Sons Of Morpheus - The Wooden House Session

#PER CHI AMA: Psych Stoner Rock/Blues, primi Queens of the Stone Age

Se c’è una cosa che la musica insegna, è a rompere i pregiudizi: lo stereotipo che vuole gli Svizzeri freddi e (mi si passi il termine) poco rock, crolla miseramente di fronte a 'The Wooden House Session', secondo full-length dei Sons Of Morpheus dopo l’ottimo 'Nemesis' del 2017 ed uno split con i Samavayo dello scorso anno. Il trio, dopo un lungo tour di spalla ai Karma To Burn, si chiude in un locale e registra sei tracce a metà tra live e studio, che trasudano stoner rock e sludge, Queens of the Stone Age e Black Sabbath, New Orleans e film western (c’è un cowboy in copertina!), Jimi Hendrix e i Pride&Glory. Scordatevi il sound metallico dei Kyuss o (dio ce ne scampi!) la deriva pop degli ultimi lavori di Josh Homme e soci: in 'The Wooden House Session' i piatti sono lunghi e riverberati, le chitarre ruvide e rumorosissime, il basso grezzo, la voce sa di blues, whiskey e sigarette. Quintali di fuzz colano fuori dagli amplificatori, ed un sottile gusto lo-fi nella produzione rende tutto ancora più credibile, caldo, paludoso. I cori qua e là (“Sphere”, “Loner”) ricordano i primi lavori dei Queens of the Stone Age; ma c’è spazio per jam gonfie di psichedelia (“Paranoid Reptiloid”), colonne sonore alla Sergio Leone (“Doomed Cowboy”), rock grezzo e senza fronzoli (“Nowhere To Go”), fino alla lunghissima “Slave” (oltre 13 minuti, laddove le altre tracce raramente superano i 4.30) che si erge almeno una spanna sopra il resto: una lunga cavalcata rock blues costruita su un riff che fischietterete per giorni interi, che accelera e rallenta, si ferma e riparte, apre a soli in slide e lunghissime parti strumentali eteree e trasognanti — vi sfido a non muovere la testa per l’intero pezzo. Sellate il cavallo, indossate gli stivali migliori, si parte. (Stefano Torregrossa)

(Sixteentimes Music - 2019)
Voto: 81

https://sonsofmorpheus.bandcamp.com/album/the-wooden-house-session-2

Malclango - S/t

#PER CHI AMA: Math Rock strumentale, Primus

“Due bassi e una batteria per denudare il math-rock fino a lasciarlo in mutande”. Questo il manifesto dell’anonimo trio strumentale romano (dal vivo, i Malclango indossano scimmie da gorilla e, a quanto sembra, nessuno sa davvero i loro nomi), che sforna un disco essenziale nei suoni ma molto intelligente dal punto di vista compositivo. Essenziale, ma non minimale: scordatevi la forma-canzone, scordatevi ritornelli da fischiettare o melodie catchy. I due bassi si muovono eclettici tra distorsioni e pulizia, tra accordi e soli, note e riff; imponente anche il lavoro ritmico, sempre preciso e mai troppo autoreferenziale. A colorare il risultato finale, campionature assortite tra versi di scimmie, battimano, vento che soffia, spezzoni di notiziario. Si passa senza indugio dalla velocità dispari di “Nimbus” alle ritmiche tribali di “Petricore”, dalle dissonanze di “Ostro” alla malinconia deviata di “Anatomia di un battibecco”, dalla rabbiosa “GranBurrasca” alla saltellante “Sant’Elmo”. Ci vuole un attimo a trasformare tanta varietà e libertà compositiva in un prodotto freddo e studiato a tavolino. Ma non è il caso dei Malclango che, anzi, confezionano un vero disco rock: di un rock essenziale e primitivo (le tre scimmie nella tempesta, in copertina, la dicono lunga), che rompe le convenzioni e fluisce — non a caso: il tema dell’acqua e della pioggia è un leit-motiv trasversale a tutti i pezzi —, libero da strutture o ritmiche pari, libero da etichette di genere. È un lavoro che pesca contemporaneamente da Primus e Sonic Youth, Fluxus e jazz, primi Soul Coughing e dalla musica folk, destrutturando e ricomponendo tutto senza paura ma con molta, molta ironia.(Stefano Torregrossa)

(SubSound Records - 2017)

Voto: 74

https://malclango.bandcamp.com/releases

Teverts/El Rojo - Southern Crossroads

#PER CHI AMA: Stoner/Psych Rock

Due band, due brani, venti minuti in tutto: questi gli ingredienti di 'Southern Crossroads', lo split degli italianissimi Teverts e El Rojo. I primi, con oltre dieci anni di attività alle spalle, aprono le danze con la spettacolare “Road To Awakeness”: oltre sette minuti di cavalcate stoner e psichedelia, dove il sound settantiano alla Hawkwind si unisce ai riff più contemporanei di Kyuss e soci. Il risultato è compatto, solido, costruito anche grazie alla lunga esperienza della band. A legare il tutto, lo splendido lavoro vocale di Phil, che passa con facilità dalle allucinanti melodie sussurrate a timbri più ruvidi e sostenuti. Memorabile il finale strumentale (dai sei minuti in avanti), con lunghe chitarre riverberate a colorare un perfetto riff di basso. Con “The Longest Ride” degli El Rojo (band di Cosenza alla seconda uscita ufficiale) ci muoviamo sostanzialmente lungo la medesima highway nel deserto. C’è meno psichedelia forse, e più colore alle ritmiche (ottimo il lavoro alle pelli). Completamente diverso il contributo vocale, qui più ispirato ai The Melvins che al gusto blues di Jon Garcia. “The Longest Ride" scorre ruvido e ossessivo fino alla prevedibile accelerazione intorno ai cinque minuti, che lascia sfogare la chitarra con un solo indovinatissimo. Non c’è nulla di davvero innovativo in nessuno dei due brani, intendiamoci: ma non avrebbe senso giudicare la personalità di una band ascoltandone solo 10 minuti scarsi. Aggiungete una produzione senza fronzoli — che però permette di entrare bene nei pezzi, senza essere né troppo fredda, né troppo sporca — e un design della copertina ad opera del sempre bravissimo SoloMacello, e non resta che chiedersi: quando arriveranno i due full-length? (Stefano Torregrossa)

