Hyena/Mandrágora - Bite of Steel

#PER CHI AMA: Heavy Metal, primi Iron Maiden

Con questo split album facciamo conoscenza di altre due realtà della scena peruviana: gli Hyena sono un quintetto originario di Cajamarca, i Mandrágora invece arrivano da Nuevo Chimbote. 'Bite of Steel' l'occasione per vedere da vicino le due band, accomunate dal desiderio comune di dar voce all'heavy metal. Niente estremismi sonori quindi, il che si evince quando "Ready to Explote" dei Hyena fa la sua comparsa nel mio stereo con le sue cavalcate helloweeniane e i suoi chorus che sembrano invece chiamare in causa gli Over Kill. Poi è solo una tempesta di chitarre, le vocals di Miss Diana Cabanillas tirate all'acuto più acuto che c'è, quasi da spaccare i bicchieri. E poi tanto divertimento che non provavo dagli anni '80. Con "Rise Your Fist" addirittura rivivo il mio periodo Motley Crue di metà anni '80, periodo 'Shout at the Devil'. Ecco per chi non avesse bene in mente le date, il balzo indietro nel tempo è di ben 37 anni, non so se è chiaro. Questo per dire che la proposta degli Hyena, per quanto divertente possa essere (figo peraltro l'assolo della seconda traccia), non è proprio freschissima, il pesce comprato al mercato una settimana fa, tenuto fuori dal frezeer, puzzerebbe di meno, giusto per chiarirci le idee. Il che è dimostrato anche dalla successiva "Keep It True", il cui riff di chitarra potrebbe essere preso in prestito dagli Iron Maiden degli esordi, e a quel punto andremo indietro di oltre 40 anni. E con la quarta "It's Shout Rock n' Roll", i nostri sudamericani rischiano addirittura di impantanarsi nelle sabbie del rock heavy di anni '70 ricordando anche un che dei Saxon. Vediamo allora di verificare se i Mandrágora seguono le stesse orme dei loro compagni di viaggio o se la loro assai più lunga esperienza, li ha maturati un pochino. Sempre quattro le tracce a disposizione, dalle durate mediamente più lunghe. La lunga "Bitterness" è il biglietto da visita e l'ombra di Bruce Dickinson e compagni è li ad aleggiare, almeno fino a quando un'altra gentil donzella, alias María Orythia, fa la sua comparsa dietro al microfono a provare solo lontanamente ad emulare il suo esimio collega britannico con un risultato lontano anni luce dall'originale. Il sound poi strizza l'occhiolino al periodo "Powerslave" della Vergine di Ferro, i cui punti di contatto non si limitano al solo rifferama ma anche spudoratamente al basso che ha reso famoso nel mondo il sublime Steve Harris. Buona la porzione solistica, ma sottolineare qualcosa di originale in queste note è impresa ardua. Con "Death to the Witch" posso confermare per lo meno l'omogeneità di fondo del quintetto, a differenza della performance dei colleghi Hyena. Quindi qui il problema rimane semmai quale album degli Iron rievocare, in questa song ci sento un che di 'Piece of Mind' ad esempio, anche se la voce della frontwoman rischia di essere un supplizio per le mie orecchie. Più retrò invece il sound di "Lies" che, per quanto ricca di groove, mi indispone non poco e pertanto preferisco skippare all'ultima più moderna e d'acciaio "Never Surrender", quasi a palesare un differente periodo di stesura dei pezzi, ma anche a sancire la fine di uno split album che rischia di fare la gioia solo di pochi nostalgici del vecchio NWOTHM, presente escluso che continuerà ad amare solo ed esclusivamente gli originali. (Francesco Scarci)

