Progenie Terrestre Pura - StarCross

#PER CHI AMA: Extreme Avantgarde

Il nuovo EP dei Progenie Terrestre Pura (PTP) è un concept album che esce dalla mente di Davide Colladon, mastermind del progetto PTP fin dalla sua nascita e che in questo nuovo 'StarCross' vede il sound della band prendere una piega evoluta in un senso molto cinematografico. Non che questa propensione mancasse nella band fin dalle prime release, ma qui emerge proprio il tratto e la volontà di ragionare in stile propriamente da soundtrack. Sviluppato come in una saga spaziale, qui il protagonista sfida l'infinito all'inseguimento di un segnale sconosciuto, vagando nello spazio alla ricerca di questo contatto, e la sua colonna sonora non poteva che essere buia, sconsolata e cosparsa di momenti terribili e pieni di insidie. Con l'uso sapiente del black metal, l'industrial e alcune soluzioni thrash metal, qui ci si avvicina alla concezione di un metal intergalattico a cui sta stretta la gabbia di metal stesso e che aspira a divenire opera musicale vera e propria. La senzazione di intraprendere un viaggio verso l'ignoto è palpabile e reale, con trame space/horror importanti e l'introduzione di un ambient cupo e dilatato, su tappeti ritmici sintetici cari al settore harsh/EBM, con voci etno/ancestrali in sottofondo ed un cavernoso cantato violento che funge da nero Cicerone che rincara la drammaticità e la sensazione di incapacità verso la giusta scelta da fare da parte del protagonista di quest'avventura. Il disco si ascolta con sommo piacere scorrendo veloce nei suoi lunghi cinque brani (per circa una trentina di minuti) e, a dispetto dei suoi predecessori, porta una vena sci-fi più accentuata, del resto dicevo, è da vedere come vera e propria colonna sonora di un film di fantascienza, anche se l'impronta sonora rimane legata alla logica creativa di Colladon. Altra novità è poi l'abbandono della lingua madre nel cantato, a favore dell'inglese, con l'intento verosimile di raggiungere una platea più vasta, cosa che non stona affatto e rende giustamente più internazionale la proposta dei nostri a livello artistico (anche se li avevo ammirati particolarmente per il coraggio di usare l'italiano nei precedenti lavori). Immancabile la linea di paragone verso progetti sofisticati come Ulver o Solefald e l'insano esistere dei Borgne, ma la musica dei PTP si dimostra più fantascientifica ed il contatto con l'avanguardia è reale e il suono cosmico ben ricercato. Il passaggio tra l'elettro ambient di "Chant of Rosha" e "Toward a Distant Moon" mostra subito la vera identità del disco e l'accuratezza dei particolari, buona la produzione, la capacità compositiva di rendere una musica complessa ascoltabile è poi un segno distintivo nei PTP, una qualità che spinge l'ascoltatore alla voglia costante di sentire e scoprire cosa succederà brano dopo brano, proprio come in un inquietante film ben fatto o in un buon libro che rapisce e fa correre la fantasia. "The Greatest Loss" è la mia song preferita, in odor di Blut Aus Nord che si avvia al termine con la minimale, sospesa e conclusiva "Invocat", che lascia un filo sospeso tirato da un canto gregoriano che assume un'identità sinistra ed oscura. 'StarCross' è un album difficile da assimilare per la massa, ma geniale nel suo complesso, l'ennesimo salto di qualità per la band veneta, un progetto sonoro che si è ormai dimostrato nel tempo essere una garanzia. Da ascoltare indisturbati. (Bob Stoner)

(Avantgarde Music - 2018)
Voto: 80

https://avantgardemusic.bandcamp.com/album/starcross

Hertz Kankarok - Make Madder Music

#PER CHI AMA: Avantgarde/Experimental/Prog, Tiamat, Riverside, Meshuggah

Non so assolutamente nulla di questo progetto solista a nome Hertz Kankarok, se non che la band arriva da Acireale e questo 'Make Madder Music' rappresenta il secondo EP per l'artista siciliano (qui coadiuvato da Andrea Cavallaro alle chitarre, al basso e ai synth, e dal fido Dario Laletta). La proposta dei nostri conferma quanto di davvero buono è stato fatto nel precedente 'Livores' e ancora mi domando per quale assurdo motivo non esista una release fisica di questo e del precedente lavoro (li vorrei quanto prima, in quanto delittuoso). Questo perchè la musica di Hertz Kankarok è davvero intrigante, in quanto collettrice di molteplici umori, sapori e profumi provenienti dalla cultura sicula che si vanno a incontrare con una tradizione metallica di più ampio respiro. L'opener "Deceive Yourself!" miscela infatti sonorità derivanti dal djent, con il prog e la musica etnica mediterranea per un risultato straordinariamente notevole. La seconda "Cargo Cult" ha una ritmica più devota ai dettami di Meshuggah ma ovviamente, quando subentra una certa tribalità/ritualità soffusa, non posso che rimanere del tutto spiazzato, prima di essere ributtato nella centrifuga avvolgente di un suono le cui trame risuonano apparentemente estreme. Il gioco si ripeterà per oltre otto minuti fatti di stop'n go, rilassamenti, melodie accattivanti, fughe lisergiche e quant'altro. Spettacolare. "Who is Next" sancisce la genialità di un artista che ha ancora modo di passare attraverso influenze che chiamano in causa i Tiamat di 'A Deeper Kind of Slumber', in una song dal piglio cinematografico, in cui mi sembra avvisare in sottofondo, anche l'eterea voce di una gentil donzella. Con "The Great Whirlpool" si torna solo inizialmente al ritmo graffiante di scuola Meshuggah/Gojira, con la voce del mastermind catanese a muoversi tra uno stile urlato, voci cibernetiche e altre  delicate e più pulite, che ben si adatterebbero ad un disco dei Porcupine Tree o dei Riverside. La sfuriata black a metà brano e un finale strettamente progressive chiudono quest'incredibile, in quanto inatteso, 'Make Madder Music'. Maestosi, geniali, sognanti, semplicemente italiani. (Francesco Scarci)

