere psicotico e al contempo efferato (grazie ad una ritimica mega serrata), ha lo stesso effetto di una pesante bastonata dietro alle ginocchia, mi ha piegato in due. La terza “Satcitananda” apre come il ruggito di un leone, ma con la sorpresa di clean vocals (stile Tesseract), con le chitarre che persistono nel loro gioco ubriacante di fraseggio e passaggio da una parte all’altra delle mie cuffie, portandomi al più totale disorientamento. Ancora l’effetto che percepisco al termine di questa song è quella di essere stato incappucciato, fatto girare decine di volte su me stesso, qualche bastonata qua e la, e poi, tolto il cappuccio, mi ritrovo collassato sul pavimento. La conclusiva “Imperium” continua su questo binario, ma sembra la meno convinta del lotto (anche in fatto di vocals non del tutto convincenti), comunque apprezzabile il lavoro in fase tecnico-compositiva, che conferma che per proporre un simile genere, sia necessario avere le palle quadrate. Veloci ma essenziali. (Francesco Scarci)

(Self) 
Voto: 70

lunedì 29 ottobre 2012

Living Corpse - And Everything Slips Away

#PER CHI AMA: Metalcore/Post-hardcore, Bring Me Horizon
“L’italia s’è desta, de l’elmo di Scipio s’è cinta la testa…” Orgoglio italiano. Si, perché con i Living Corpse posso tranquillamente affermare che il gap con gli Stati Uniti è stato colmato anche in ambito musicale, più specificatamente nel metalcore e già con l’iniziale e apocalittica, nei suoni ribassati e nel riffing meshugghiano, “Human Conception”, mi rendo conto di avere fra le mani un piccolo gioiello. L’aggressione ai nostri timpani è evidente già da subito, se non fosse per un chorus assai strano (sembra si tratti di ragazzini), che funge da break alle mitragliate onnipotenti dei nostri. Poi l’apoteosi con una sorta di solo conclusivo con il chorus quasi pink floydiano (“The Wall”) che si ripete. Neppure il tempo di rifiatare e il sestetto nostrano ci attacca al muro con “Smile to the Victory”, song che produce un riffing abbastanza convenzionale, ma che tuttavia si lascia ricordare per la comparsa di una voce femminile e di sonorità addirittura vicine all’electro music. Ebbene, per chi come me che aveva le orecchie sature di questo genere di suoni, parlo dell’ormai sterile metalcore, sembra che i Living Corpse abbiano trovato il modo per poter ridare vita ad un movimento che consideravo ormai morto. Vuoi anche perché il metalcore dei nostri si sporca con sonorità post (hardcore e metal) e djent, fatto sta che non posso negare di essere stato conquistato immediatamente dal sound dei Living Corpse. Gli ingredienti del genere ci sono tutti: oltre al riffing massiccio ma stracarico di suoni catchy e ricolmi di groove, ritmiche serrate e stop’n go, non manca infatti il dualismo vocale fra il growling arrabbiato (ma in taluni tratti anche cibernetico) e quello pulito e ammiccante , del duo Lorenzo Diego Carrera ed Erik Castello. Ovvio che le linee melodiche e un po’ ruffiane di chitarra non manchino, cosi come pure delle aperture malinconiche e atmosferiche (ascoltare “Set me Free”) appaiono a sprazzi nel disco, ma soprattutto ottimi, i brevi assoli che chiudono il più delle volte i brani. Sono al quinto pezzo e non posso esimermi dallo scuotere la testa, colto da un raptus improvviso di headbanging sfrenato in un pezzo, “The Light of the Answers” che si dipana tra sonorità squisitamente post hardcore e qualche fraseggio alla Dark Tranquillity. Strano ma vero. Ottima e piena la produzione, ad opera di Ettore Rigotti (Disarmonia Mundi), cosi come pure elegante il digipack scelto. “Nothing” è un bell’intermezzo strumentale di un paio di minuti, che si scosta dal resto dell’album e introduce “How the Hell Are You Gonna Pay Your Dues” che ha un attacco quasi thrash, prima di spezzare il proprio riffing con la classica ritmica di scuola Meshuggah; ma i nostri sono indemoniati e la matrice della ritmica alla fine acquisisce connotati death metal. Bel pezzo tosto, che mette in luce le notevoli doti tecniche dell’ensemble italico. Le song scivolano via che è un piacere, attraverso pezzi brevi che si stampano immediatamente nella mia testa e il più delle volte mi fanno sussultare per alcune trovate che esulano dal genere, dando pertanto maggior vigore, impeto ed originalità, all’interno di una scena ormai povera. Si insomma, per una volta non metto sotto torchio una band metalcore, quasi un miracolo per il sottoscritto e questo non fa altro che andare a incensare la proposta dei Living Corpse e a riempirmi di orgoglio nazionale. Le mie ultime segnalazioni vanno al pianoforte che chiude “How Rise the F**k Up!”, al chorus piacevole di “Forgetting” che si stampa su una ritmica quasi brutale e alla splendida chiusura strumentale di “Ax”, che sancisce l’abilità, la freschezza di idee e la tecnica di un combo, che deve avere assolutamente il destino segnato, quello della vittoria… (Francesco Scarci)