(Thrashirts - 2019)
Voto: 58

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Beesus - 3eesus

#PER CHI AMA: Psych/Stoner

Le vie dello stoner sono infinite. Almeno così pare, osservando la prolifica scena underground del belpaese, in costante fermento ultimamente per quanto riguarda le ruvide sonorità fuzzate e le frequenze ultrabasse. La trasposizione del copione poi, può risultare anche altamente personalizzata, nel caso intervenga una sapiente lungimiranza dell’interprete. Ne sono un esempio i Beesus, gruppo laziale attivo da una decina di anni, che pubblica quest’anno il terzo LP. Dopo qualche burrascoso cambio di line-up occorso negli ultimi anni, la formazione si assesta sull’attuale essenziale power-trio. Non si può dire però che '3eesus' sia altrettanto essenziale. Abituata a sperimentare incessantemente per dare forma alle varie visioni allucinogene, la band capitolina riconferma la propria tendenza ad assimilare elementi delle più disparate provenienze, dal doom allo psych, fermandosi talvolta ad un “lo-fi-pit-stop”. Quello che forse traspare da quest’ultimo lavoro rispetto alle due precedenti uscite, è probabilmente il raggiungimento di una maggior compattezza e organizzazione sonora, per quanto possibile. Ci si scrolla di dosso qualche sporcatura punk da 'Sgt. Beesus… And The Lonely Ass Gangbang!' (2018), senza però perderne l’attitudine. Il primo impatto con “Reproach” è un vero pugno nello stomaco, con riff annichilenti da far tremare le interiora. Energia catalizzata in ritmo e potenza. Compaiono anche i primi cori ed intrecci a tre voci, come novità. Se pensate poi che non sia possibile sentire Melvins e The Doors in uno stesso brano, vi invito ad ascoltare “Sand for Lunch”. Uno dei più emblematici del disco sicuramente, dal titolo già di per sé evocativo. Ci troviamo inizialmente immersi in una tipica allucinazione morrisoniana, a sorvolare distese aride e desolate, per poi riscoprire nella seconda parte della track, le antiche tracce dei pionieri, quelli del già più riconoscibile Palm Desert. Se è vero che i Kyuss hanno interrato un seme estremamente vigoroso, è altrettanto vero che i germogli che crescono assumono le forme e le dimensioni più varie in assoluto. “Flags of the Sun” rappresenta un’altra dimostrazione di come il trio romano abbia concepito la propria impronta sonora per questo disco. Oltre alla viscerale sintesi dello stoner, qui si scorge qualche ispirato fraseggio dalle intenzioni blueseggianti. Le atmosfere psych sempre a fare da cornice, anche nella lisergica “Gondwana”. Forte anche di un’ottima produzione, più pulita e diretta, '3eesus' vanta l’interessante privilegio di essere stato registrato in presa diretta dal vivo. Pootchie (Guitars/Vocals), Johnny (Bass/Vocals) e Mudd (Drums/Vocals) hanno infatti avuto l’occasione di eseguirlo niente meno che al Monk Club, famoso locale da concerti della capitale. Questo grazie anche alla disponibilità di Giacomo Serri che ha reso possibile la realizzazione di questo notevole lavoro. (Emanuele 'Norum' Marchesoni)

(More Fuzz Records/GoDown Records/New Sonic Records - 2020)
Voto: 77

https://beesus.bandcamp.com/album/3eesus

Baume - Un Calme Entre les Tempêtes

#PER CHI AMA: Drone/Electro/Ambient

Juif Gaetan è il classico polistrumentista con un piede in più scarpe. L'abbiamo apprezzato nelle sue versioni black nei Cepheide e negli Scaphandre, ora abbiamo modo di godere delle sue gesta anche in questi stralunati Baume, senza contare poi che il mastermind parigino presta i suoi servigi anche ai Rance e ai Basilique. 'Un Calme Entre les Tempêtes' è il terzo EP in tre anni per la one-man-band transalpina, dopo gli ottimi riscontri ottenuti dal debut 'Les Années Décapitées' e dal successivo 'L'Odeur de la Lumière'. Tre i pezzi proposti da Juif, per un lavoro che sembra prendere drasticamente le distanze dal passato post-black dell'artista, proponendo infatti già dall'opener "Rien ne Dure", un ambient oscuro, per una song che si affida esclusivamente ad un beat elettronico che prosegue in un loop per 12 minuti, richiamando in un qualche modo la colonna sonora del film 'Inception'. Solo nel finale, la song sembra acquisire una forma di canzone con l'aggiunta di una flebile linea di chitarra, il tutto rigorosate in forma strumentale. La title track prosegue con questo mood trance electro-beat, con in aggiunta una voce spettrale che ricorda quella dei Decoryah, mentre in sottofondo si srotolano ancestrali melodie. Devo ammettere che non è di certo facile affrontare un mattone del genere se non si è degli amanti di simili sonorità droniche, soprattutto poi se il sottoscritto si aspettava di affrontare un nuovo episodio post-black. Nel frattempo si arriva alla terza song, "Octobre", una traccia che per lo meno sfoggia, almeno in apertura, una chitarra vera e propria, coadiuvata poi da una serie di synth e amenità varie che in poco meno di due minuti ne stritolano la portanza, quasi a farla sparire. Ma la linea di chitarra, come la propagazione di un'onda sonora sinusoidale, si muove attraverso picchi e valli, nascondendosi e palesandosi nell'ennesimo loop ipnotico di questo strampalato lavoro, che mi sento di consigliare a soli pochi eletti, dotati del proverbiale terzo occhio. (Francesco Scarci)