(Self - 2018)
Voto: 85

https://hertzkankarok.bandcamp.com/

Orchestral Manouvres In The Dark - The Punishment of Luxury

#PER CHI AMA: Electro Industrial

La crescente liofilizzazione degli archetipi culturali del terzo millennio raccontata nell'interessante singolo d'apertura "Isotype", introduce le svariate forme di spersonalizzazione raccontate nel prosieguo: l'uomo col cuore nel buco della imbarazzante "Robot Man", il consueto fatalismo sentimental-ambiental-apocalittico tratteggiato in "What Have We Done" (viva Trump), il decadentismo tecnologico di "Precision & Decay", volendo anche la convoluzione uomo-macchina inscenata in "La Mitrailleuse" (sarebbe un quadro futurista di C. R. W. Nevinson del 1915). I suoni dapprima chemical-fraternizzano (la pessima "The punishment of Luxury" in apertura) apertamente con certo tecnopop old school più (i Pet Shop Boys che pagano le spese di condominio di "What Have We Done") o meno (la Laurie Anderson in coda dal bottegaio di "Precision & Decay") ordinario (sentite però anche la sfrontata "Art Eats Art") per convergere verso un più rassicurante e ballatoso new romantic: gli Spandau Ballet alla fermata del tram di "One More Time", per esempio, ma anche e soprattutto le conclusive, speranzose, "Ghost Start" e "The View From Here", sprizzanti sentimenti come lampade di sentimenti e intrise di tramonti marini, new age in saldo e grida di gabbiani. (Alberto Calorosi)

(White Noise - 2017)
Voto: 60

https://officialomd.bandcamp.com/releases

Charming Timur - So Far, So Good

#PER CHI AMA: Experimental Music, Godflesh, Nine Inch Nails

Pronti per entrare in un tunnel di follia? Si perchè con la one-man-band finlandese dei Charming Timur, vi scontrerete con un sound ostico e paragnostico, fatto di suoni psicotici, in una mistura il cui stesso creatore definisce come un incidente aereo che non si limita ad un genere in particolare, ma che in realtà ruota attorno al modern metal, al nu metal e al post-qualcosa. Beh, io lo definirei semplicemente sperimentale, questo perchè quando "You Are Next" irrompe nel mio stereo e innesca il delirio incluso in questa compilation intitolata 'So Far, So Good', rimango piuttosto basito dall'assalto noisy dell'opening track. Suoni abrasivi, voci schizoidi tra il pulito e il cibernetico, una linea melodica completamente disconnessa. Ecco il marchio di fabbrica dell'artista di Helsinki che ci delizia con ben 18 brani votati alla totale sperimentazione sonora, che di certo non starò qui a descrivervi uno per uno. Magari posso citarvi la seconda acida e doomish "A Human Cell", psichedelica quanto basta per dirvi che sono uscito dal suo ascolto quasi avessi assunto una dose massiccia (forse letale) di LSD. E quell'effetto di stordimento prosegue anche nella successiva e più pesante "Dangerous To Self And Others", dove tra voci assimilabili a dei rumori, atmosfere rarefatte e disagiate, suoni cibernetici, si viene inglobati in un mondo futuristico molto vicino a quello sceneggiato in 'Blade Runner'. La voce malinconica e malata del frontman finlandese si lascia maggiormente apprezzare (ma soprattutto criticare per la sua scompostezza e stonatura) in "Our Day Is Beautiful", una traccia musicalmente (non di certo per le vocals) più lineare rispetto alle precedenti, figlia però di certe influenze dei Radiohead. Man mano che si avanza con l'ascolto del disco, si apprezzano i cambi stilistici del folle mastermind, questo perchè i brani arrivano dai vari album inclusi nella discografia dei Charming Timur. Sembrano più metallici pezzi come "(This Day Could Be) My Last" e "Keep You Safe", anche se quest'ultima ha una certa aura eterea, mentre più dark oriented sembra essere "How To Be A Creepy Perv". Il disco alla fine non è quanto di più semplice ci sia da ascoltare oggi, complici sonorità che talvolta sconfinano nell'industrial richiamando Nine Inch Nails o dei Godflesh stralunati (in "Ego Machine" il buon Lohi sfodera anche una voce growl), post punk ("Close"), o addirittura evocando un che dei Placebo in "This Miracle" o degli Smashing Pumpkins in "The Uplift". Se devo eleggere le mie song preferite, ecco che arrivo a "Falling Dawn", complessa, furiosa, abbastanza fuori di testa e con una linea di chitarra in tremolo picking davvero raggelante. In seconda battuta, sceglierei invece "Gone Blaze", un'altra traccia abbastanza selvaggia ma al contempo sperimentale che è riuscita sicuramente a conquistare i miei indifesi padiglioni auricolari. In cosi tanti brani c'è ovviamente qualcosa che non va (oltre alla delirante componente vocale): una produzione non sempre all'altezza o l'uso di una drum machine fredda e distaccata. Insomma, di lavoro da fare ce n'è ancora molto, tuttavia credo che 'So Far, So Good' sia un buon modo per avvicinarsi con cautela alla bizzarra proposta dei Charming Timur. (Francesco Scarci)

(CdBaby - 2018)
Voto: 70

https://charmingtimur.bandcamp.com/album/so-far-so-good

The Berzerker - World of Lies

BACK IN TIME:

#PER CHI AMA: Industrial Grind, Cephalic Carnage, Napalm Death

Il terzo album degli australiani Berzerker è un malatissimo lavoro, che ci spara addosso un concentrato di furia estrema terrificante ad alta intensità, in grado di farmi implorare “pietà”!!! 99 schegge impazzite (che costituiscono i 14 brani del cd), 58 minuti di musica feroce, carica di rabbia che polverizzerà in brevissimo tempo le nostre inermi orecchie. Il combo di Melbourne non aggiunge nulla di nuovo a quanto fatto (e quanto farà) nelle precedenti (e successive) release, quindi se amate la musica dei nostri, fatta di ritmiche disumane con blast beats furenti, scream vocals che si alternano a gorgheggi inumani, inserti industrial-elettronici e chitarre più taglienti dei rasoi, beh direi che 'World of Lies' fa certamente al caso vostro. Le 14 songs dell’album si susseguono incalzanti (come sempre sono presenti degli inquietanti dialoghi tra un pezzo e l’altro), lasciandomi tramortito e senza fiato nel buio della mia stanza, con la faccia tumida, come se fossi stato preso a pugni da Mike Tyson in persona e completamente stordito dalla pesantezza schiacciasassi di questo lavoro. Il terrorismo sonoro dei Berzerker termina alla dodicesima traccia: seguono poi quattro minuti e mezzo di silenzio e l’ultima “Farewell”, una lunghissima e oscura song strumentale vicina, stranamente, al sound dei My Dying Bride, che chiude sorprendentemente e degnamente 'World of Lies', la colonna sonora ideale per il mio Armageddon. (Francesco Scarci)