(Karma Conspiracy Records - 2019)
Voto: 70

https://tevertselrojo.bandcamp.com/album/southern-crossroads

Wolf Counsel - Destination Void

#PER CHI AMA: Doom/Sludge, Saint Vitus, The Obsessed, Cathedral, Candlemass

A poco più di un anno di distanza dal terzo full-length 'Age of Madness / Reign of Chaos' (recensito qui sul Pozzo, come il precedente 'Ironclad' del 2016) tornano gli svizzeri Wolf Counsel con un nuovo gioiellino sludge/doom che farà sbavare i fan di Candlemass, Cathedral e Saint Vitus: preparatevi ad un’esondazione di riff, oscurità, esoterismo, metallo e — vi piaccia o no — continui rimandi ai classici del genere. I quattro musicisti sono ormai più che navigati, e si sente: nessuna esitazione, nessun calo di pathos, pochissime falle nel songwriting, il tutto condito da una produzione a cinque stelle — non è un caso che il disco esca per la russa Endless Winter, probabilmente una delle più stimate etichette specializzate in doom metal. L’apertura di 'Destination Void' è affidata ad una citazione evangelica in lingua spagnola (“Padre perdonali, perché non sanno quello che fanno”), che fa da intro all’esplosiva “Nazarene”: un riff a tutta chitarra costruito su una drittissima doppia cassa, su cui una voce alla Wino allestisce un indimenticabile ritornello. Fanno capolino i Black Sabbath in “Nova”, e subito il brano diventa una lentissima e ossessiva preghiera a qualche divinità oscura. C’è una nota epica nella successiva “Mother of All Plagues” che vi costringerà a ondeggiare la testa avanti e indietro, mentre le chitarre orchestrano un perfetto gioco a due voci nel bridge centrale. Sorprende l’intro con un solitario basso in tonalità maggiore di “Men of Iron Men of Smoke”: ma è solo un attimo — l’entrata delle chitarre sposta subito l’asse del brano verso un mood nero e fumoso come l’inferno, dove sono ancora i giochi tra chitarra ritmica e solista a guidare le danze. Silenziatosi l’inquietante organo che apre la title-track, gli Wolf Counsel ci riportano in territori di dannazione e malvagità con le ormai caratteristiche chitarre a battere il quattro (ecco i Candlemass, di nuovo) su un tempo lento e ossessivo, che torna poi epico con il contributo della melodia vocale. Un riff in palm-mute fin troppo citazionista dei Sabbath (cosa non lo è, nel doom metal, dopotutto?) apre “Tomorrow Never Knows”, mentre “Staring Into Oblivion” chiude il disco con i suoi dieci minuti di non originalissime chitarre monolitiche e scariche di doppia cassa, che lasciano poi spazio a quasi quattro minuti di solo ruvido e metallico fino al fade-out finale. Dunque, la domanda finale: il doom ha ancora qualcosa da dire o finirà per ripetere all’infinito i suoi canoni? Questo 'Destination Void' è una risposta: un lavoro che ha il sapore dei classici, ma suona come un disco moderno, peraltro nel solco dei precedenti lavori dei quattro svizzeri. Niente fronzoli, niente editing feroci o effettistica: solo ampli al massimo, passione per l’oscurità (e per la vecchia scuola del doom, chiaramente) e capacità più che rodata negli anni di scrivere pezzi memorabili. Se amate il doom ma non cercate a tutti i costi la sua evoluzione futura, amerete questo disco alla follia. (Stefano Torregrossa)

(Endless Winter - 2019)
Voto: 72

https://wolfcounsel.bandcamp.com/album/destination-void

Marsala - S/t

#PER CHI AMA: Elettronica/Ambient, Tangerine Dream, Brian Eno

Immaginate i Tangerine Dream che fanno sesso non protetto con i 65DaysOfStatic mentre Brian Eno filma tutto: forse — dico, forse — avrete un’idea di cosa c’è nella testa di Andrea J. Marsala, qui al debutto con il suo primo lavoro solista. Con l’opening “Slipping Into Open Flesh” ci si spalanca davanti un universo strumentale di macchinari smisurati, ben raccontati dalla ritmica industrial sullo sfondo, su cui si stratificano incessanti dissonanze oscure e gorgoglianti. Si torna a respirare in “Drowning in the Void”, con un organo prima e un arpeggiator poi, a guidare i movimenti. “Wide Open Wound” ha il sapore allucinato dell’oriente etnico con i suoi strumenti misteriosi. Una voce campionata introduce “The Distrophic Dancer”, costruita su un groove di synth-bass tanto lineare quanto mesmerizzante, che lascia spazio ad una immensa cacofonia di fiati sul finale. String sintetici fanno da contraltare ad un basso sussurrato in chiave maggiore su “Streams of Light”, che prelude all’orchestrale “Sipario”: una batteria new-wave guida un’opprimente marcia militare di archi e flauti, che diventa inquietante con l’ingresso di una voce che sembra rivolgersi a divinità sconosciute. Chiude “Ultime Fatiche sulla Via del Ritorno”, lunga parentesi ambient guidata da voci campionate, pad sintetici ed echi sottomarini, in un epico crescendo di disturbi noise. Marsala conosce bene il suo mestiere: l’amalgama di musica elettronica e acustica è in perfetto equilibrio, sempre in tensione tra luce e oscurità, tra pace e inquietudine, tra digitale e analogico. Un lavoro di songwriting tutt’altro che banale, forse penalizzato da alcuni synth un po’ ridondanti e da una tracklist che sembra concentrare il lavoro a “capitoli”, anziché prediligere una sequenza dei brani più fluida ed omogenea. Piccole imperfezioni comunque, per un signor disco uscito solo pochi giorni fa (il 20 febbraio) e per cui attendo già impaziente Marsala al varco con il successivo lavoro. (Stefano Torregrossa)