(Coroner Records) 

domenica 22 aprile 2012

Sunpocrisy - Samaroid Dioramas

#PER CHI AMA: Post Metal, Tool, The Ocean, Isis
Grazie. Grazie per il meraviglioso album che i Sunpocrisy hanno saputo concepire, che va ben oltre le più rosee aspettative che mi ero creato con il precedente Ep. Un grazie a questa band perché, con “Samaroid Dioramas”, ha dimostrato che in Italia abbiamo delle realtà che possono tranquillamente competere con le band americane, svedesi o tedesche che siano. E infine un grazie perché ero stato buon profeta nella recensione del primo Ep, dicendo che la band era da tenere sotto stretto controllo e l’eco che questa uscita ha avuto nel web, è un’ulteriore riprova di quanto scrivevo e della ottima qualità del cui presente lavoro. Ma, andiamo pure con ordine. Avevo lasciato i nostri nel 2010 con “Atman”, un EP di quattro pezzi che mischiava riff death metal ad ambientazioni di “toolliana” memoria, il tutto cosparso di una diffusa psichedelica malinconia. Il nuovo album, oltre ad aprirsi con un atmosfera che sa molto di suoni tribali degli aborigeni australiani, esplode ben presto la propria furia con “Apophenia”, che mette subito in chiaro la direzione musicale intrapresa dal sestetto bresciano. Mi spiace ma ora davvero non ce n’è più per nessuno: non guardo più verso Berlino con invidia per i The Ocean, verso la Western coast degli US per i Tool o la Eastern per gli Isis, o ancora verso nord a Umea, pensando che là ci sono band del calibro di Meshuggah o Cult of Luna; a casa nostra ora abbiamo i Sunpocrisy, che partendo, senza ombra di dubbio dagli insegnamenti dei gods appena citati, sfoderano una prova a dir poco magistrale. I Sunpocrisy hanno fatto il botto e lo dimostrano le mazzate inferte già in “Apophenia”, che miscela suoni rabbiosi, tribali, psichedelici, infarciti da meravigliose, suadenti melodie, che mi mettono subito a mio agio, mi fanno rilassare, anche se il growling poderoso di Jonathan, sbraita come un ossesso e le chitarre “grattano” minacciose con sommo piacere. Ci pensano poi quelle ipnotiche melodie di synth ad insinuarsi nei miei neuroni, scorrere lungo gli assoni fino al terminale nervoso responsabile del rilascio di quei neurotrasmettitori, che mi inducono al piacere sublime. Non so cosa sia successo ai nostri, se siano stati folgorati sulla via di Damasco o cosa, so solo che nelle sette tracce (più intro) qui contenute, se ne sentono di tutti i colori. Tempi dispari di scuola “meshugghiana”, che dimostrano l’ineccepibile qualità tecnica del combo lombardo (arricchitosi tra l’altro di un terzo chitarrista e di un uomo dietro ai sintetizzatori), atmosfere ariose che surclassano di molto la performance del nuovo Ep dei The Ocean; una prova eccezionale del vocalist, abile a passare da un growling efferato a splendide clean vocals. “Φ – Phi” è un ulteriore esempio di quanto il combo sia maturato enormemente nel corso di questi ultimi due anni, dell’abilità in chiave esecutiva raggiunta (da saggiare a breve anche in sede live) e di quanto i nostri si sentano comunque a proprio agio nella gestione di pezzi di lunga durata, con quattro tracce della durata media di 10 minuti e quanto siano eccellenti anche in quelle song che fungono da collante nel cd (“Vertex” o “Trismegistus”). I Sunpocrisy sembrano una band di veterani, che calca la scena da qualche lustro. La maturità della band si saggia anche con lo strepitoso trittico finale di brani, che partendo dalla corrosiva e schizoide “Samaroid”, si spinge verso lidi di raffinatezza esagerata, con la successiva “Samaroid/Dioramas”, in cui l’eco dei Tool è sicuramente forte, ma lo è pure la personalità dei nostri, che emerge prepotente nel corso della traccia, che fa dell’espediente emozionale iniziale, l’elemento catalizzatore, con le vocals sofferte di Jonathan, accompagnate da una ritmica dapprima malinconica, poi furente, ma sempre nostalgica. A chiudere questo capolavoro, che mette in sella i nostri nell’essere indicati come vera e propria sorpresa dell’anno (e a mio avviso anche disco del 2012), ci pensa “Dioramas” che decreta il livello eccelso raggiunto dall’ensemble nostrano, incredibili musicisti in grado di spaziare tra il post metal, un residuo quasi impercettibile di death, la psichedelia onirica dei Pink Floyd, il djent dei Meshuggah, con quelle sue chitarre polifoniche e la componente depressive stile primi Katatonia, che avevo già sottolineato nella prima recensione. Che altro dire, se non che questo “Samaroid Dioramas” è forse l’album perfetto (anche in chiave grafica con un booklet avveneristico) che attendevo da tempo immemore… Guai a voi ora se non vi avvicinerete ai Sunpocrisy. Uomo avvisato… (Francesco Scarci)