(Self - 2020)
Voto: 64

https://baumeband.bandcamp.com/album/un-calme-entre-les-temp-tes

Kayleth - Back to the Earth

#PER CHI AMA: Space Rock/Stoner

Dopo aver viaggiato in lungo e in largo nello spazio interstellare, ecco che i Kayleth fanno ritorno a casa. La band veronese torna infatti col terzo full length intitolato 'Back to the Earth', continuando con quella loro bella abitudine di trattare tematiche filosofico/spiritual/sci-fi a livello lirico. Il disco include dieci song e la prima cosa che avverto all'ascolto dell'opening track "Corrupted", è un forte ancoraggio dei nostri ai classici del passato, pur non rinunciando alle caratteristiche space rock che ne hanno contraddistinto le loro ultime release. Ma quello del quintetto veneto, più che un ritorno sulla Terra, mi pare piuttosto un ritorno alle origini, là dove tutto è cominciato. Black Sabbath e Kyuss tornano ad essere le preponderanti influenze di questa nuova fatica. La song pertanto mette in mostra un bel riffone di matrice sabbatthiana, con la voce di Enrico Gastaldo però che rimane quasi strozzata in sottofondo, mentre le keys di Michele Montanari assurgono sempre quel ruolo di arrangiamento che va a riempire a tutto tondo il sound dei nostri. Il brano va comunque in levare, con una bella base ritmica che accelera anche grazie alle martellate sulle pelli erogate dal sempre puntuale Daniele Pedrollo. "Concrete" è violenta e abrasiva sin da subito, una cavalcata desertica che trova il proprio ristoro in un litanico break centrale ove dar sfogo a tutte le visioni lisergiche dettate dalla Psilocibina contenuta nei funghi di quei luoghi cosi desolati. I giri di chitarra e basso, a cura del duo formato da Massimo Della Valle e Alessandro Zanetti, ci conducono ancora indietro nel tempo, anni '70 per l'esattezza; quello che non mi torna invece è ancora la voce del buon Enri sommersa da una produzione probabilmente troppo ovattata. Con "Lost in the Canyons", i nostri proseguono sulla medesima pista desertica, guardando questa volta agli Hawkwind, percependo anche un che dei System of a Down in una qualche nota di chitarra, e sottolineando poi come l'ipnotico incedere ritmico venga costellato dai pregevoli synth di Mick che qui assumono quasi la fisionomia del frinire dei grilli nella notte. Se non mi sono poi bevuto del tutto il cervello, mi pare di udire in questa traccia anche il verso di quello che sembra essere un sax ad arricchire i nebulosi arrangiamenti dei nostri. "The Dawn of Resurrection" è un'altra bell'esempio della roboante proposta dei nostri, guidata qui dal basso stentoreo di Ale che, a braccetto col rutilante drumming di Dany, mette a ferro e fuoco un'aria già di per sè incendiata. Qui l'influenza degli Electric Wizard torna a riaffacciarsi, cosi come quella dei Queens of the Stone Age, il cui fantasma aleggia un po' ovunque nel disco. Con "Delta Pavonis", i Kayleth vogliono ricordare parte del loro viaggio intergalattico quando si affacciarono alla costellazione del Pavone, a quasi 20 anni luce dal nostro sistema solare. I suoni da queste parti appaiono più freddi e rarefatti, anche se le melodie delle keys cercano di riscaldarli guidando poi un inebriante giro rock'n roll a base di chitarra e basso. È poi ancora una ritmica pesante quella contro cui sbattiamo il muso nell'incipit di "By Your Side". Mentre le tastiere fanno il diavolo a quattro, la voce di Enri prosegue nel suo evocare il vecchio Ozzy. Quello che preferisco della song è però quel finale etereo tra chitarre e keys che ne rendono davvero giustizia. "Electron" è un pezzo magnetico d'altro canto con un titolo del genere che cosa vi aspettavate? Carico grondante di groove fin dalle note iniziali, il brano scivola che è un piacere in bilico tra uno stoner rock mid-tempo, un post-grunge e una darkwave di fine anni '80, senza troppi fronzoli e trovate, il che ci mostra un lato ancora nascosto del quintetto italico. La sua essenza è tanto perfetta quanto imprevedibile, ideale per un po' di meditazione alla ricerca del proprio IO supremo, l'autocoscienza, prima che nel finale i nostri riaccendano i motori della propria astronave e decidano di riprendere il volo. "The Avalanche", come una valanga, ci investe in modo forse volutamente un po' disomogeneo, mentre "Sirens" ha un che di decisamente magico ed esoterico nei suoi solchi, forse la traccia più strana ed originale del disco, anche se dobbiamo ancora commentare "Cosmic Thunder", la song che furbescamente (e maliziosamente) chiude il disco. Si tratta di una track dall'incedere disco dance anni '70/80 che ci mostra come, in perfetta simbiosi col rock rude dei Kayleth, ci sia ancora molto da scoprire in questa parte non del tutto esplorata di mondo. (Francesco Scarci)