(Wallace/Brigadisco/Dreamingorilla Records - 2019)
Voto: 75

https://soundcloud.com/user-716986154

Ananda Mida - Cathodnatius

#PER CHI AMA: Psych-rock '70s/Stoner/Garage, Brant Bjork

Gli Ananda Mida sono una creatura strana: il collettivo veneto è guidato da Max Ear (ex OJM) e Matteo Pablo Scolaro, entrambi coinvolti direttamente nell’etichetta GoDown Records. Da un primo, acerbo EP del 2015 a questo secondo full–length (che segue l’ottimo 'Anodnatius'), i due hanno suonato con line-up modulari, con o senza cantanti, aggiungendo tastiere, organi, percussioni a seconda delle necessità. Le coordinate musicali degli Ananda Mida, pur con la dovuta maturazione, sono tuttavia sempre rimaste costanti: l’ispirazione settantiana è fortissima, e premia una attitudine più garage che stoner (“Blank Stare”, con quel rullante insistentemente in battere), e sicuramente più psichedelica che metallara. Le vocals — c’è un ottimo Conny Ochs al microfono — sono calde, coinvolgenti, persino mistiche (la ballad acustica “Out Of The Blue” ne è un ottimo esempio). Melodia e timbrica ricordano da una parte il Jim Morrison dei The Doors, e dall’altra i recenti lavori di Brant Bjork — con i quali gli Ananda Mida condividono anche una certa passione per il rock/blues tinto di roots (“Pupo Cupo”). Fra i cinque brani di cui è composto 'Cathodnatius' spiccano i 22 minuti di “Doom and the Medicine Man”, che chiude il lavoro: una sorta di manifesto degli Ananda Mida, una suite lisergica dalle tinte southern (intendiamoci: qui di doom c’è solo l’ispiratissima lentezza dei bpm!), guidata dalle ottime chitarre di Matteo e Alessandro che trasudano delay e riverberi mentre macinano riff, accordi e soli. Bisognerà attendere la metà del brano per la prima accelerazione verso sonorità più stoner e spinte — ma il feeling è sempre lo stesso: occhi chiusi, braccia al cielo e testa che ciondola a tempo — per chiudere poi in un finale strappa-mutande dove a spiccare è nuovamente la voce del bravo Conny. Un lavoro scritto, arrangiato, registrato e prodotto con una precisione maniacale, che conferma gli Ananda Mida come vero gioiellino del panorama italiano. (Stefano Torregrossa)

(GoDown Records - 2019)
Voto: 80

https://anandamidaband.bandcamp.com/album/cathodnatius

Black Space Riders - Amoretum Vol.1 - Vol. 2

#PER CHI AMA: Heavy/Psych/Space/Stoner/Alternative Rock

La Germania ci ha sempre abituati ad una certa avanguardia stilistica a tutto campo: dalla purezza del Bauhaus al kraut-rock, dai robotici Kraftwerk al calzino con sandalo, dai Rammstein ai würstel bianchi. Non stupisce, quindi, che una band come i Black Space Riders provengano proprio dal cuore della Germania. Stupisce anzitutto la loro produzione musicale: ben cinque album in sei anni prima di questo doppio lavoro 'Amoretum', che da solo sfiora i cento minuti di durata (cento!), divisi tra Volume 1 e Volume 2, usciti a soli sei mesi di distanza. I due volumi di 'Amoretum' condividono evidentemente una scrittura uniforme e comune, come in un gigantesco concept album di ventidue tracce diviso in due macro movimenti: il primo, appena più psichedelico; il secondo più disposto ad osare con il lato oscuro, distorto, pesante. E, proprio come nel giardino evocato nel titolo, i brani germogliano impazziti come milioni di diverse varietà vegetali: nascondono o riflettono la luce del sole, hanno spine pungenti o fragili petali, fiori colorati o foglie nerissime, radici infestanti o steli delicati, profumano l’aria o la soffocano. Le coordinate musicali dei Black Space Riders non sono facili da identificare: se da una parte pescano a piene mani da una certa new wave anni ’80 — nelle melodie, sempre piacevoli e orecchiabili — (“Soul Shelter”) dall’altro non disdegnano le distorsioni fumanti tipiche dello stoner rock (“Come and Follow”, “Lovely Lovelie”, “Ch Ch Ch Ch pt. 2”), le atmosfere ipnotiche dello space rock più settantiano (“Movements”), un songwriting che ha molto a che spartire con il prog-rock (“Lovelovelovelovelovelovelovelove Love”, o la lunghissima e conclusiva “The Wait is Never Over”, assoluto capolavoro). Ad un ascolto più attento, emergono persino una certa ambient minimale, voci growl, parentesi dub/reggae (“Fire! Fire!”), chitarre shoegaze, atmosfere orientali (“Ch Ch Ch Ch pt. 1”) — e, in generale, l’impressione di assomigliare contemporaneamente a The Cult, Monster Magnet, U2, Colour Haze, Mogwai, Brant Bjork, Hawkwind e chissà quanti altri. So cosa state pensando: troppi generi, troppa carne al fuoco — il disco non può che risultare sconnesso, disomogeneo. Tutt’altro. Nella selva di emozioni e ispirazioni all’interno dei due capitoli di 'Amoretum' c’è, presente e sottesa per l’intero lavoro, una coerenza innegabile: l’amore immenso e incontenibile per la sperimentazione, la libertà, l’immaginazione senza vincoli se non quello, perfetto, della bellezza. Cos’è il rock, nel suo spirito più puro, se non questo? Poco dovrebbe importarci delle etichette di genere, quando siamo davanti a capolavori di scrittura e invenzione come questo. Da ascoltare, senza alcuna paura di perdersi — anzi, proprio per perdersi. (Stefano Torregrossa)