(Self)
Voto: 95
 

giovedì 19 aprile 2012

Eric Castiglia - The End Of Our Days

#PER CHI AMA: Death/Progressive/Heavy/Black
Eric è un tranquillo ragazzo romagnolo, che ha una grande passione (forse due, ma sorvolerò sulla seconda), la musica. Non solo è infatti chitarrista nei seminali Sedna, nei White Noise e chissà quant’altri progetti, ma ha pensato bene di convergere la sua voglia di suonare anche nel suo progetto solista, questo “The End of Our Days” e devo dire che il risultato è a dir poco entusiasmante. Prendendo una drastica distanza da quanto suonato nella sua band “madre”, i Sedna, Eric pesca a piene mani dal panorama mondiale, reinterpretando il tutto un po’ a modo suo e il risultato che ne viene fuori ha a dir poco del sorprendente. Se nella opening track, “God Won’t Save You” emergono delle sonorità death gothic, man mano che ci si addentra in questo lavoro emergono forti i gusti del buon Eric: Scar Symmetry, Meshuggah, Devin Townsend, Raunchy, musica djent e progressive, black ed elettronica, passando dal pop di anni ’80 e dall’heavy classico. Un pour porri di generi che hanno ben poco da condividere tra loro, ma che nella release di Eric, trovano il modo di incastrarsi alla perfezione. Esterrefatto si, questa è la parola giusta ascoltando e riascoltando il cd, che da settimane è in cima ai miei ascolti. Bravo Eric, mi hai davvero impressionato e se con “Broken Hourglass”, mi sembra di ascoltare un bel pezzo hard rock anni ’90 con delle belle vocals corrosive, con la successiva “Vaccumba” ci spostiamo in territori cyber death con il growling del mio nuovo eroe che si alterna a delle clean vocals in Scar Symmetry style. Ruffiano? Può anche essere, ma a me sinceramente non me frega nulla, anche quando il mastermind si cimenta con la bellissima e riuscitissima cover dei Talk Talk, “Such a Shame”. Vai alla grande Eric, continua cosi. Eh si perché il factotum cesenate, ci delizia con “The Seventh Gate”, song dal forte sapore nord Americano, quello del folletto canadese Devin Townsend però. E quindi potrete capire la genialità della proposta e anche la grande capacità che ha di conquistare le mie orecchie, ormai abituate a devastazioni varie in ambito black. Breve pausa strumentale di ampio respiro prima della violenza controllata di “Coward Circus” dove a fare la comparsa c’è uno screaming acido, tastieroni dal sapore black sinfonico e passaggi di velata e oscura malinconia, nonché di follia dirompente nella parte conclusiva del brano. Sono frastornato dalla capacità di picchiare ed essere al contempo eterogenei e originali. “No One Like You… Because You’re Nothing” ci conferma l’amore di Mr. Castiglia per le sonorità claustrofobiche e devastanti di Meshuggah e compagni, mentre la successiva “The Pulse of Time” sembra estratta da “Killers” degli Iron Maiden, prima di abbandonarsi in una splendida epica cavalcata strumentale, in cui lo splendido lavoro alle chitarre di Eric, si esplica in una serie di riff che si rincorrono alla velocità della luce in un orgasmo caleidoscopico. Ancora stordito dalla montagna di riff calati dal guitar hero italiano, ecco lanciarmi negli ultimi due pezzi, dove ad assurgere il ruolo di co-protagonista accanto alle chitarre ci sono anche le tastiere, ben presto relegate in secondo piano per dar modo alla furia di esplodere potentemente. A chiudere questo eccellente album ci pensa la title track, che conferma nuovamente le ottime idee di questo ragazzo che deve comparire al più presto all’interno delle vostre liste di cd da acquistare. Obbligatoriamente da far vostro! (Francesco Scarci)