(Argonauta Records - 2020)
Voto: 75

https://kaylethstoner.bandcamp.com/

Mnemocide - Feeding the Vultures

#PER CHI AMA: Death, primi Amon Amarth

Passati completamente inosservati dalla critica italica in occasione del loro EP di debutto intitolato 'Debris', gli svizzeri Mnemocide ci riprovano, rilasciando questa volta il full length d'esordio, 'Feeding the Vultures'. Sostenuti dalla sempre intraprendente Czar of Crickets Productions, il quintetto di Basilea si lancia a spron battuto con 12 nuove tracce e un concentrato di death melodico assai nerboruto. Si perchè di questo si tratta fondamentalmente, death metal avete capito bene, ricco di groove ma pur sempre un death metal bello compatto. Questo almeno quanto svelato da "Crash & Burn", che segue a stretto giro l'intro "Manifest". Ebbene, ritmica possente e mai troppo veloce, growling vocals da manuale, un discreto assolo e poco altro. Mmm, qualcosa mi sfugge nella scelta della label elvetica, da sempre attenta ad avere realtà assai particolari nel proprio rooster, nel 90% dei casi accomunate peraltro dalla loro origine comune, la Svizzera appunto. Ora, non sono qui a dire che la proposta del quintetto basilese sia di bassa qualità, giammai, piuttosto mi verrebbe da dire che non ha assolutamente nulla di originale, e proprio qui risiede il problema. "To the Nameless" è un brano diretto, il classico pugno nello stomaco di scuola Bolt Thrower, con quei suoi chitarroni che macinano riff a profusione, e su cui si staglia il vocione incazzato del bravo Matthias, ma siamo però sicuri che questo è quello di cui abbiamo bisogno? Voglio dire, di album del genere ne è pieno il mondo e i Mnemocide non fanno altro che accodarsi a questo carrozzone senza di certo stravolgere la scena. Mi spiace sembrare cosi tranchant nel commentare la fatica costata ai Mnemocide, usando parole piuttosto dure, ma francamente la musica dei nostri non mi trasmette nulla. Quel che è certo è che i cinque musicisti elvetici siano ottimi mestieranti, insomma la perizia tecnica è buona, pezzi come "In Pain" o "Like Ghost" (dove finalmente un ottimo assolo riesce a mettersi in luce) scivolano via piacevolmente, ma mi duole ammettere che arrivato alla conclusiva "Revolution Required", nulla di quanto ascoltato mi sia rimasto impresso nella testa, il che mi costringe a rimettermi all'ascolto di un lavoro che rischia di scadere nell'anonimato in un brevissimo lasso di tempo e che peraltro non mi invoglia a successivi ascolti. Non mancano i buoni pezzi lo scrivevo già poco più sopra, "Again" è uno di quelli, con uno stile che mi potrebbe chiamare in causa gli Amon Amarth, ma ancora una volta mi ritrovo in una posizione non troppo comoda nell'affermare quanto la proposta dell'ensemble sia assai derivativa e nulla di più. D'altro lato, una song come "Let Me Feed You" la trovo di una scontatezza disarmante. E quindi molto meglio ascoltarsi un pezzo oscuro, ottimamente ritmato qual è "Fear Me", la decima song dell'album, per rappresentare degnamente la proposta dei nostri. Un po' pochino ahimè per portare poco più di una risicata sufficienza, serve ben altro per solleticare il mio palato sempre più sofisticato. (Francesco Scarci)