(Earache Records - 2005)
Voto: 70

https://theberzerker.bandcamp.com/album/world-of-lies

Swans - Deliquescence

#PER CHI AMA: Rock Sperimentale

...ancora mantiene qualche cronosoma di "Bring the Sun" e compie definitivamente la sua exuvia su 'Deliquescence'. Deliquescenza inversa: l'entrata di "Frankie M" (diciotto minuti: appena un pelino autoindulgente chioserebbe non senza una parte di ragione qualche maligno brufoloso affetto da alitosi) sarà ampiamente ridimensionata su 'The Glowing Man' (che si tratti di una seconda deliquescenza di "The Apostate"?). Deliquescenza retroattiva: "Just a Little Boy" nella versione 'The Gate' appare stranamente intermedia tra le due precedenti live ('Not Here/Not Now') e studio ('To be Kind'), perlomeno negli intenti. Deliquescenza assente, già, nelle (non troppo) sorprendentemente identitarie "Cloud of Forgetting" e "Screen Shot", guarda caso entry-track dei rispettivi album. Deliquescenza della deliquescenza: è ipotizzabile che lo stesso Michael Gira sia a conoscenza dell'impossibilità di oltrepassare la (a tratti prosaica) magniloquenza di "The Knot" (quasi quarantacinque minuti) senza apparire autocaricaturali (cfr. il Neil Young di "Driftin' Back") e, per questa medesima ragione, abbia annunciato lo scioglimento della band. 'The Gate': centocinquanta minuti, tre canzoni da T-B-K, una da T-S e quattro inedite (poi su T-G-M). 'Deliquescence': centocinquantacinque minuti, tre canzoni da T-G-M, una da T-B-K e tre inedite. La deliquescenza live impeccabilmente testimoniata su questi monumentali e autocompiaciuti live è senz'altro parte imprescindibile del processo creativo e compositivo successivamente formalizzato in studio. Ma nove ore tra live e studio per assommare ventuno canzoni in poco più di due anni (la discografia dei prolificissimi Beatles totalizza poco più di otto ore e centottanta canzoni in nove anni) sembrano un cicinino troppe. Ma soltanto nella patetica opinione di qualche qualche gibbuto detrattore affetto da psoriasi. (Alberto Calorosi)

(Young God Records - 2017)
Voto: 75

https://www.facebook.com/SwansOfficial/

Geisterwald - S/t

#PER CHI AMA: Industrial, Rammstein, Samael

Geisterwald, che in tedesco significa boschi infestati, è una nuova band (un duo per l'esattezza) proveniente da Ginevra. Strana la decisione di avere un monicker in tedesco per una band la cui lingua ufficiale dovrebbe essere il francese, cosi come i titoli dei brani, sempre in lingua germanica. Certo, le origini di Harald Wolken e Gaelle Blumer sembrano condurci proprio in terra teutonica, anche per ciò che concerne le influenze dell'act elvetico. Cinque (anzi quattro visto l'enigmatica intro) i pezzi a disposizione per i due musicisti, per confessarci la loro passione per sonorità industriali ancorate ad un nome su tutti, i Rammstein. Già in "Alte Körper" si capisce l'impronta dei nostri, che si muovono con pragmatismo, sui binari dell'industrial sorretto da bei chitarroni iper ritmati, sostenuti poi da un'importante base sintetica e da un dualismo canoro tra uno orchesco growling, teso sempre a sottolineare alcune parole chiave del testo, ed una porzione pulita affidata a dei cori assai orecchiabili, il tutto sempre rigorosamente cantato in tedesco. La traccia è godereccia, breve e ficcante, s'imprime immediatamente nella testa con quelle sue melodie cariche di groove; guardatevi anche il loro video su youtube e vi farete un'idea più precisa. Questo sarà alla fine il canovaccio per l'intero lavoro che anche con le seguenti "Kreuz" e "Wolf", ha modo di regalarci brani sempre cadenzati, metallici sia ben chiaro, ma gustosi, estremamente catchy, quasi danzerecci (soprattutto in "Wolf"), di fronte ai quali è quasi impossibile rimanere impassibili e non scuotere le teste in un headbanging frenetico. A mio avviso la forte influenza dei Rammstein (ma anche dei Samael più elettronici), la si respira nella conclusiva "Schlag Stärker", un brano che racchiude tutto il campionario della band di Berlino grazie ai tipici suoni techno (di scuola Ministry), all'immancabile durezza del metal espressa nel tappeto ritmico e parti quasi vicine all'ambient, in quella che è la song più strutturata e rappresentativa di questo breve ed indovinato EP dei ginevrini Geisterwald. (Francesco Scarci)

(Self - 2018)
Voto: 70

https://www.facebook.com/geisterwaldband/

Tronus Abyss - Kampf

BACK IN TIME:

#PER CHI AMA: Dark/Ambient/Folk/Industrial

Non ho mai trovato entusiasmante la proposta musicale dei Tronus Abyss, né durante il loro periodo black metal, né con la successiva svolta elettronico-sperimentale, ma la sorprendente facilità con cui 'Kampf' è riuscito a catturarmi non mi ha lasciato indifferente, perciò ho voluto ascoltare l'album più volte prima di formulare un giudizio che fosse il più possibile obiettivo. È evidente che 'Kampf' possieda qualcosa in più rispetto ai due album precedenti e non è solo di mera "estetica" del pentagramma che sto parlando, ma di genio e di intuito, elementi che il gruppo torinese ha saputo esprimere in modo assolutamente nuovo, conferendo ai propri brani un fascino mai troppo celato e rivalutando il concetto di sperimentazione in un'ottica scevra da rigidi meccanismi autocelebrativi. Il tracciato sonoro già battuto con 'Rotten Dark', viene rivisitato dal gruppo mantenendo parzialmente salda la mescolanza tra musica medievale e grottesche sfumature electro-apocalittiche, ma diversa è forse la chiave di lettura, come lo è la vena creativa di Malphas e Atratus, i quali paiono aver trovato una grande ispirazione e un nuovo vigore compositivo tra le note di quest'album, slegandosi tra l'altro da ogni riferimento stilistico al black metal. Noise, industrial, folk apocalittico, dark ambient: in 'Kampf', queste molteplici influenze emergono intrecciandosi armoniosamente attraverso i nove brani che compongono l'opera e ad esempio di questa sublime commistione di generi potrei certamente portarvi la title-track, introdotta dai rintocchi funebri di un pianoforte, mentre una drammatica declamazione narra di visioni cosmiche, richiami esoterici ed amare invettive sulla decadenza di un'epoca. Stupendi anche gli oltre sette minuti di "Mabuse", un percorso allucinante lungo le estetiche surreali del cinema espressionista tedesco, rivissute attraverso le ebbre alterazioni di Atratus, la cui voce tuona ancora fiera e sprezzante tra gli opprimenti fraseggi d'organo. Perdetevi tra le note di 'Kampf' e assaporatene ogni singolo tassello: dagli imponenti fiati de "L'eredità del Cinghiale" alle melodie medievali di "STH.492", fino ai neoclassicismi di "Radio Europa MMIII". Notate anche come ogni piccolo particolare, nei Tronus Abyss, diventi un elemento insostituibile per l'integrità del brano e come l'apporto del nuovo componente Mord sia ora più che mai vitale nello schema compositivo del gruppo. Nella traccia di apertura, come in "Funeral", le chitarre di Mord aiutano infatti a rendere ancor più disturbanti le atmosfere, creando un clima di febbricitante angoscia e insinuandosi nella struttura portante dei pezzi, quasi a confondersi con il suono dei synth. In conclusione, dire se 'Kampf' sia o meno un capolavoro non risulta affatto semplice, ma una cosa è certa, la stella dei Tronus Abyss brilla oggi di una luce nuova e più splendente. A voi il compito di volgere in alto lo sguardo e saperla scorgere. (Roberto Alba)

(Pagan Moon Organization - 2003)
Voto: 75

https://myspace.com/tronusabyss

Xiu Xiu - Forget

#PER CHI AMA: Experimental Electro Pop

Al di là del consueto elettro-trionfalismo industrial-messianico ("Queen of the Losers" e quasi tutte le canzoni successive) intriso di consueti white-rumorismi anni tardonovanta più ("Hey Choco Bananas") o meno ("Jenny Gogo") grattugiosi e dal consueto piagnucoloso vocione goth-wave ottantiano (ovunque, ma fin insopportabile in "At last, at Last" e "Jenny GoGo", la canzone che qualcuno in rete ritiene fantasiosamente dedicata alla fidanzata di Forrest Gump) non sempre (più precisamente quasi mai) opportunamente analgamati; al di là di tutto questo è possibile che gli sporadici momenti di attenzione siano catalizzati dai (consueti) sentori digital-softcore della introduttiva "The Call", (inconsapevolmente?) scanzonante i Prodigy e certi decadentismi dark-glam fine-novanta, e cantata da una specie di Mark Hollis con la faccia ficcata nel barattolo della maionese in duetto con una specie di Mark Hollis con la faccia ficcata nel barattolo della senape. Oppure dalla linea di basso indubbiamente badalamentiana, evidente reminescenza del precedente tributo a Twin Peaks, che introduce la canzone più intrigante e materica del disco, soprattutto per via del testo. Nell'opinione di chi scrive, il singolo "Wondering" ha la pretestuosità elettro-pop di una outtake dei Goldfrapp, ciò che dovrebbe fornire una precisa collocazione qualitativa, in considerazione della kelviniana opinione del sottoscritto nei confronti dei Goldfrapp. Ascoltate questo album e poi fate esattamente ciò che vi suggerisce il suo titolo. (Alberto Calorosi)

(Polyvinyl - 2017)
Voto: 50

http://www.xiuxiu.org/

Laconic Zero - Sun To Death

#PER CHI AMA: Industrial/Electronoise/8-bit/Djent

“Chi vuole recensire un disco programmato col Commodore 64?”. Ovviamente: io! Premo play ma ho già la bava alla bocca, perché adoro la musica folle e perché sono un nerd che ha vissuto a pieno l’esplosione informatica degli anni ’80. Alcune coordinate per capire i Laconic Zero: ogni singolo bit è pensato, scritto e suonato dal norvegese Trond Jensen — già chitarrista e bassista dei Next Life e dei Mindy Misty — che aveva esordito come Laconic Zero la bellezza di 11 anni, fa con l’applaudito 'Tribeca'. Questo secondo lavoro, 'Sun To Death', è un viaggio mesmerizzante di poco meno di mezz’ora, suddiviso in 11 movimenti che raramente superano i 3 minuti l’uno. Poca roba? Aspettate a dirlo. Ogni brano è un condensato multilivello di follia strumentale come non ne sentivo da parecchio, una supernova di bassi distorti, synth gorgoglianti e un tessuto fittissimo di casse, rullanti, percussioni e beat con quel sapore vintage che solo una programmazione old-school in 8 bit è in grado di dare. I primi 10 secondi della opening “Evoke Heat” sono già una dichiarazione di guerra, con quei blast-beat (o dovremmo dire blast-bit?) spietati e quel 6/8 ripetuto all’infinito tra crescendo e calando. “Gladeflicker” ha il sapore dei Ministry sotto acido, sorretto com’è da un synth giocattolo e un basso gorgogliante di distorsione. Reggetevi forte ai vostri neuroni quando entra l’arpeggiator in “Inborn Eclipse”, perché potrebbero scivolarvi tra le dita. Se la coppia “Infractor” e “Into The Plasma” lasciano respirare tra strings lunghi e ipnosi noise, è solo per prendervi nuovamente a pugni in faccia con la velocissima “Diamond Crash” (ah, se gli Shining di 'Blackjazz' fossero nati negli anni ’80!) o la finale “The Sun To Death”, che sembrano i Nine Inch Nails suonati da Super Mario Bros. Non vi spaventi il solo apparente sapore midi dei suoni: non c’è nulla che sappia di antico o vintage, qui. La mente di Trond Jensen è un vero labirinto di metal modernissimo e industrial death, e questo 'Sun To Death' è un inno alla violenza elettronica suonata con cuore, anima e testa, prima ancora che con super produzioni e tecnologie contemporanee. (Stefano Torregrossa)