(Self)
Voto: 85
 

domenica 19 febbraio 2012

Gardenjia - Ievads

#PER CHI AMA: Djent, Meshuggah, Vildjartha
Finalmente anche l’Italia mostra i primi segni di contaminazione djent e ne abbiamo la prova con i brindisini Gardenjia, che hanno rilasciato da poco questo EP di quattro pezzi, tra i quali vi è contenuta anche la cover degli Heroes del Silencio, “Entre dos Tierras”. Il cd si apre con la traccia omonima e i nostri baldi giovani mostrano da subito i muscoli attaccando con una intricatissima ritmica da paura, in pieno stile “Meshugghiano”: tempi dispari, chitarre polifoniche super distorte, stop’n go palpitanti, atmosfere claustrofobiche e la voce al vetriolo (ma anche pulita) di Raffaele Galasso; pazzesche linee di chitarra e assoli schizofrenici completano il quadro, da fine del mondo della prima monumentale traccia. Signori, cha band esplosiva ho tra le me mani. Attacca “A Beast Called Man” e accanto alle influenze di scuola scandinava, costantemente corredate da un’ottima tecnica individuale, di cui voglio esaltare l’eccellente prova fantasiosa del drummer Antonio Martire, trovano spazio anche divagazioni in territori un po’ più progressivi, pur mantenendo comunque un lacerante e al contempo malinconico substrato musicale. “Stones as Dry Leaves” apre ancora con la delicata irruenza di matrice djent; mi vengono in mente i Vildjartha più rilassati e gli Uneven Structures più ipnotici, due band che lo scorso anno mi hanno fatto venire le vertigini, e se posso essere sincero, i Gardenjia non sono poi cosi tanto lontani dalle performance dei colleghi nord-europei, anzi vorrei sottolineare la capacità del trio pugliese di spingersi oltre, con schegge contaminate dal crossoverizzato sound degli ultimi Cynic, spaziali. A chiudere il cd ci pensa l’inopportuna cover degli Heroes del Silencio, che mi lascia un po’ cosi, perplesso: sicuramente l’ho fischiettata piacevolmente poiché erano anni che non la sentivo, ma sinceramente non capisco il motivo di includere questa song all’interno dell'EP. A parte questo, ora mi aspetto il rilascio di un full lenght vero e proprio in modo tale che quel 75 là sotto, possa schizzare un po’ più in alto… (Francesco Scarci)

domenica 22 gennaio 2012

Nerve End - Axis

#PER CHI AMA: Djent, Experimental, Swedish Death, Devin Townsend
Ma quante diavolo di band ci sono in Finlandia (e dire che sono poco più di 5 milioni di abitanti), ma soprattutto come è possibile che il livello qualitativo medio sia sempre cosi elevato? Domande a cui non riuscirò mai a dare delle risposte, ma ben venga, se ogni giorno troverò chi sia in grado di infondermi piacere con una semplice proposta musicale. I Nerve End arrivano dalla sconosciuta cittadina di Joensuu e un paio di mesi fa hanno rilasciato questo inaspettato EP (il secondo) di quattro pezzi in un pregevole formato digipack. La proposta del quartetto lappone? Beh semplice no: prendete la follia di Devin Townsend, delle belle schitarrate djent, tonnellate di riff catchy e grondanti atmosfere grooveggianti, il tutto spruzzato da una melodia squisitamente swedish (scuola In Flames) e bagnato in sonorità progressive, et voilà i giochi sono fatti, che ne dite? Sulla carta sembra facile, ma vi garantisco che servono le palle quadrate per proporre un simile sound e i nostri sembrano proprio avere gli attributi giusti per promuovere questo tipo di musica. La classe d’altro canto non si compra al mercato, è insita nei nostri e se alla base non ci fossero degli ottimi musicisti, con le due asce che si intrecciano in sofisticati giochi chitarristici, con la voce di Joonas a richiamare quella del genietto canadese, e con una sezione ritmica (basso e voce) esplosiva, saremo qui a parlare di una qualsiasi anonima band proveniente da un qualsiasi anonimo paese del mondo. Ma i Nerve End, con i loro quattro pezzi (e solo per questo mi sono mantenuto basso col voto), sfoderano una prova convincente al secondo tentativo (l’EP del 2010 non ho ancora avuto modo di ascoltarlo, ma andrò di sicuro a recuperarmelo). “Venom Willow”, “Axis of Rotation” forse i pezzi migliori: intraprendenti, imprevedibili, folli, forse già pronti a strappare lo scettro al buon Devin, grazie ad una proposta davvero convincente. Esaltanti! (Francesco Scarci)