(Czar of Crickets Productions - 2020)
Voto: 60

https://www.facebook.com/Mnemocide/

Megatherium - God

#PER CHI AMA: Stoner Psych Sludge

Ci siamo lasciati con i Megatherium nel 2016 quando uscì il debut album 'Superbeast'. Ci ritroviamo oggi con un nuovo solido lavoro dall'onnipotente e "poco ingombrante" titolo, 'God'. Otto tracce per i nostri, di cui solo cinque in realtà veri e propri brani, visto che "(generate)" funge come sorta di dronica intro, "(organize)" come intermezzo strumentale, mentre "(destroy)" è una più breve e avvinghiante rumoristica song. Con "The One" il quartetto di Verona inizia a macinare i propri classici mastodontici riffoni e la prima cosa che vorrei sottolineare rispetto al precedente lavoro, è un netto miglioramento a livello vocale: Manuele ha infatti aggiustato il proprio modo di cantare e ora lo trovo meglio collocato all'interno di uno stile musicale che rimbalza costantemente tra stoner, sludge e doom, senza tralasciare che altre componenti, quali math, heavy classico, alternative e psichedelia, s'intersecano in più punti nei brani. "The Holy" parte più in sordina, tra riverberi di chitarra e giri ritmici melmosi che sembrano evidenziare una minor accessibilità alla proposta dei nostri rispetto al passato, privilegiando qui un approccio più pesante e oscuro. Forse questo potrebbe essere il secondo punto che differenzia 'God' dal precedente 'Superbeast' e devo ancora maturare l'idea se si tratti di un punto a favore o sfavore di questa nuova release. Probabilmente la differenza risiede nel cambio di line-up, che ha visto la fuoriuscita di Davide alla chitarra e il successivo innesto di Alberto "Tode" a rimpiazzarlo. La quarta song, "The Truth", ha un incipit ben più atmosferico, frutto dell'utilizzo di synth in background che ne mitigano non poco, la fruibilità. Ampio spazio viene dato comunque alla parte strumentale, come a voler stordire l'ascoltatore prima di porgere un paio di carezze ristoratrici, carezze che coincidono con l'ingresso alla voce del vocalist. Ma il sound continua a rimanere urticante e duro da digerire, frutto di continui tortuosi giri ritmici che finiscono col produrre un effetto sfiancante. È il turno della song più lunga del lotto, "The Eye", quasi undici minuti in totale apnea, visto il grado di angoscia che il pezzo riesce a generare. Il brano apre con un arpeggio dal vago sapor mediorientale, prima che un ribassato rifferama si metta a costruire un enorme muro sonoro dove ancora una volta, il cantato di Manuele, cerca di addolcirne le asperità. Il sound dei Megatherium si fa ancor più minaccioso con un giro ritmico dai tratti fortemente dissonanti che trovano in uno psichedelico break percussivo di scuola tooliana, l'apice compositivo (e di irrazionalità) di 'God'. Ecco, questi sono i momenti che adoro di questa band, in cui ti prendono, ti portano all'inferno e li ti abbandonano. Quest'ultimo alla fine è l'episodio del disco che ho preferito, finalmente identificato dopo una serie estenuante di ascolti che mi ha portato quasi al delirio psichico. Tuttavia, il finale è affidato ad una song dal temperamento più hard rock oriented, "The Strenght", in cui i nostri mostrano inizialmente i muscoli con il loro stoner lento ma possente, intriso di una buona verve grooveggiante che rende questa song di facile presa anche laddove la band si infila in un tunnel ove una luce soffusa sembra voler intorpidire i nostri sensi con fare seducente. La porzione interamente strumentale qui votata peraltro alla psichedelia più pura, mostra un'altra faccia dei Megatherium, quella più lisergica e sperimentale prima dell'ultimo ingresso vocale di Manuele. La song chiude un riffing monumentale cosi ritmato che nel suo fading out mi ha evocato i Metallica di 'Master of Puppets'. 'God' alla fine è un album complesso che non si capisce certo al primo ascolto ma necessità di grande attenzione per poter coglierne dettagli a volte sommersi da un riffing pachidermico e assaporarne cosi tutti i suoi colori e odori. (Francesco Scarci)