(Handmade Records - 2018)
Voto: 80

https://www.facebook.com/laconiczero

Petrolio - Intramonia: Noises for Angela

#PER CHI AMA: Drone/Noise Sperimentale

La Low Noise Productions promuove progetti sonori di confine accomunati tra loro dalla predilizione verso generi come l'IDM, il noise, la techno, l'industrial, l'ambient e la sperimentazione. Una fucina di suoni interessantissima per un'etichetta underground che suscita grande interesse per i ricercatori di nuovi intrugli rumorosi. Tra questi vi troviamo il folle prodotto della one man band italiana, Petrolio, intitolato 'Intramonia: Noises for Angela'. Un EP assai suggestivo in perfetta sintonia con lo stile della Low Noise, fatto di tre pezzi dalla media lunghezza, identificati con il solo titolo di "Work no. 1", "Work no. 2" e "Work no.3", a sottolineare il significato occulto ed impenetrabile di questo lavoro partorito probabilmente tra le nebbie, in una casa isolata dal mondo e in preda a delirio psichico. La musica rotea su circolari forme elettro rumoristiche che si muovono a vortice sia che si presentino come drone o come riff acidamente alterato o sottratto a qualche band digital core. Il sound è sintetico, plasticato e di umore grigio, non esageratamente dark ma soffertissimo, sempre pronto al collasso, carico di sospensione e tristezza cinematica, notevole è la stretta parentela con la colonna sonora del cult film "Eraserhead". Il suo incedere è lento e i ritmi sono minimali quasi a voler tentare di esportare il digital noise in territori funeral doom. Stupendo il terzo brano che devasta l'ascoltatore portando in un impasto dark/industrial, lacerato, rallentato e sporco, un carico di tensione che alla fine risulta una tortura emotiva, tra echi dei primi Front 242, Throbbing Gristle e Nitzer Ebb con un lieve ma splendido accenno di voce femminile. Le registrazioni sono basate su performance live da parte dell'artista Angela Teodorowsky. Il progetto Petrolio è la reincarnazione di Enrico Cerrato, musicista attivo in vari ambiti musicali estremi dal metal al jazz noise punk, che qui si ripresenta dopo l'ottimo, 'Di Cosa si Nasce' ed il precedente, 'Il Destino d e l'Hombre', con un lavoro cerebrale e ancor più destabilizzante, quasi una forma di resa e conseguente prigionia nei confronti di un ambient assassino pieno di circuiti e transistor impazziti, un'ossessiva colonna sonora trasmessa dal profondo degli abissi. (Bob Stoner)

(Low Noise Productions - 2018)
Voto: 75

https://lownoiseproductions.bandcamp.com/album/petrolio-intramoenia-noises-for-angela

Deconstructing Sequence - Cosmic Progression - An Agonizing Journey Through Oddities of Space

#PER CHI AMA: Experimental Black/Death, Dodheimsgard, Akercocke

Deconstructing Sequence atto III: dopo le recensioni dei due EP da parte dei miei colleghi, tocca oggi al sottoscritto prendersi carico dell'ascolto del debutto sulla lunga distanza della band polacca e dirvi cosa ne penso. Iniziamo col dire che il concept astronomico/fantascientifico cominciato in 'Year One', prosegue anche in questo 'Cosmic Progression - An Agonizing Journey Through Oddities of Space'. Dicasi altrettanto della proposta musicale del quartetto che prosegue in territori estremi sperimentali che si muovono dal black/death dinamitardo della opening track, "Lifeforce Awakens", a sentori progressivi o addirittura elettronici. Ma andiamo con ordine e lasciamoci travolgere dalla tempesta solare dell'opener, in cui la matrice di fondo è decisamente estrema, ma il cui impetuoso incedere viene spezzato da break di sintetizzatori, voci campionate, tappeti elettro-sinfonici e in generale da un cataclisma sonico piuttosto complicato da decifrare, che potrebbe chiamare in causa i Solefald più folgorati, gli Aborym di 'Dirty' oppure i Dodheimsgard. Le partiture industrial orchestrali, abbinate a scheggie dal vago sapore grind, irrompono nella folle “V4641 Sgr”, una song difficile da inquadrare e probabilmente anche da digerire, complice un drumming in hyper blast-beat , dotata di un suono non del tutto naturale. Le melodie non sono affatto male, ma sembra che la band abbia voluto strafare, facendosi prendere talvolta un po' troppo la mano. Sia chiaro, le idee ci sono, anche piuttosto originali, che nei turbinii cervellotici del pezzo, evidenziano una certa influenza anche da parte della corrente estrema britannica, guidata da Mithras e Akercocke. Tuttavia, non si può neppure pensare che sparare una selva di riff ubriacanti uniti ad una batteria che sembra suonare in modo troppo artificiale, possa sortire degli effetti miracolosi. Ci vuole equilibrio. E forse in "Memories of the Sun, Memories of the Earth", la band sembra aver capito la lezione e si muova con maggior cognizione di causa. Il rischio di bruciarsi con una proposta simile è infatti assai elevato, il caos supremo non giova decisamente a nessuno. Il quartetto polacco però se ne fotte di schemi, generi ed etichette, va dritto al sodo, sciorinando ritmiche destrutturate, assalti sonori simili ad una forma di terrorismo sonoro da denuncia alle Nazioni Unite, growling e harsh vocals, synth bizzarri e chi più ne ha più ne metta, in una song tanto interessante quanto estremamente pericolosa ("My Way to the Stars"). "Dark Matter" ha un approccio iniziale più votato al death metal per poi evolvere verso un black freddo, ma dal taglio comunque moderno, che ha il pregio o il difetto (questo decidetelo voi) di cambiare il suo umore un centinaio di volte. "Luminous (In the Process of Merging)" ha un attacco corale, con la traccia che si muove su un mid-tempo sorretto da un lavoro esagerato di gran cassa e da un riffing tagliente. Man mano che si va avanti, i pezzi si fanno ancor più sperimentali e cinematici, corredati da arrangiamenti bombastici e da una linearità ritmica simile ad una sinusoide. "Heading to the Virgo Constellation", nella sua architettura death orchestrale, mi ha ricordato un che degli ultimi Septicflesh, in chiave ultra vitaminizzata però. Un piccolo break a inizio brano in "Supernova (The Battle for Matter Begins)" serve quanto basta per prendere un po' di fiato prima della pirotecnica conclusione dell'album. I nostri infatti si lanciano con il solito roboante attacco ai sensi, guidato da un riffing furioso di scuola death americana, voci digitalizzate, campionamenti vari, un cibernetico frangente atmosferico in un bordello sonoro non indifferente. A "Run Starchild... You Are Free Now!" l'arduo compito di chiudere il cd con onore, in un trionfale quanto devastante pezzo strumentale che decreta la follia cosmica dei Deconstructing Sequence. (Francesco Scarci)