(Self)
Voto: 75
 

venerdì 23 dicembre 2011

(EchO) - Devoid of Illusions

#PER CHI AMA: Death Doom, Swallow the Sun, Saturnus
Dopo averli visti un paio di volte live (ora li aspetto con gli Agalloch), averli avuti ospiti nella mia trasmissione radio, non potevo esimermi dal recensire il debut album dei bresciani (EchO), che hanno voluto fare le cose in grande sin da subito: prodotti alla stragrande da Greg Chandler degli Esoteric (che sarà anche guest star in una delle song del cd) e registrati ai Priory Recording Studios, in UK, cover art cd affidata ad Eliran Kantor (Testament, Atheist, Sodom, Xerath tra le sue opere), il sestetto nostrano gioca immediatamente tutte le proprie carte vincenti. Il nome deriva da quello della ninfa delle Oreadi della mitologia greca, famosa per essersi innamorata di Narciso, con le parentesi invece ad indicare l’onda sonora che si propaga. Per quanto riguarda la musica invece, ci troviamo di fronte ad un album che potrebbe essere idealmente suddiviso in due parti: una prima metà che si rifà alle sonorità death doom nordiche (e mi vengono immediatamente in mente Swallow the Sun e Black Sun Aeon), cosi pregne di malinconia e dalle forti tinte invernali, caratterizzata da un’inclinazione post rock; una seconda metà invece un po’ più aggressiva, ma entriamo nel dettaglio, perché dopo la consueta intro, ci tuffiamo all’interno dell’(EchO) sound con “Summoning the Crimson Soul”, una song che mostra subito l’attitudine spinta della band di abbinare riffoni di scuola “Meshugghiana” con una spiccata vena atmosferica, grazie alle ottime tastiere di Simone Mutolo, per poi insabbiarsi nel torpore del doom che caratterizza da sempre le uscite dell’etichetta russa. Con “Unforgiven March” emerge anche una certa disposizione dei nostri ad addentrarsi in territori quasi funeral, con un sound nero come la pece, che comunque si mantiene sempre melodico con la voce di Antonio Cantarin veramente superlativa sia in fase growling che cleaning. Cenni dei primi My Dying Bride si mescolano con “Serenades” degli Anathema e frangenti acustici alla Saturnus, per un risultato finale davvero da paura. Sono rapito dalla scorrevolezza dei pezzi, pur trattandosi di un genere non cosi accessibile a tutti i palati e comunque dallo spessore della musica proposta da una band che esiste solamente da fine 2007 e che già mostra doti da veterana. Si prosegue con “The Coldest Land” e ancora emerge forte l’ecletticità di Antonio alle vocals con una performance che rischia seriamente di coinvolgere non solo gli amanti del genere death doom, ma che può richiamare (anzi deve richiamare) fan da generi decisamente più melodici. Tutto suona alla perfezione grazie alla cristallina produzione ma anche al fatto che i nostri sono ottimi musicisti e lo dimostrano sia nelle fasi più movimentate che in quelle più eteree; i giri strazianti delle chitarre si insinuano nelle nostre orecchie e sono certo che non ci lasceranno più e come con il sottoscritto vi ritroverete a fischiettare alcuni giri di chitarra meravigliosi, prima di abbandonarvi ad un finale contraddistinto da un climax ascendente di emozioni, legato ad un altrettanto eccellente lavoro dei due axemen, Simone Saccheri e Mauro Ragnoli. Sono estasiato, non so che dire, il sound degli (EchO) mi ha conquistato e divorato, per quel suo essere in costante movimento, alla ricerca di continue soluzioni per sorprendere l’ascoltatore (ascoltate l’ipnotica progressiva “Internal Morphosis” con il successivo finale dirompente di scuola djent, fantastica). Ancora un altro pezzo veramente elegante ed intelligente è rappresentato da “Omnivoid”, contraddistinto da quel suo incipit sempre estremamente atmosferico ed onirico, che ben presto lascerà posto alla furia dilagante di una splendida ritmica (sempre controllata e melodica sia ben chiaro), con ancora una volta un lavoro magistrale alle tastiere, soprattutto nella sua parte conclusiva dove ancora le chitarre ultra ribassate danno un contributo eccezionale al brano. Sempre più galvanizzato vado avanti con l’ascolto, abbandonandomi alla disperata “Disclaiming My Faults”, una sorta di semi-ballad, dove accanto a dei suoni forse un po’ troppo ruffiani (all’inizio, prima del selvaggio finale) – lo stesso leggasi per la successiva “Once was a Man” -, vorrei sottolineare nuovamente la perizia vocale del bravissimo Antonio, con un’estensione canora notevole. Menzione finale per “Sounds From Out of Space”, dove il cantato catacombale del bravo Greg aleggia nei primi minuti di questo album che mi sento di consigliare a tutti gli amanti della musica metal, dal gothic al death, passando da black e doom. Ottimo debut, senza dubbio; se poi consideriamo che sono italiani, non possiamo che esserne fieri! (Francesco Scarci)