(Argonauta Records - 2020)
Voto: 76

https://megatheriumstonerdoom.bandcamp.com/album/god

Windfall - Spiritual Famine

#PER CHI AMA: Black Old School, primi Dimmu Borgir

Buenos Aires l'abbiamo confermato da poco non è solo centro dove si balla il tango, ma inizia ad essere centro fiorente di black metal. La band di oggi addiritura viene da lontano visto che la sua nascita è da annoverare addirittura nel 1994, sebbene una pausa in mezzo di ben 20 anni. La band si è riformata infatti nel 2017 preparandosi nei successivi due anni al rilascio di questo 'Spiritual Famine'. Il disco si muove dalle parti di un black mid-tempo, questo si evince almeno dalle melodie sinistre della title track che apre il disco con fare lento e decadente, ma di sicuro impatto grazie ad un angosciante arpeggio che ci diletta nella sua più pura semplicità per tutto il pezzo, mentre in sottofondo la chitarra ritmica traccia un riffing morboso di vecchia scuola burzumiana e la voce gracchiante di Amend (che abbiamo già incontrato negli Hermon) si fa capire nel suo screaming mai troppo eccessivo. Il primo episodio scivola cosi, tra ombrose parti ritmate e accelerazioni più urticanti, comunque avvolte da un'aura melodica affascinante. Non cambiano certo le cose con la successiva "Tongues Burnt by the Truth" che prosegue nella riproposizione di vecchie dottrine black degli anni '90 che ci riportano al fiorire della scena in Norvegia, vera e unica fonte di ispirazione per il quartetto argentino. Il riffing zanzaroso di allora infatti rieccheggia anche oggi nella vastità della pampa sudamericana, con un'alternanza tra accelerazioni e rallentamenti, corredati in sottofondo da appena percettibili tastiere che conferiscono un tocco diabolico alla proposta dei nostri. Ben più ritmata invece "Salt Covered Wounds" che gioca invece con gli esordi dei Dimmu Borgir, quelli ancora dell'EP 'Inn I Evighetens Mørke'. Nulla di nuovo quindi sotto il sole cocente del sud, se non tributare un amore mai svanito per quelle sonorità con cui tutti i veterani del black metal sono cresciuti. Mi spiace quindi non potervi dire che 'Spiritual Famine' abbia in serbo per voi quali sorprese. "Circles Within Circles", la più ferale (ma anche più classicheggiante a livello solistico) "Signs Unveiled by the Light of the Sun and the Moon" e via via tutte le altre song qui incluse, sono solo un bel modo per riassaporare quei tempi andati in cui il black norvegese guidava il mondo dell'estremismo sonoro. (Francesco Scarci)

(Sons of Hell Prod. - 2019)
Voto: 66

https://www.facebook.com/sonsofhellprod

Yaldabaoth - That Which Whets the Saccharine Palate

#PER CHI AMA: Grind/Experimental Black, Anaal Nathrakh

Quanto meno originale l'idea di far uscire il debut album di questa fantomatica band originaria dell'Alaska, il 29 febbraio 2020. Che gli Yaldabaoth siano peculiari, lo si deduce anche dal titolo culinario del lavoro, 'That Which Whets the Saccharine Palate', che nasconde in realtà un sound estremo e malato. Sei le tracce a disposizione dei nostri (anche se in realtà parrebbe trattarsi di una one-man-band) che irrompono con la delicata furia distruttiva di "Fecund Godhead Deconstruction". Mi rendo conto si tratti di un ossimoro, ma l'incipit cosi melodico viene spazzato via da un sound insano che va lentamente crescendo in schizofrenia e malvagità con linee di chitarra tracciate oltre la velocità del suono in modo dissonante, in quella che sembra essere una grandinata di suoni che annunciano la fine del mondo, in una tripudio di grind, black, noise e mathcore fuori di testa. Spero non vi spaventino queste mie parole, io l'ho trovato uno sprono ad andare avanti nell'ascolto curioso di questo lavoro, per capire come potrebbe evolversi in futuro l'approcio cosi violento dell'act di Anchorage. Influenzati dalla veemenza degli Anaal Nathrakh, dalle deliranti visioni degli Aevangelist e dalla dissonanza sonica dei Deathspell Omega, mi rendo subito conto che l'unica cosa da fare è stare fermi e lasciarsi trapassare dalle frenetiche vibrazioni impartite da questi terroristi sonori. Nel vorticoso arrembaggio sonico della lunga "Megas Archon 365", ci sento anche un che degli sperimentalismi spericolati dei Blut Aus Nord, giusto per darvi qualche altro riferimento e per cercare di inquadrare al meglio la pericolosa proposta degli Yaldabaoth e del caos sonoro da loro perpetrato, che quasi mi intimorisce nel muovermi anche ai successivi pezzi. Ma sono un tipo scafato, il pelo sullo stomaco non mi manca, mi attrezzo di corazza ed elmetto e mi lancio all'ascolto di "Gomorrahan Grave of the Sodomite". L'inizio è come al solito ingannevole, tra spettrali melodie di chitarra acustica e voci malefiche sussurrate, poi come lecito aspettarsi, è sufficiente uno spostamento di una lettera e da acustica ci si ritrova a caustica, anche se la band qui cerca quanto meno di smorzare i toni accesissimi con qualche rallentamento d'effetto e di grande atmosfera e per di più, qualche partitura jazzata, ove sottolineerei l'eccellente lavoro al basso. Non ho mai parlato di melodia per questo lavoro, in mezzo a questo macello non è proprio semplicissimo trovarne, eppure esiste un filo melodico e invisibile che collega le tracce lungo l'intera release, rendendola per questo ancor più interessante e digeribile. La title track è forse il pezzo più complicato da affrontare, cosi infarcito di riff destrutturati che mi scombinano le sinapsi dei miei pochi neuroni rimasti. Ciò non solo dimostra una vena creativa ma anche una preparazione tecnica di tutto rispetto. A degna conclusione di quest'incubo ad occhi spalancati, ecco la sgroppata finale di "Mock Divine Fury", un otre di ritmiche sincopate, riff ipercinetici, vocals maledette e qualche buona atmosfera angosciante, che vanno a sancire la validità di un lavoro che certamente rimarrà destinato a pochi fortunati adepti al male. (Francesco Scarci)