(Via Nocturna - 2018)
Voto: 75

https://dsprogart.bandcamp.com/

Il Silenzio delle Vergini - Colonne Sonore Per Cyborg Senza Voce

#PER CHI AMA: Post Rock/Noise/Industrial

Me l'ero perso per strada questo lavoro d'esordio de Il Silenzio delle Vergini, devo ammetterlo: 'Colonne Sonore Per Cyborg Senza Voce' è un disco strumentale che consta di sette tracce cinematiche che si aprono con "001", che delinea immediatamente la proposta avanguardista industriale del progetto capitanato da tal Greco Armando (già nei Tic Tac Bianconiglio e nei Lexus). Trattandosi di musica sperimentale è ovviamente facile trovare un po' di tutto al suo interno: dall'eterea opening track alla più claustrofobica "002", song più criptica e minacciosa, che si lancia in alcuni frangenti in divagazioni più noise-oriented. "003" sembra più litanica nel suo ipnotico incipit, in cui si fondono suoni cibernetici con un post rock robusto e siderale, come se l'ascolto dell'album ci proiettasse nello spazio più profondo, lanciati da una fionda gravitazionale. La quarta song è un estemporaneo esperimento che ci presenta la band sotto una luce diversa: una musicalità gothic/post-punk, che per certi versi mi ha rievocato i torinesi Burning Gates, in un pezzo cantato in italiano ma in stile vocale vicino ai Fields of the Nephilim, addirittura con qualche rara incursione growl. Si riprende con le sonorità strumentali, visionarie ed intimiste: è il turno di "005", song malata, caustica, lisergica, comunque sempre imprevedibile, che se avesse avuto una voce black, poteva fare la sua bella figura in un qualche disco illuminato dei francesi Blut Aus Nord. Sonorità elettro-industrial per "006", che affida la sua ritmica ad un possente rifferama disturbato qui da sonorità droniche in background. 'Colonne Sonore Per Cyborg Senza Voce' chiude con l'ultima "007", un pezzo vibrante, guidato dai suoni di chitarra bella pesante che si amalgamo alla perfezione con le atmosfere rarefatte e nebbiose di quest'ultimo capitolo, che sancisce la conclusione di un disco quanto mai interessante e multisfaccettato. (Francesco Scarci)

((R)esisto - 2017)
Voto: 75

https://soundcloud.com/ilsilenziodellevergini/tracks

Zuul Fx - Live Free or Die

BACK IN TIME:

#PER CHI AMA: Industrial Thrash, Fear Factory, White Zombie

Gli Zuul Fx si sono formati grazie al leader Zuul, ex membro dei No Return. Il genere proposto dai francesi si muove sin dagli esordi tra le maglie di un sound industrial e groovy thrash, dalle sonorità moderne, caratterizzato da un ottimo songwriting, che si rifà palesemente al sound di band “alternative” quali Fear Factory e White Zombie, non disdegnando qualche capatina in territori swedish death, cari a Soilwork e compagnia. La musica dei transalpini poggia su una ritmica devastante e veloce, ma sempre assai melodica e grooveggiante. Undici tracce, con un riff portante davvero pesante, sulle quali si staglia la voce di Zuul, bravo ad alternare il classico growling con clean vocals, spesso abbastanza ruffiane, tanto da aver temuto più volte, l’ascolto di brani dal “vago” sapore commerciale. Alla fine, il quartetto francese non si lascia più di tanto andare a divagazioni commerciali; senza ombra di dubbio, talvolta strizzano l’occhio agli Slipknot e altre band nu-metal, ma cosa volete farci, il risultato finale è godibile e si lascia ascoltare tranquillamente. Niente di originale, sia ben chiaro, tuttavia un ascolto lo darei; se sono stati nominati metal band rivelazione nel 2005, un perché ci sarà anche stato. (Francesco Scarci)

(Equilibre Music - 2007)
Voto: 65

http://zuulfx.net/

Alchemist - Tripsis

BACK IN TIME:

#PER CHI AMA: Avantgarde, Voivod, Ewigkeit

Li amo da sempre, forse perché sono stato il loro primo fan fin dal lontano 1992, quando uscì il folle 'Jar of Kingdom'. Dopo tre lustri, gli australiani Alchemist hanno rilasciato il loro canto del cigno, una musica sempre contraddistinta da un extreme avantgarde costituito da elementi rock, psichedelici inseriti in un contesto death metal, a deliziare le mie insaziabili orecchie. 'Tripsis' è il sesto lavoro per l’act australe, uscito per la Relapse Records, che ci ha lasciato gli ultimi nove brani della band di Camberra. L’album si apre alla grande con “Wrapped in Guilt”, song che inizia con una certa vena space rock, simile alle produzioni degli Ewigkeit, per poi viaggiare su un mid tempos in pieno Alchemist style, con la voce mai completamente growl di Adam Agius, a dominare la scena. Dal secondo brano in poi, si capisce che la band è in forma smagliante, sfoderando una prova strumentistica dei singoli, davvero notevole (ispiratissima la batteria). Il quartetto crea melodie stranianti su un tappeto ritmico quasi tribale (questa sarà alla fine, la costante dell’album). La release degli aussy boys, riprendendo là dove aveva lasciato nel 2003 con 'Austral Alien', regala melodie aliene, capaci di miscelare nelle proprie note death, psichedelia, gothic, industrial, elettronica con suoni mistico-tribali propri della tradizione aborigena. “Nothing in no Time” ci spalanca la porta ad un nuovo mondo, grazie alla meravigliosa timbrica del basso di John Bray, in grado di creare atmosfere suggestive, lugubri e oscure; le chitarre schizoidi delle due asce poi, fanno poi il resto, originando, con il loro groove seventies, emozionanti turbinii mentali, girandole di colori e chiaroscuri tenebrosi. Il disco degli Alchemist prosegue in questo modo, spiazzando continuamente l’ascoltatore con trovate geniali: psicotici riffs graffianti, elementi progressive, ubriacanti samples e lampi di creatività, ci consegnano una band all’apice della propria evoluzione stilistica, che con quest'album ha voluto mostrare il proprio lato più speed/thrash orientato, mantenendo comunque, quella brillante vivacità che da sempre ne ha contraddistinto il sound. Gli Alchemist hanno continuano a percorrere imperterriti la loro personale strada che gli è valso l’appellativo di “surfthrash band”. Geniali. (Francesco Scarci)