(BadMoodMan Music)
Voto: 85

domenica 23 ottobre 2011

Circles - The Compass

#PER CHI AMA: Djent, Progressive, TesseracT, Dillinger Escape Plan, Periphery
L’Australia è da sempre sinonimo di ventata d’aria fresca e innovativa: basti pensare ai primi anni ’90 quando da Camberra saltarono fuori gli Alchemist e poi più recentemente i grandissimi Ne Obliviscaris e i Silver Ocean Storm. E ora è il turno di un’altra eccezionale band, i Circles, che con “The Compass” arrivano al debutto per la Basick Records. Muovendosi in territori musicalmente molto vicini al djent, sfoderano una prova a dir poco entusiasmante, molto probabilmente attribuibile in primis alla forza e bravura del cantante, che è bravo nell’alternarsi tra un growling possente (assai raro a dire il vero) e un cantato molto vicino a quello di Mike Patton. La musica poi è schizoide, imprevedibile, con dei riffoni ultra ribassati, stop’n go disorientanti, ritmi sincopati, cambi di tempo mozzafiato, che ci fanno passare da momenti tirati, improvvisamente a delicati attimi di romanticismo, quasi da non credere. Si, ne voglio di più, perché a partire dalla magnifica opening track, “The Frontline”, passando attraverso “Clouds are Gathering”, fino a giungere alla conclusiva “Ruins”, i Circles offrono una prova magistrale su tutti i fronti: ottima musica, con delle melodie estremamente indovinate, tecnica eccelsa (requisito fondamentale per suonare questo genere, altrimenti vi prego astenersi, please), una perfetta produzione con un suono cristallino che enfatizza enormemente il risultato finale di un EP, che ha il solo difetto di non essere un full lenght, perché tanta e grande è la voglia di ascoltare la musica di una band, che sa prendervi per mano, sedurvi con un paio di smancerie (la presunta semiballad “Act III”) per poi prendervi a mazzate sul muso, con una miscela entusiasmante di suoni che dal djent si dirigono verso il progressive, techno metal. Accattivanti, tanto quanto (forse anche di più) dei TesseracT o dei ben più famosi Periphery, i Circles vi conquisteranno al primo ascolto, posso metterci la mano sul fuoco e so che non mi brucerò. Sono arrivato al termine di questo cd e soffro già di crisi di astinenza, quindi che fare? Meglio premere nuovamente il tasto play e lasciarsi conquistare dalla genialità di questi cinque straordinari musicisti australiani, di cui sentiremo certo parlare a lungo in futuro. Mezzo voto in meno perché si tratta di un EP. Fenomeni! (Francesco Scarci)

(Basick Records)
Voto: 85

giovedì 21 luglio 2011

Meshuggah - Catch Thirty-Three

#PER CHI AMA: Djent, Techno Death
Avevo 16 anni, quando acquistai nell’estate del 1991, il primo Lp dei Meshuggah, “Contradictions Collapse”, album pesantemente influenzato dai primi lavori dei Metallica. Da allora di acqua ne è passata sotto i ponti fino a condurre il combo svedese a rappresentare una delle più importanti e influenti band in ambito estremo. Oggi ripeschiamo “Catch Thirty-Three”, che rappresenta una delle tappe che hanno portato alla consacrazione definitiva il quintetto scandinavo, anche se tuttavia questo lavoro non è uno dei più brillanti fin qui partoriti. Di primo acchito, ci si rende subito conto che per assimilare i 47 minuti che compongono l’album, servono ripetuti e ripetuti ascolti. La musica non differisce più di tanto dalle precedenti release: si rende solo più arzigogolata e schizzata, talvolta snervante al punto tale da farmi spegnere lo stereo e riprendere fiato; e ancora, in altri frangenti (quando la band si ferma, e per 5 minuti si intestardisce a ripetere gli stessi 3 accordi) risulta noiosa e prolissa. Sicuramente questo è l’album più sperimentale dei 5 ragazzi di Stoccolma: allucinati riff di chitarra in primo piano (chitarre a 8 corde, accordate bassissime - downtuning) sorreggono una batteria totalmente impazzita (ottimo come sempre l’apporto di Tomas Haake dietro le pelli, a conferma del fatto che sia uno dei migliori batteristi in circolazione), e poi i classici controtempi su controtempi tipici dei Meshuggah, con i ritmi dispari, spezzati, e il cantato urlato di Jens Kidman sopra. Concludendo, “Catch Thirty-Three” rappresenta una tappa di avvicinamento al grandissimo "Obzen"; mi aspettavo qualcosina in più... Comunque, lo sapete anche voi, i Meshuggah o si amano o si odiano, voi da che parte state? (Francesco Scarci)