(BlackSpaceRecords/CargoRecords - 2018)
Voto: 90

https://blackspaceriders.bandcamp.com/

Laconic Zero - Sun To Death

#PER CHI AMA: Industrial/Electronoise/8-bit/Djent

“Chi vuole recensire un disco programmato col Commodore 64?”. Ovviamente: io! Premo play ma ho già la bava alla bocca, perché adoro la musica folle e perché sono un nerd che ha vissuto a pieno l’esplosione informatica degli anni ’80. Alcune coordinate per capire i Laconic Zero: ogni singolo bit è pensato, scritto e suonato dal norvegese Trond Jensen — già chitarrista e bassista dei Next Life e dei Mindy Misty — che aveva esordito come Laconic Zero la bellezza di 11 anni, fa con l’applaudito 'Tribeca'. Questo secondo lavoro, 'Sun To Death', è un viaggio mesmerizzante di poco meno di mezz’ora, suddiviso in 11 movimenti che raramente superano i 3 minuti l’uno. Poca roba? Aspettate a dirlo. Ogni brano è un condensato multilivello di follia strumentale come non ne sentivo da parecchio, una supernova di bassi distorti, synth gorgoglianti e un tessuto fittissimo di casse, rullanti, percussioni e beat con quel sapore vintage che solo una programmazione old-school in 8 bit è in grado di dare. I primi 10 secondi della opening “Evoke Heat” sono già una dichiarazione di guerra, con quei blast-beat (o dovremmo dire blast-bit?) spietati e quel 6/8 ripetuto all’infinito tra crescendo e calando. “Gladeflicker” ha il sapore dei Ministry sotto acido, sorretto com’è da un synth giocattolo e un basso gorgogliante di distorsione. Reggetevi forte ai vostri neuroni quando entra l’arpeggiator in “Inborn Eclipse”, perché potrebbero scivolarvi tra le dita. Se la coppia “Infractor” e “Into The Plasma” lasciano respirare tra strings lunghi e ipnosi noise, è solo per prendervi nuovamente a pugni in faccia con la velocissima “Diamond Crash” (ah, se gli Shining di 'Blackjazz' fossero nati negli anni ’80!) o la finale “The Sun To Death”, che sembrano i Nine Inch Nails suonati da Super Mario Bros. Non vi spaventi il solo apparente sapore midi dei suoni: non c’è nulla che sappia di antico o vintage, qui. La mente di Trond Jensen è un vero labirinto di metal modernissimo e industrial death, e questo 'Sun To Death' è un inno alla violenza elettronica suonata con cuore, anima e testa, prima ancora che con super produzioni e tecnologie contemporanee. (Stefano Torregrossa)

(Handmade Records - 2018)
Voto: 80

https://www.facebook.com/laconiczero

Thalos - Event Horizon

#PER CHI AMA: Post Rock strumentale, Mogway

Curiosa fusione tra post-rock strumentale, gusto tedesco per l’elettronica ed esperienza visiva (c’è un videomaker fisso nella squadra, che trasforma in esperienze visive la musica), in questo debutto dei veneziani Thalos. 'Event Horizon' è un lavoro compatto, completamente coerente dal primo all’ultimo minuto. Nove tracce mature ed emotive, costruite sostanzialmente sul continuo gioco melodico tra chitarra e synth — sotto il quale s'incastrano basso e batteria, precisi e costanti —, che si inseguono, si sostengono e si rispondono in continuazione. Le coordinate sono quelle del post-rock colorato di elettronica: niente di nuovo, quindi, anche se i Thalos sanno gestire il tutto con un gusto etereo, impalpabile — mancano i forte/piano tipici, per dire, di certi Mogwai. Meglio: le accelerazioni e i cambi di dinamica ci sono, ma sono pacati, educati, eleganti. Nessuna sorpresa, nessun sobbalzo, nessuna emozione improvvisa. 'Event Horizon' scorre languido, alternando con equilibrio e dolcezza episodi più ritmici ("Berlin", "Progress", "Union") a momenti più onirici ("Quantum", "Limbo"), prediligendo in generale l’atmosfera alla novità, il bel suono al volume, l’intimità al trasporto. Il rischio, purtroppo, è che questo disco passi senza lasciare traccia: delicato e sommesso, non sembra richiedere un ascolto troppo concentrato. Finirà, purtroppo, a suonare in sottofondo mentre fate qualcos’altro. (Stefano Torregrossa)

(Antigony Records - 2017)
Voto: 70

https://antigonyrecords.bandcamp.com/album/event-horizon-cd-digital

L’Ira del Baccano - Paradox Hourglass

#PER CHI AMA: Psych-rock/Stoner, Hawkwind, Black Sabbath, The Grateful Dead

Comprate questo disco, ora: è un fottuto capolavoro. I romani L’Ira del Baccano, quasi tre anni dopo l’acclamatissimo 'Terra 42', sfornano questo 'Paradox Hourglass' che è in grado di muoversi agilmente tra il rock oscuro vecchia scuola dei Black Sabbath, lo space rock di Hawkwind e The Samsara Blues Experiment, il prog dei Rush e l’attitudine all’improvvisazione dei The Grateful Dead. Un lavoro solido e poliedrico, ricco di sfaccettature, composto da una lunga suite in due parti (per un totale di 20 minuti) e due brani mai sotto gli 8 minuti. “Paradox Hourglass Part 1 e 2” sono un inno heavy-prog, talmente ricco di riff, stili, cambi di atmosfera e livelli di ascolto da valere l’intero disco. Le chitarre di Santori e Malerba fabbricano sofisticati pattern, perfettamente a loro agio sia nelle sonorità più progressive (Part 1) che in quelle più heavy (Part 2). La sezione ritmica di Salvi e Bacchisio, solo apparentemente in secondo piano, colora con grande gusto ogni riff e passaggio, consapevole nel creare dinamiche e nel seguire i fraseggi delle due chitarre. “Abilene” è un frullato perfetto di attitudine jazz-prog e stoner rock, con una parte centrale (arricchita da tastiere e theremin) che vi proietterà nello spazio più ipnotico, per poi rituffarsi in sonorità heavy. Chiude “The Blind Phoenix Rises”, sensibilmente più lenta e doom delle precedenti — persino epica, in certi passaggi — ma nuovamente incredibile nella varietà e negli incastri di tempi, ritmi e riff. E sia chiaro: non c’è onanismo in questo disco, nessuna esagerata dimostrazione, nessun vezzo tecnico fine a se stesso — ogni singola nota viene suonata nel rispetto del brano e della personalissima visione musicale dei L’Ira del Baccano. Gli oltre 40 minuti di 'Paradox Hourglass' vi riempiranno cuore e cervello, e solo alla fine vi accorgerete che la voce non vi è minimamente mancata. Se credete che gli italiani sappiano fare solo pop, cantautorato noioso o repliche di repliche di indie (se ancora questa parola ha un senso) — beh, ascoltate 'Paradox Hourglass' e pentitevi. (Stefano Torregrossa)