(Lycaean Triune/Aesthetic Death - 2020)
Voto: 76

https://yldbth.bandcamp.com/album/that-which-whets-the-saccharine-palate

Cénotaphe - Monte Veritá

#FOR FANS OF: Black Metal

The French scene is an unending source of excellent bands in the black metal field, being remarkably the last two decades, when this scene has flourished with a remarkable quality and quantity. As it is usual in this genre, we can always find musicians who shared its time with several projects, sometimes having an incredible amount of side projects. The French duo Cenótaphe is one of these cases. The project was founded back in 2015 by Fog and Khaosgott, who have several different projects. The case of Fog is impressive as he has been involved in around twenty projects, and as far as I know, he is, at least officially, still immersed in nine projects. This is outstanding to say at least. Going back to Cénotaphe, this project has been quite active, though it has only released a couple of demos and a split. The stuff contained in these works was interesting, though there was still a room to evolve and refine its compositions. Due to this, it was interesting to see what this duo could offer in a full length work after this period of progression.

Five years after its inception, Cénotaphe has recently released its debut album entitled 'Monte Veritá'. This work contains eight tracks, which as it is usually in France or Quebec, are sung in French. I always appreciate when a band sings in its own language, as it always helps to give a distinctive touch to their music. Musically speaking 'Monte Veritá' is firmly rooted in the black metal genre and it has a reasonably well-balanced production, with a certain grade of rawness, especially in the guitars. The vocals remind me some bands from Quebec and indeed the French scene, with distinctively aggressive and high-pitched vocals. The songs themselves have an unsurprising aggressiveness with a tendency of being quite straightforward and speedy, though the pace varies between fast and mid sections. Thank to this slight variety, these compositions never fall in an uninteresting tediousness. The album opener "Myosis" is a fine example with its fast pace and vicious vocals. The guitars, though having a slightly filthy production, have a strong melodic essence, which makes the song interesting. The first track has also an atmospheric arrangement, slightly buried in the mix, but which stills manages to enrich the track. Another interesting arrangement are the clean vocals introduced in the song "Aux Cieux Antérieurs", which add a solemn touch to the track. As the atmospheric arrangement, this resource is used a couple of times in the album. These elements make the album sound closer to a more atmospheric oriented stuff at times. In the song "De Mon Promontoire Astral", which is probably the best track of the album in terms of the guitar work, we can find both resources successfully used. This song has a nice balance between pure aggressiveness, atmosphere and energetic pace. We should never forget that is album is focused on the guitars, but the use of other musical ingredients, manages to expand the band´s sound avoiding the risk of sounding too restricted.

All in all, 'Monte Veritá' is a remarkably solid album, with a constancy in the quality and intensity of all the tracks contained in this debut release. The compositions have an interesting balance between ferociousness and melody, and its atmospheric touches make the songs richer and more interesting. What is initially a standard black metal album, ends being an excellent effort with an epic and atmospheric undertone. (Alain González Artola)

(Nuclear War Now! Productions - 2020)
Score: 78

https://nuclearwarnowproductions.bandcamp.com/album/monte-verit

Battlestorm - Demonic Incursion

#PER CHI AMA: Brutal Death, Impiety

La storia di questo disco è alquanto tortuosa: uscito originariamente nel 2010 ma in edizione limitatissima per l'etichetta giapponese Deathrash Armageddon, 'Demonic Incursion' è stato poi più volte riproposto nel corso degli anni, prima in cassetta, poi in vinile nel 2013 e finalmente ripreso in cd nel 2018 dalla label colombiana Trauma Records, includendo come bonus track, le cover di "Satanas" dei Sarcófago e "Blasphemous Attack" dei Blasphemy. Citandovi queste due band, potrete immaginare verso quale direzione, quello che è nel frattempo divenuto un oggetto di culto nel più profondo underground, viri la proposta del terzetto di Singapore. Siamo nei paraggi infatti di un death brutale e non fatevi certo ingannare dalla melodia seducente dell'intro di turno, perchè quando "Necrophilic Damnation" (anche i titoli dei brani lasciano poco spazio alla fantasia) esplode nel mio stereo, la prima reazione che ho è quella di indossare elmetto e relativa armatura, vista la ritmica deflagrante e annientante messa in moto da questi sovversivi asiatici. Preparatevi quindi al dilagare di un death thrash dinamitardo che lascia ben poco spazio alla melodia, se non in alcuni assoli o sporadici frangenti lungo il disco. Per il resto, è un sound corrosivo, veloce, con la batteria che esplode come la più classica contraerea e le vocals di Hades si propongono come vetriolica risposta ai conterranei Impiety. Il disco è un susseguirsi di tremebonde mitragliate: "Supersonic Devastations", "Lust, War, Vengeance" e la title track, si susseguono in una vorticosa e lacerante devastazione, lasciando solo polvere dopo il loro passaggio. È poi il turno di "Celestial Perversion", la più ritmata, melodica e raffinata "Serpentine Curse", la martellante "Despotic Archdaemon Reign" e la conclusiva ed arrembante "Savage Incarnate", che fondamentalmente non spostano di una virgola il loro range di azione se non proprio per un leggero tocco di melodia aggiuntiva. Dalle cover che aspettarsi poi se non una devastazione nuda e cruda. Bene, l'unico full length dei Battlestorm è un chiaro esempio di come vadano le cose nel sud est asiatico, sempre più spesso affascinato dalla furia distruttiva del brutal death, da cui nemmeno il terzetto di Singapore ne esce immune. (Francesco Scarci)