(Nuclear Blast)
Voto: 70
 

venerdì 8 luglio 2011

Hacride - Deviant Current Signal

#PER CHI AMA: Djent, Techno Death Progressive, Meshuggah, Cynic
Se oggi il djent esiste, non lo si deve solo ai Meshuggah, ma anche ai francesi Hacride, perciò ragazzi fermi tutti, se non avete questo album, tirate fuori i vostri taccuini e annotatevi assolutamente questo titolo. Quelli della Listenable Records, da sempre, vedono lontano e cosi dopo aver scoperto in passato Soilwork, Theory in Practice, Scarve e molti altri, ecco scovare nel proprio paese, anche gli Hacride. Era il 2005 e il combo transalpino, al debutto discografico, poteva essere additato erroneamente, come una clone band dei ben più famosi colleghi svedesi, ma ascoltando “Deviant Current Signal”, rimarrete folgorati anche voi dalla fantasia e della tecnica degli Hacride. Le otto tracce incluse vi coinvolgeranno con soluzioni quanto mai inusuali e innovative per il genere: la base di partenza è chiaramente il thrash/death preso a piene mani dagli insegnamenti dei costantemente citati maestri Meshuggah, con stop’n go, passaggi ipnotici, ritmiche serrate e le urla sempre molto simili al singer della band svedese. Ma poi, quando meno te lo aspetti, ecco uscire il coniglio bianco dal cilindro: in “This place”, la canzone più bella del lotto, troviamo passaggi atmosferici, orientaleggianti e un uso tribale della batteria; un folle sassofono si prende la scena in “Protect”, dove un fantastico basso (ispirato a Steve Di Giorgio) ricama insieme alle chitarre e alla batteria, una ritmica fenomenale. Ottimi assoli, sfuriate death, influenze alternative (alla Strapping Young Lad), ispirazione ai pazzi Mike Patton e Steve Coleman, rendono questo lavoro un ottimo lavoro, da avere assolutamente nella vostra collezione di cd. Un’eccellente produzione completa poi il quadro generale del debut dei francesi Hacride, un nome che presto sarebbe entrato nel firmamento delle grandi band heavy metal con altri 2 fantastici album... Geniali! (Francesco Scarci)

(Listenable Records)
Voto: 85

sabato 11 giugno 2011

The Interbeing - Edge of the Obscure

#PER CHI AMA: Cyber Death, Djent, Meshuggah, Fear Factory
La Danimarca non è famosa solo per aver dato i natali ad Amleto, King Diamond o Lars Ulrich, ma anche per avere una florida scena underground che consta di nomi più o meno famosi, come Mercenary, Raunchy, Mnemic e ora questi ultimi The Interbeing, che in realtà esistono fin dal 2001, ma che solo quest’anno sono giunti al tanto sospirato debutto (non considerando l’EP del 2008 autoprodotto, “Perceptual Confusion”). ”Edge of the Obscure” ha il tipico marchio di fabbrica danese, con le sue chitarre ribassate stracariche di un groove contagiante; è un sound che si rifà ai soliti mostri sacri, Meshuggah e Soilwork in primis, ma che comunque brilla di luce propria, grazie alla vivacità intrinseca del quintetto scandinavo. Uno due e tre, e si parte dopo la consueta intro, con “Pulse Within the Paradox”, in grado fin da subito di mettere in chiaro qual è la proposta del combo: cyber death molto tecnico, grondante di contaminazioni provenienti dall’industrial (Fear Factory docet), ovviamente dal djent, proprio per quelle sue chitarre distorte con accordatura downtuned, ma anche dal progressive, per quel largo uso di ritmi sincopati e poliritmie che rimbombano nei nostri cervelli (ascoltare le scale di “Tongue of the Soiled” per capire di cosa sto parlando), costantemente in compagnia di samples che generano plumbee atmosfere stracariche di un feeling da fine del mondo. Senza dubbio l’elettronica gioca un ruolo da protagonista nelle note di questo brillante lavoro, cosi come non vorrei trascurare la perizia tecnica (assai elevata) dei nostri e il ricercato gusto per la melodia, sempre in primissimo piano e di grande spessore. Le voci corrosive, seguono la scia dei connazionali Raunchy e Mnemic, anche se molto spesso Dara Toibin si lascia andare a clean vocals (fantastiche in “Face Deletion”), sussurrate o robotiche (come in “Shadow Drift” o in “Swallowing White Light”). Trattandosi di cyber death, è lecito non attendersi eteree vocals femminili: cosi quando leggo che “In the Trascendence” c’è come ospite Elin Kristina Segel ho un sussulto, ma tranquilli perché trattasi di una voce cibernetica al femminile, a sancire la definitiva ecletticità di questi danesi. Se il tipico sound scandinavo che rappresenta la matrice di fondo dell’ensemble danese, alle orecchie dei più non rappresenta nulla di nuovo, vi garantisco che l’apporto dei synth nell’economia della release in questione, assume un ruolo fondamentale (meraviglioso il break centrale di “Fields of Grey”). Sono a dir poco entusiasta dal dinamismo di questi sconosciuti The Interbeing, che da oggi seguirò con molta attenzione, per poter capire quali siano le reali potenzialità in vista dei prossimi lavori. Per ora il mio voto si ferma a 80, perché il sound può risultare ancora derivativo, ma sono certo che con le giuste dritte, l’esperienza e le funamboliche idee, i The Interbeing calcheranno il palcoscenico metal per lungo tempo. Una bombastica produzione e un eccellente songwriting completano un lavoro da cui è lecito aspettarsi un successo oltre le attese. In bocca al lupo ragazzi! (Francesco Scarci)