(SubSound Records - 2017)
Voto: 90

https://liradelbaccanoofficial.bandcamp.com/album/paradox-hourglass

Kinit Her - The Blooming World

#PER CHI AMA: Avantgarde/Musica Medievale/Psichedelia/Ambient

Immaginate Angelo Branduardi, Enya e i Mumford & Son fatti di allucinogeni; ora, dategli in mano strumenti medievali, trattati di esoterismo ed una manciata di campioni elettronici, tritate il tutto per bene, e avrete i Kinit Her. Troy Schafer e Nathaniel Ritter sono le menti dietro questo progetto arcano e sperimentale, che unisce musica corale, folk, psichedelia e musica classica in un disco perfettamente prodotto ('The Blooming World' è addirittura il dodicesimo album per i Kinit Her, attivi ormai da oltre 7 anni!). Il songwriting è fortemente influenzato dalla scrittura medievale, condita da una forte volontà avanguardista: non aspettavi quindi ritmiche decise, né battute in quattro, né una forma canzone tradizionale. Chitarre acustiche e percussioni danno la struttura (“Learning Conveyed in Daylight”), ben supportate da string e da una per nulla artificiale elettronica sullo sfondo (“Blooming World”), che pure si concede episodi più ambient (“Opposition”). E poi voci, voci e voci; cori che decantano formule magiche e versi arcani; sussurri, intonazioni orientali, vocalizzi lontani, cantiche gregoriani, litanie inquietanti. Siamo di fronte ad un lavoro che è assolutamente fuori dal tempo e dallo spazio (i Kinit Her sono del Wisconsin, ma questo disco è internazionale — pesca a piene mani dalla tradizione musicale orientale e occidentale, passata e presente), un viaggio acustico e interstellare in un universo oscuro e inconoscibile. Per pochi. (Stefano Torregrossa)

(Self - 2016)
Voto: 65

https://kinither.bandcamp.com/

Raptor King - Dinocalypse

#PER CHI AMA: Metalcore/Math

C’è chi costruisce elaborati concept album per raccontare serissime vicende personali, viaggi fantascientifici o futuri distopici. E poi ci sono i Raptor King, che si presentano con un packaging imbarazzante, un video in cui un tizio vestito da dinosauro con gli occhiali da sole viene in faccia ad una sosia di Rey dall’ultimo 'Guerre Stellari' ed una storia quanto mai improbabile e ridicola. In questo secondo EP 'Dinocalypse', si racconta di King Raptor V, un dinosauro potentissimo e senza rivali, che governava il mondo 74 miliardi di anni fa. Grazie ad un portale interdimensionale, King Raptor V viaggia nel tempo e arriva nella periferia parigina nel 2015. Assolda due improbabili scagnozzi (il chitarrista illusionista Nightsmoke e il batterista Don Coco) e decide di conquistare il nostro mondo fondando una band: i Raptor King appunto. Musicalmente parlando, siamo di fronte ad un frullato di generi e stili difficilissimo da catalogare. L’opening è affidata alla title track “Dinocalypse”, un assalto deathcore di casse e rullanti, su cui un basso tossico e le chitarre in palm-mute, costruiscono un groove intricato sullo stile dei The Dillinger Escape Plan. Pregevole il lavoro alla voce, gorgogliante e brutale. Cala la luce in “The Witch”, guidata da un riffing lento e oscuro, sabbathiano, quasi doom in certi versi, capace però di inaspettate aperture in blast-beat e accelerazioni metalcore. Sulla successiva “The Long Way To Rock (Pom Pom Pom Pom Pom)” non potrete non muovere la testa: un mid-tempo perfetto e un groove contagioso a cavallo tra rock e metal fanno da tessuto ad una canzone in grado di dare spazio alle capacità tecniche di ciascun membro. “Fight’n’Roll” accelera nelle corde di un metal più contemporaneo, violento e potente, dove King Raptor urla come un punk fatto di adrenalina, ma si ammorbidisce sui ritornelli più catchy. Chiude “Lonesome Raptor”: un blues lento e malato, melodicamente impeccabile, con una voce rauca che ricorda Tom Waits. Un lavoro talmente eterogeneo e sconnesso da spaventare, ancor di più se consideriamo l’assurda ironia dei testi e dell’intero concept. Ma i Raptor King sanno suonare, eccome: se cercate un approccio competente ma ridicolo al metalcore contemporaneo, questo gruppo fa per voi. (Stefano Torregrossa)

(Self - 2017)
Voto: 65

http://www.raptorkingrocks.com/

Brieg Guerveno - Valgori

#PER CHI AMA: Prog, Opeth, Porcupine Tree

Se cercate nell’ambito folk, è piuttosto facile trovare band che usino il proprio dialetto nei testi. Allargando la ricerca al rock e al metal, il cerchio si stringe a pochi artisti. Tuttavia, è la prima volta che sento cantare in bretone. Il compositore Brieg Gurveno (autore di tutti i testi e le musiche) ha davvero le palle: sia per la capacità di costruire una poetica interessante con una lingua così difficile, sia per il più che discreto lavoro di songwriting e produzione. Il genere di riferimento è quel neo–prog contemporaneo, tinto da colori metal e misurate spruzzate di elettronica; il tutto è orientato ad una composizione malinconica, scura, vagamente epica. Sussurrano gli Opeth — ma scordatevi il growl e le sfuriate di doppia cassa — in certi utilizzi di suoni e alcune scelte melodiche (“En Desped” e “Pedenn”), ma anche quando Brieg Guerveno vira verso l’epico e il death-prog (l’inquietante “An Hizivenn”). È forte anche il richiamo ai primi Porcupine Tree (“Poltred” e la title-track “Valgori”), specie nelle aperture di archi. Sembra di sentire persino degli echi lontani di certi anni ’70, in particolare dei Pink Floyd e dei King Crimson più sperimentali (“Hirnez” o i cori sul finire di “Kelc’h”). Voce e melodia sono sempre squisitamente al centro dell’ascolto: ci sta, considerando che l’autore ha scelto il bretone come lingua. Musicalmente ho sofferto una certa ripetizione dei suoni (strings e synth sono, francamente, gli stessi per tutto il disco) e dei tempi ritmici, pur con la capacità di alzare e abbassare l’asticella dell’emozione per mantenere il lavoro scorrevole nel suo complesso. L’assenza di ogni riferimento all’universo folk rock rende questo lavoro comunque interessante: c’è un sapore quasi medievale nel cantato — antico, incomprensibile e per questo magico — ma il tutto è riletto musicalmente con gusto contemporaneo. L’unico rischio? La noia, per oltre un’ora di melodie trasognanti e tappeti di chitarre e archi. (Stefano Torregrossa)