(Relapse Records - 2007)
Voto: 85

https://alchemistband.bandcamp.com/album/tripsis

HgM ‎– Sintered Chrome

#PER CHI AMA: Noise/Ambient

Ambient/noise per questa one man band italiana, facente parte della squadra di musicisti estremi e terroristi sonori DIY, che sfilano per la gloriosa Human Cross Records, etichetta bosniaca. L'enigmatico musicista che si cela dietro all'acronimo HgM (in realtà (H)organismo. (G)ravemente. (M)alato), è in realtà Massimiliano Mercurio, che in passato è stato recensore per due importanti webzine. Il mastermind torinese in questo malato 'Sintered Chrome' si esprime in un monolitico attacco sonoro di oltre trenta minuti dai tratti omogenei e dalla voglia di sconvolgere e intorpidire i pensieri degli ascoltatori. Ambient siderurgico e industriale senza la benché minima sorta di percussione, figlio di un connubio tra onde marine scagliate verso di uno scoglio, sentore cosmico ed il rumore odioso di una fabbrica metallurgica udita dall'esterno ed in lontananza. Una continua diramazione dello stesso tema/rumore/ambiente sonoro fa nascere questa suite che per certi aspetti affascina e ammalia con la sua incessante ed oppressiva ripetitività, dall'altra fa nascere il desiderio più acuto di fuggire lontano da tutto ciò che potrebbe essere espresso in questa musica torturatrice se messa in parallelo alle prigioni del nostro essere. In questa mezz'ora o poco più, rischierete di vedervi crollare il mondo addosso, imprecare, riflettere e alla fine impazzire senza nemmeno darvene un motivo. Tutta quest'opera rasenta la follia ma si apre alla geniale ispirazione artistica tout court. L'unica nota negativa va ad un artwork che non dà il giusto supporto al calibro dell'opera, un vero peccato. 'Sintered Chrome': un lavoro esclusivo in sole 30 copie per misantropi intellettuali, rumorosi ed illuminati. (Bob Stoner)

(Human Cross Records - 2017)
Voto: 70

https://hgmmusic.bandcamp.com/track/sintered-chrome

OSS - Primo

#PER CHI AMA: Industrial/Drone/Noise

Una bustina in plastica contenente un foglio, questo leggermente più spesso del normale, macchiato, seccato e dall'aspetto usurato. Ecco il primo approccio con 'Primo', lavoro degli OSS, duo industriale proveniente dall'alto Veneto. Un canto alpino: "Era una notte che pioveva", sono i secondi iniziali di "Solda'", traccia d'apertura di quest'opera prima. Subito la base ritmica evidenzia l'utilizzo della drum machine, con il suo incedere marziale, mentre un synth ad onde quadre, fa da tappeto a vitree voci. Questo stile viene mantenuto in "Mazariol", titolo che si rifà al leggendario folletto che si aggira nella marca trevigiana, un brano che vede l'inserimento di un basso distorto ed insieme ad un'evoluzione ritmica della drum machine, conferisce un altalenante senso di moto dalle tendenze tribali. Un misterioso piano introduce "Anguana", una traccia con andamento circolare, proprio come le ceste di vimini che queste ninfe mitologiche facevano riempire vanamente di acqua coloro che si attardavano fuori casa la sera. Il movimento crescente, a cui si somma un synth accompagnato da una voce, narra l'incontro con questa fata dell'acqua, mentre altri pattern di drum machine e synth si aggiungono alla base e arricchiscono progressivamente il suono. "Biasio" è la song che più si avvicina al noise. Il theremin dei primi minuti infonde un senso spettrale, un lamento leggero che si trasforma sempre più in una spirale d'agonia che porta a suoni ridondanti e volumi crescenti fino alla completa saturazione, prima di cadere nuovamente a picco verso la fine. Il disco mostra l'attitudine tipica dei primi approcci post-industrial e power electronics, con suoni onesti, minimali e scarni. Il range dinamico è la vera potenza del disco che vede innalzarsi crescenti picchi sonori nel corso delle composizioni. Un esordio sicuramente di buone prospettive per questo progetto anche se l'EP dura solamente 25 minuti, ma sono certo (ed auspico) che in futuro il problema sia invece quello di contenere il minutaggio. (Kent)

(Self - 2017)
Voto: 65

https://www.facebook.com/OSSdronenoise/

Combat Astronomy – Symmetry Through Collapse

#PER CHI AMA: Jazz-core/Industrial/Noise/Ambient

Ogni nuovo lavoro della creatura di James Huggett è guardato da queste parti con grande attenzione e, vale la pena dirlo subito, anche questa volta l’attesa è stata pienamente ripagata da un’esperienza d’ascolto davvero intensa e appagante. A due anni e mezzo da quell’oscuro capolavoro che era 'Time Distort Nine', i Combat Astronomy tornano a riproporre il loro impossibile mix tra industrial, sludge, doom e free jazz, alzando ancora di più la posta in gioco. Accanto ad Huggett (basso, diavolerie elettroniche varie e produzione), e sempre più Deus Ex Machina del progetto, troviamo nuovamente gli straordinari Martin Archer (sax e tastiere) e Peter Fairclough (batteria), occasionalmente supportati dalla chitarra di Nick Robinson e dal violino di Wesley Ian Booth; questa volta a prendersi gran parte della ribalta è però Dalila Kayros, una ragazza sarda che i più attenti avranno già incrociato come voce dei post metallers Syk e soprattutto in quel gioiello di sperimentazione vocale che era 'Nuhk', esordio in solitaria datato 2013. Per chi non la conoscesse, Dalila ha una voce straordinaria, con una timbrica che ricorda da vicino quella di Björk, e che con il folletto islandese condivide la passione per la ricerca e l’esplorazione delle possibilità vocali, anche se il suo approccio è decisamente più trasversale e vicino a quello di altri grandi sperimentatori come Diamanda Galas, Mike Patton, Yoko Ono o Demetrio Stratos. Sono quindi le sue corde vocali a marchiare a fuoco queste sei lunghe composizioni, come sempre inafferrabili nel loro muoversi su più piani, scivolando da uno all’altro in maniera repentina quanto inaspettatamente organica. Quello che colpisce lungo l’arco di questi 56 minuti è la netta sensazione che questa sia una musica urgente e necessaria, che non lascia mai l’impressione di essere studiata a tavolino, nonostante sia allo stesso tempo evidente il grande lavoro preparatorio a cui tutti i musicisti si sono sicuramente dovuti sottoporre, soprattutto pensando che, come al solito, le tracce sono state registrate separatamente dai vari musicisti a migliaia di chilometri di distanza l'uno dall'altro. E questo è vero tanto nei brani più aggressivi e abrasivi (le iniziali "Iroke" e "Bhakta") quanto in quelli più riflessivi e dilatati, dove la componente sperimentale si fa più presente e spinta (la title track, "Collapsed" e "Kyber") e dove sembra di essere al cospetto di una versione contemporanea di 'Starsailor' di Tim Buckley, sospesi tra percussioni tribali, derive free jazz e sovrapposizioni vocali che sembrano uscire dalla penna di György Sándor Ligeti. Creatura al solito multiforme e imprendibile, i Combat Astronomy hanno realizzato un nuovo, preziosissimo tassello che impreziosisce il mosaico della musica sperimentale meno prevedibile e non per forza accademica, anzi più che mai viva e pulsante. Ascolto obbligato. (Mauro Catena)