(Mighty Music)
Voto: 80

sabato 14 maggio 2011

Defect Noises - Pure Sickness

#PER CHI AMA: Djent, Death Groove, Meshuggah, Cynic, Periphery
È il genere del momento (grazie ad act più famosi quali TesseracT o Periphery), se proprio di genere vogliamo parlare, o forse lo potremo definire un fenomeno musicale. Sto parlando ovviamente del djent che, per chi non lo conoscesse, è in realtà una corrente caratterizzata dal modo di suonare le chitarre, super distorte, con accordature super ribassata e tecnica “palm muting”; tutto chiaro no fin qui? Si insomma, avete presente il sound dei Meshuggah, con le sue ritmiche nevrotiche e sincopate, l’ampio uso di poliritmie e le chitarre a 7, 8 o addirittura 10 corde? Bene, questo descrive il genere di cui sto parlando e quello che ho fra le mani è un lavoro, figlio di questa scuola e Marian Gradinarski incarna alla grande questa filosofia, con una chitarra a 10 corde e un sound poliritmico che penetra le profondità della nostra psiche fino a condurci al delirio. “Pure Sickness” parte alla grande con “Suffering System”, song che mostra già la disumanità di Marian con la sua “arma” contundente nelle proprie mani: virtuosismi da paura si intrecciano infatti con un sound estremamente dinamico e ricco di fraseggi, cambi di tempo e digressioni in territori a noi sconosciuti, mantenendo come unico filo conduttore la ritmica devastante di fondo (opera di un drumkit), che ci fa capire che ci troviamo in territori di extreme metal. Sono immobilizzato, stordito, affascinato da cotanta energia lavica prodotta dalla 10 corde di Marian, ipnotizzato da allucinanti giri di chitarra, arzigogolati fraseggi che non sembrano umani, come se un alieno si fosse impossessato di questo straordinario strumento e lo suonasse in modo a noi misterioso, quasi incomprensibile, ma meravigliosamente piacevole. Sono rimasto fin da subito sorpreso dalla capacità di catalizzare la mia attenzione con dei suoni pazzeschi e pur non essendoci una voce a deviare ogni tanto la mia attenzione, continuo imperterrito a seguire le evoluzioni di questo axeman mostruoso, che attraverso le sue funamboliche scorribande (“Crawl Back In”, “In the Void the Stones are Turning”), riesce a farmi digerire un sound che probabilmente, fatto in altro modo, resterebbe sullo stomaco a molti. La tecnica di Marian è impressionante, il suo spettro di influenze il più vario con il sound a la Meshuggah che si intreccia all’irrazionalità e imprevedibilità dei Cynic, il tutto suonato con la tecnica dei Dream Theater. Ho scritto ovviamente le prime tre band che mi sono venute in mente immediatamente, ma sarebbe assai riduttivo limitare il sound di questo incredibile lavoro, che ha forse la sua unica pecca di non avere un vocalist che ogni tanto possa urlare nel microfono, perché l’unica mia perplessità, è che qualcuno si possa stancare facilmente di una release completamente strumentale. Non di certo il sottoscritto, che sta usurando la sua copia e che forse presto si troverà costretto a richiederne un’altra. Grazie Marian per avermi aperto le porte ad un’altra dimensione con il tuo sound e con la tua chitarra, che con i suoi micidiali riverberi o delay, ma sempre pregna di brutalità, mi ha saputo conquistare e condurre con te là, in mezzo all’universo dove solo melodie aliene trovano spazio. Da ascoltare obbligatoriamente! (Francesco Scarci)

(Self)
Voto: 85