(Paker Prod - 2016)
Voto: 65

https://briegguerveno.bandcamp.com/

Things Falling Apart - Blind Hammer, I Miss You Like Nails

#PER CHI AMA: Post Rock strumentale, Amon Düül II, Can, Mogwai

Adoro la gente strana, e i Things Falling Apart fanno senz’altro parte della categoria. Per i dischi precedenti (dal 2012 si contano quattro full, un EP e un disco con live e outtakes) hanno sempre adottato la stessa regola: registrare l’80% del lavoro in una giornata singola, e chiudere i dettagli restanti il giorno seguente. Un’operazione che premiava l’improvvisazione, la capacità tecnica, l’invenzione, il gesto spontaneo e istantaneo, più che il calcolo al tavolino. Per questo 'Blind Hammer I Miss You Like Nails' invece, la band dell'Illinois ha completamente rovesciato il proprio processo: le registrazioni del disco sono iniziate nel 2012 con un piccolo quattro tracce. Il materiale è rimasto lì per quasi un anno, per essere ripreso solo nell’estate del 2014 e processato digitalmente. Un nuovo pezzo è arrivato nel 2015, e gli altri a ruota nel 2016, registrati tra studi professionali, vecchi registratori analogici e computer. Il tutto è stato alla fine mixato solo a fine 2016: quattro anni di lavoro per un singolo disco — roba da pazzi. Non vi basta? Beh, considerate allora che in 'Blind Hammer...' ci sono la bellezza di dodici musicisti che si alternano tra chitarre elettriche, organi wurlitzer, synth, lap-steel guitar, loop station digitali, sassofoni e violini. Una vera e propria orchestra post-rock, capace di generare un viaggio strumentale lungo un’ora, sempre in bilico tra un kraut-rock oscuro e ossessivo (“Holchi the Earless”) e la desolante ampiezza dello spazio più distante (“From Urschleim”). Psichedelici nello stile e nei suoni — analogici, settantiani, ruvidi quanto basta — ma contemporanei nel songwriting (sempre libero da vincoli di stile, concentrato più sui suoni, gli strumenti, le emozioni), i Things Falling Apart non hanno paura di annoiare nemmeno quando confezionano un gioiellino di oltre 25 minuti come “The Hawkline Monster”, dove delay e tremoli si inseguono sopra un tappeto di piatti e string analogici, che si contrae e si espande in continuazione. Vi sfido ad ascoltarlo senza farvi trasportare in una session deviata dei migliori Can, tra droghe allucinogene e improvvisazioni circolari. (Stefano Torregrossa)

(Self - 2016)
Voto: 70

https://things-falling-apart.bandcamp.com/album/blind-hammer-i-miss-you-like-nails

Penfield - Parallaxi5

#PER CHI AMA: Electro/Prog Rock/Jazz

Al primo ascolto di questo secondo full length degli svizzeri Penfield, c’è da sentirsi disorientati. Dentro 'Parallaxi5' c’è un po’ di tutto: fusion, lounge, prog rock settantiano alla Pink Floyd, funky, dub, elettronica asciutta come nella moda contemporanea, post-rock nella gestione dei crescendo. Eppure – per strano che sembri – c’è una coerenza di fondo che è innegabile. I Penfield hanno le idee chiare, eccome, anche quando mescolano insieme generi solo apparentemente distanti tra loro. “Rosen” è l’apertura strumentale (in realtà, solo in tre degli otto pezzi appare la voce: il resto sono spoken words campionate) che muove le sue basi da una cassa reversed sulla quale si alternano soli di sax e chitarra che non possono non ricordare il David Gilmoure di 'Echoes'. C’è del funky nella seguente “La Physique Anarchique”, tinto di prog da un interessante partitura di moog, appena prima di approdare in territori più soft-jazz, dove resterà fino ai quasi 13 (lunghissimi) minuti di durata, lasciando peraltro il dovuto spazio all’improvvisazione degli strumentisti. La voce teatrale dell’ospite Walther Gallay guida “Apax 34 002”, che ha il sapore dei King Crimson di 'Islands' frullati da James Blake; ed è sempre Robert Fripp o persino Brian Eno a fare eco nella dilatatissima “Abyss”. MC Xela rappa su “Fashioned Wonderland” ed è subito r&b da club d’alta classe, in stile Fun Lovin Criminals (ma immaginateli mentre sorseggiano champagne, anziché tequila). C’è giusto il tempo per la veloce elettronica ballabile di “DNA”, ed ecco che anche Capitaine Etc. rappa su “L’Anonyme” – ma il brano è inquieto, più riff-based (ma è il moog a svolgere il grosso del lavoro), decisamente più rock prog dei precedenti. Chiude una stranissima “Les Sentiers Goudronnés”, col suo arpeggio quasi scolastico che apre a territori dub conditi da delay sul rullante, basso in sedicesimi e organo in levare. Difetti? Ce ne sono, beninteso. Troppi mid-tempo, forse. Alcuni brani troppo prolissi, ma senza manierismi fini a se stessi. Passaggi non indimenticabili (anche per l’assenza di vocals) e, in generale, un genere che non può essere ascoltato con leggerezza. Solo al secondo o terzo ascolto di 'Parallaxi5 'diventa più chiara la definizione che i Penfield danno del loro genere: cinematic prog o new prog. Una colonna sonora solida, colorata, organica, suonata e registrata impeccabilmente. Non un sottofondo da ascensore o supermercato, intendiamoci – una colonna sonora vera, parte integrante di ciò che vediamo. (Stefano Torregrossa)