(Zond Records - 2017)
Voto: 85

https://combat-astronomy.bandcamp.com/album/symmetry-through-collapse

It's Everyone Else – Heaven is an Empty Room

#PER CHI AMA: Industrial/Digital Hardcore/Electro Noise

A fine novembre del 2016, la Noise Appeal Records ha fatto uscire l'album di debutto del duo sloveno degli It's Everyone Else. Un lavoro ritmicamente intenso, carico di violenza selvaggia e distruttiva, liberatoria, debitore e seguace delle traiettorie sonore già tracciate dai vari Prodigy, Skinny Puppy e Atari Teenage Riot, un frammento di potente saggio di musica dal gusto inequivocabilmente industrial, elettronico quanto basta per accostarlo al digital hardcore ma con sconfinamenti nell'alternative punk, complice certe geniali trovate che hanno reso famose band del calibro dei Chumbawamba, con vocals maschili e femminili che si alternano nell'imitare lo stile di Pixies e Rage Against the Machine oltre ai già citati precedenti gruppi. L'industrial non se la passa molto bene ultimamente e considerate le poche idee innovative, riusciamo ad individuare un'alta dose di creatività nel duo di Ljubljana, l'originalità non è proprio di casa ma le lezioni lasciate dai maestri del genere hanno dato buoni frutti in questo box di circa mezz'ora, dove il calderone di suoni rievoca spettri e vette musicali di tutto rispetto. Il disco vola velocissimo con i suoi dieci brani intrisi nel silicone e rivestiti di lattice; il tocco perverso, estremo e ribelle si nota fin dalla prima nota e genera nell'ascoltatore una buona sensazione di familiarità col genere ed allo stesso tempo di curiosità che lo porta a seguire uno dopo l'altro lo sviluppo delle canzoni. La voce di Pika Golob dona un tocco di glamour trasversale ed oscuro con il suo canto sofferente e di scuola alternative punk alla Kim Gordon mentre Lucijan Prelog spinge sull'acceleratore, focalizzandosi sulla falsariga del punk più indie, combattivo ed estremo che ricorda i gruppi già citati di Zack de la Rocha e Alec Empire. La presenza costante di atmosfere sinistre e oppressive, la prevalenza scenica del noise e la variabile EBM, rendono ancora più accattivante la figura del duo di Ljubljana, ed è per questo motivo che brani come "The Truth About Mirrors" e "Sleep is So Cruel" diventano canzoni memorabili che alimentati da brani lampo come la rumorosissima "Nineteenninetyfive" o l'allucinata e isolazionista "Lone", completano un ottimo manifesto di elettronica d'assalto futurista che anche dopo infiniti ascolti riserva ancora delle nuove sorprese sonore. La scelta dei suoni, la produzione più che buona e una copertina che ingloba il sinistro, nero disagio che avevamo già apprezzato in 'Adore' degli Smashing Pumpkins ampliano a dismisura la potenza di fuoco di questa coppia di killer armati di sintetizzatori, coinvolgendo e trascinando chi ascolta con la stessa energia di una band hardcore. Saranno difficili da accettare per la massa, magari anche un po' derivativi, ma questo album è un vero carico di materiale infiammabile, dinamite pronta ad esplodere nelle vostre orecchie! Sottovalutarli sarebbe un grave errore, disco consigliato, da ascoltare ad alto volume, altissimo volume! (Bob Stoner)

(Noise Appeal Records - 2016)
Voto: 80

https://itseveryoneelse.bandcamp.com/album/heaven-is-an-empty-room

Transilvanian Beat Club - Willkommen Im Club

BACK IN TIME:

#PER CHI AMA: Death Rock

Facciamo un salto indietro nel passato per conoscere un act ormai sciolto, non proprio fortunatissimo e brillantissimo. Sto parlando dei Transilvanian Beat Club che nel 2006 proposero il loro debut album, 11 tracce di un death rock influenzato da sonorità gotiche, dark e doom, interamente cantato in tedesco, lingua che notoriamente faccio fatica a digerire in ambito musicale. Comunque sia, la band tedesca, che includeva membri di Eisregen e Ewigheim, nonché come guest star Martin Schirenc dei Pungent Stench, propina uno strano mix di suoni: un gothic-black sporcato da sonorità rock punk e musiche da B-movie horror, su cui fanno capolino female vocals e un sax (credo, ma non ne sono certo), che richiama parecchio i suoni degli ungheresi Sear Bliss. Per il resto, se potessi azzardare un paragone un po’ folle, mi verrebbe da dire che il disco è un po’ come se i Motorhead suonassero brani dei Rammstein, quindi in modo grezzo e privo ma dotato di quella pomposità che contraddistingue la band tedesca. Se il lavoro fosse stato curato maggiormente, soprattutto a livello di suoni, di sicuro avrebbe ottenuto un riscontro più positivo da parte del sottoscritto. Da segnalare infine, che l’ultima traccia dell’album è la cover “Transilvanian Hunger” dei Darkthrone, forse il pezzo più interessante di questo 'Willkommen Im Club'. A meno che non siate dei grandissimi fan degli Eisregen, ne farei a meno. (Francesco Scarci)

(Massacre Records - 2006)
Voto: 50

http://www.transilvanian-beat-club.com/