(Self - 2016)
Voto: 70

https://penfield.bandcamp.com/album/parallaxi5

Wolf Counsel - Ironclad

#PER CHI AMA: Doom/Sludge, Saint Vitus, Cathedral, Candlemass, Black Sabbath

Alla prova del secondo album, gli svizzeri Wolf Counsel confezionano un piccolo gioiellino che si muove nei territori del doom e dello sludge vecchia scuola, supportati in particolare dall’ipnotica voce di Ralf W. Garcia – chiaramente ispirata ai grandi del genere come Wino e Lee Dorrian – e da una capacità di songwriting veramente eccellente. Con brani mai sotto i 5 minuti e più facilmente sopra i 6, non è facile non annoiare: ma, nonostante una scrittura nemmeno troppo riff-oriented (siamo da tutt’altra parte rispetto, ad esempio, al riffing di Mastodon o The Melvins!), gli Wolf Counsel riescono a tenere altissima la tensione dal primo all’ultimo minuto di 'Ironclad'. Apre le danze la splendida “Pure As The Driven Snow”, un canto di battaglia ipnotico e ripetitivo, persino epico negli assoli, guidato da una melodia che non dimenticherete facilmente. La successiva “Ironclad” mi ha ricordato i molto più metallari Grand Magus, che tuttavia con i Wolf Counsel, sembrano condividere la stessa passione per le corna alzate e per i potenziali cori di risposta dal pubblico nei live. L’oscurità arriva con le successive “Shield Wall” e “The Everlasting Ride”, pesanti come un macigno e, stavolta, più concentrate nel riffing e nella batteria marziale. L’acida “Days Like Lost Dogs” e la nerissima “When Steel Rains” (il punto più doom del disco) sembrano uscite dritte dritte da uno split tra Saint Vitus e primi Black Sabbath (di nuovo, la voce di Garcia qui è da pelle d’oca, specie quando arricchita dal delay). Chiudono l'opera i 7 minuti abbondanti di “Wolf Mountain”, che di nuovo tributano Cathedral e Candlemass nell’uso dei cori, nei fill di batteria e nell’ossessività delle melodie. Se vi piace lento, cantabile e un bel po’ vecchia scuola – ma amate le produzioni cristalline e i suoni potenti, contemporanei – 'Ironclad' sarà il vostro disco dell’anno. Da ascoltare. (Stefano Torregrossa)

(Czar Of Bullets - 2016)
Voto: 75

https://wolfcounsel.bandcamp.com/album/ironclad

Vayl - Eclipse The Sun

#PER CHI AMA: Sludge/Stoner

Dura poco più di 25 minuti questo EP dei berlinesi Vayl, che arriva dopo un demo e un full-length datato 2013. Meno di mezz’ora, quindi, in cui il power trio frulla innumerevoli influenze da diverse regioni del rock, dello stoner e del metal, per creare un’amalgama tutto sommato convincente e di grande impatto sonoro. Basso e batteria sono veloci, solidi, precisi e dritti in faccia, oscuri e zeppi di fuzz (“Face to Face”); la chitarra – che sembra ispirarsi più alle sonorità stoner-rock dei Monster Magnet che alla sporcizia sludge dei Mastodon – sforna riff e accordi pieni d’ispirazione quasi più metallara che desertica (“Left Undone”). Scordatevi quindi la psichedelia latente dei Kyuss e pure l’headbanging polveroso dei Fu Manchu: siamo piuttosto in un punto mediano, condito però da una vena metal, adrenalinica e violenta, fortemente supportata dalla voce del cantante/chitarrista Hagen Ohmstede. Una voce profonda, rauca, brutale e hardcore in quasi tutto il disco, capace anche di diventare melodica ed ossessiva quando serve (“Face to Face”, “Amnesia”). Un lavoro ingolfato di groove e up-tempo, potente come un pugno in pieno volto, solido e coerente con se stesso, pur senza annoiare. Ora aspetto solo il full-length, per verificare l’originalità dei Vayl sulla lunga distanza. (Stefano Torregrossa)

(Self - 2016)
Voto: 65

https://vayl.bandcamp.com/

Magoa - Imperial

#PER CHI AMA: Prog/Metalcore/Djent, Periphery, Tesseract

Quando ho visto i Periphery dal vivo di spalla all’inarrivabile Devin Townsend, ho subito pensato: questa è musica da ragazzini. Tecnica pazzesca, intendiamoci, ma sotto sotto il vecchio trucco del metalcore è sempre lo stesso: strofe serratissime e ritornelloni strappamutande, ripetuti all’infinito. Con 'Imperial' dei francesi Magoa temevo di trovarmi di fronte all’ennesima goccia di questo oceano. Ma questa non è roba da ragazzini: è metal contemporaneo tinto di prog e core, sparato con velocità, violenza e una cura degli arrangiamenti e del songwriting davvero notevole. C’è del talento in questo quartetto parigino, e ce n’è parecchio. Sì, d’accordo: la batteria cavalca sulla doppia cassa, le chitarre si sprecano sui palm-mute, c’è qualche poliritmo djent – mai troppo complicato, intendiamoci – e ci sono i già citati ritornelloni melodici (“Faith” e “Afterglow”). Ma la voce di Cyd Cassagne non dà tregua nemmeno un secondo, capace di scream, harsh e pulizia come se non facesse altro nella vita; e le brutali “Kill Us”, “Resistance” e “Endlessly” vi faranno saltare sulla sedia. Non mancano spazi di sperimentazione (“Merge”, che forse assurge al ruolo di inquietante e disperata ballata o “Remember”, cortissima cantilena sussurrata che poi apre su un inferno di urla e tom) e anche qualche intelligente inserto elettronico (come nella title track “Imperial” e, in generale, dove l’arrangiamento apre alla melodia), ma alla lunga i 45 minuti di durata rischiano di stufare un po’. Per come è suonato, registrato e composto, comunque, 'Imperial' è un treno metal-prog riempito di esplosivo e lanciato a tutta velocità. Da ascoltare. (Stefano Torregrossa)

(Ten to One Records - 2016)

Voto: 75

https://www.facebook.com/Magoaband/

Project Silence - Slave To The Machine

#PER CHI AMA: Industrial Black metal

Boh. Da un gruppo titolato come uno dei migliori episodi industrial finlandesi e con un disco dal titolo altisonante come 'Slave To The Machine', mi aspettavo di più. È un lavoro fortemente concentrato sulle chitarre e sulla voce quello del quintetto di Kuopio; l’elettronica, quando c’è, è nascosta, sullo sfondo, appena accennata e il più delle volte si avvale di suoni poco convincenti che sembrano usciti dai peggiori anni ’80 (“Abyss”, “Desperation”). La batteria è veloce, precisa, e svolge un ottimo lavoro di grancassa con interessanti accelerazioni, ma certamente non brilla di invenzione. Le chitarre sono fangose e vagamente retrò nella loro distorsione, ma decisamente scandinave nel riffing – senza però l’originalità della maggior parte dei colleghi nordeuropei. Ci sono episodi interessanti intendiamoci, e giusto un paio di passaggi davvero indovinati (“Circus Of Seven”, “The Era Of Fear” o la conclusiva “Invasion”). Ma si sente fortemente la mancanza dell’elettronica; ed è quasi peggio quando i synth vengono usati per le solite, banali introduzioni (“Titan”), per poi sparire completamente dopo pochi secondi. Su tutto questo, la voce del cantante e fondatore Delacroix, svolge un lavoro più che egregio, per gli appassionati del genere: brutale e gorgogliante per la maggior parte del tempo, assolutamente black nel suo screaming arcigno. Peccato che 'Slave To The Machine' duri quasi un’ora e strappi più di qualche sbadiglio già da metà tracklist in poi, quando tutto sembra diventare un manierismo masturbatorio un po’ troppo uguale a se stesso. Un disco lungo, tutt’altro che contemporaneo nelle scelte sonore e ben distante dall’industrial moderno. Solo per appassionati. (Stefano Torregrossa)

(Sliptrick Records - 2016)
Voto: 55

https://www.facebook.com/projectsilenceband/

Radar Men From the Moon - Subversive II: Splendor of the Wicked

#PER CHI AMA: Psych Rock, Kraut Rock, Amon Düül II, Gond, Can

Questo non è un disco, è un’esperienza musicale. Gli olandesi Radar Men From The Moon (che definiscono il loro genere ‘psych-house’) confezionano un lavoro splendido, sospeso tra kraut-rock, psichedelia ed elettronica strumentale. Ipnotico, ossessivo, straordinariamente ritmico pur nella sua capacità di costruire mondi lontani. Un disco che, sparato a tutto volume in cuffia, vi farà dimenticare dove siete, che giorno sia e persino come vi chiamate. L’opening “You Filled The House With Merciless Sand” è esattamente l’inizio che ti aspetti: una lunga introduzione di synth che respirano fuori dal tempo, fino all’improvvisa apertura electro-rock dal sapore vagamente retrò – sembrano i Can che suonano con la strumentazione dei Depeche Mode. Basso e batteria guidano incessantemente il passo anche in “Splendor Of The Wicked”, dove i RMFTM dimostrano di non disdegnare una pesante post-produzione dei suoni. Gli oltre 11 minuti della traccia fanno girare la testa annebbiando i sensi tra bassi distorti, batterie oscure, synth dissonanti e la fortissima sensazione di ascoltare un disco dub digerito dagli Amon Düül II. “Masked Disobedience” viaggia veloce, retta da un arpeggio di synth indovinatissimo su cui basso, chitarra e batteria riempiono ogni battuta disponibile. È qui che ci si accorge che i RMFTM non si limitano a ripetere riff e pattern, ma aggiungono variabili ad ogni battuta: un colpo di charleston in più, una nota di passaggio, un accento più vigoroso. Straordinari. L’andamento apparentemente marziale di “Rapture” è la scusa per costruire una canzone assai più poetica, con lunghe code di strings e morbidi synth dallo spazio. Chiude “Translucent Concrete”, con la sua ritmica decostruita e scomposta – persino industrial nei suoni meccanici e potenti – che nasconde atmosfere rarefatte sullo sfondo e prosegue mesmerizzante fino all’esplosione finale. Questo 'Subversive II' (che arriva, ovviamente, dopo un 'Subversive I' del 2015 e 'Decadence' dello scorso aprile) è un disco maturo, difficile, ipnotico: una perla nell’universo talvolta sempre uguale a se stesso della musica di oggi. È il tentativo di smontare e rimontare la concezione di un gruppo e della musica stessa, rimuovendo l’idea di una forma canzone preconfezionata, e pescando a piene mani da un passato (quello del kraut-rock, della psichedelia suonata) che ha ancora moltissimo da offrire – per poi ripresentarlo, rinnovato e contemporaneo. (Stefano Torregrossa)

Voto: 85

Arriva questa volta da Eindhoven la proposta che non ti aspetti, dalla band dal nome atipico e dalla copertina alquanto psichedelica. Signori, questi sono i Radar Men From the Moon (RMFTM) e 'Subversive II: Splendor of the Wicked' dovrebbe essere addirittura il quinto lavoro dal 2011 a oggi, mica male per questi ipnotici ragazzi olandesi, che devono aver scritto questo disco sotto strani influssi psicotropi. Il lavoro, che fa parte di una trilogia di suoni mossi ad esplorare, destrutturare e capovolgere il processo creativo, consta di cinque brani dalle durate importanti, che apre con l'ambient di "You Filled The House With Merciless Sand". Dopo un approccio, forse un po' troppo prolisso di synth, il quartetto tulipano attacca con un rifferama compatto che fa della ripetitività delle sue ritmiche il punto focale del proprio sound, in quell'incedere tipico del kraut-rock che ha portato a coniare il termine "motorik" per descrivere i tempi in 4/4 utilizzati. E la ridondanza di suoni è la caratteristica di fondo su cui poggiano i RMFTM come rettificato anche nella seconda "Splendor of the Wicked". L'effetto ottenuto? Potete immaginarlo voi stessi, angosciante; sembra quasi essersi calati un qualche trip e camminare in una disco con fastidiose luci stroboscopiche, a volumi disumani in mezzo ad una calca di gente, e in tutto questo macello non capirci davvero un cazzo. Delirante, non c'è che dire, le influenze IDM, EBM, minimal, si fanno sentire e conducono pericolosamente ad effetti indesiderati per la psiche, per cui dovrebbe essere messo un warning bello grosso sulla copertina del disco perché la proposta di questi folli, rischia di nuocere seriamente alla salute mentale. Ubriacato da questa serie di suoni che hanno perso del tutto la loro vena rock per far posto a quella elettronica, riesco ad arrivare incredibilmente all'ascolto della terza disturbante "Masked Disobedience", che mostra quasi un approccio post punk iniziale prima di orientarsi a nuove fughe lisergiche annienta neuroni. Ripetitivi fino alla morte, per lo meno in questo caso la band si limita a soli sei minuti di suoni ubriacanti; cercate di non ascoltarli in auto, se foste astemi, rischiereste di farvi trovare positivi dalla polizia al controllo del vostro tasso alcolemico. "Rapture" ci dà forse il colpo di grazia con un sound tribale, sciamanico, che ci conduce al centro della pista e ci lancia in un ballo in pura trance ipnotica, crivellati dai colpi penetranti di questi quattro criminali. Industrial, campionamenti vari, noise vanno a fondersi nell'ultima "Translucent Concrete", l'ultima tappa danzereccia di un pauroso viaggio, da cui sarà difficile fare ritorno. Pericolosi. (Francesco Scarci)

(Fuzz Club Records - 2016)
Voto: 75

https://radarmenfromthemoon.bandcamp.com/album/subversive-ii-splendor-of-the-wicked