(Trauma Records - 2018)
Voto: 66

https://www.facebook.com/Battlestorm666/

Nudist - Incomplete

#PER CHI AMA: Post Metal/Sludge

Parto con il commentare l'ottimo artwork di copertina, curato da Coito Negato, per la nuova opera dei fiorentini Nudist. L'album, mixato e masterizzato da Eralbo Bernocchi, è da ascoltare con massima attenzione, per assaporarne tutte le sfumature e le variegate contorsioni compositive. Siamo all'interno dello sludge e del postcore, quello più viscerale e abrasivo, essenza che potevamo trovare già nelle atmosfere del seminale 'Aggravation' dei Treponem Pal, unito alla drammaticità nevrotica e decadente dei lavori micidiali dei Forgotten Tomb, di cui la voce dei Nudist, Lorenzo Picchi (anche al basso), ne ricorda non poco lo stile vocale. Originali nel loro sopravvivere nella sfera del genere, uniscono ritmi claustrofobici (ottimo il drumming Francesco Caprotti) e coloratissime sfumature di nero, sottolineate dai taglienti riff al vetriolo di Gabriele Fabbri (c' è anche lo zampino magico di Xabier Iriondo - chitarrista degli Afterhours - in questo bel disco), che penetrano nella carne (l'opener "Roped and Tied" ad esempio) come lame affilate, per un totale di una quarantina di minuti tutti da gustare con vorace desiderio di musica nera e avvolgente, uno sfogo di rabbia palpabile, meditato, finemente realizzato e niente meno che registrato al teatro Fabbrichino di Prato. Si sente, traccia dopo traccia, l'esperienza maturata di una band navigata, che fa valere le sue qualità musicali acquisite. Sferzate soniche e rallentamenti in slow motion per un film in bianco e nero dagli accentuati chiaroscuri, dove le parti 1 e 2 del brano "River", rivelano un'ottima vena sperimentale, con variazioni nel canto (con l'aiuto vocale di RYF) che si elevano dalle usuali vocals in screaming, aprendo il suono della band ad ulteriori frontiere ipnotiche e psichedeliche. Il terzo brano, "Demolition", si erge nella sua sofferta cronaca lisergica, con un'escalation di drammaticità a dir poco epica, in una sensazione di sospensione avvenuta in uno spazio senza tempo, marcato dall'oscurità incombente. "Crawl in Me", si muove a passo lento in un ambito fumoso e cupo, per uno scenario filmico e d'ambiente noir, un sound originale, vicino al depressive black, con voce salmodiante, straziante e lacera per una marcia funebre, maligna e lugubre che non fa prigionieri. I pregi artistici dei Nudist vengono messi in bella mostra da una eccelsa qualità di registrazione per l'intero percorso del disco ed anche nel lungo brano conclusivo, che porta il titolo dell'opera, "Incomplete" appunto. Una lunga soffertissima interpretazione acida, dall'incedere progressivo ed ossessivo, che si abbatte sull'ascoltatore come un macigno, per porre fine ad un set di canzoni che rapiscono per coinvolgimento emotivo ed un'atmosfera ammaliante virata al nero cosmico. Un album da mettere forzatamente tra le vostre collezioni migliori. Ascolto obbligato ed intensificato. (Bob Stoner)

(Dio Drone - 2020)
Voto: 79

https://nudistnudist.bandcamp.com/album/i-n-c-o-m-p-l-e-t-e

Nameless - Eternal Grief

#PER CHI AMA: Death/Doom, primi My Dying Bride

Calì, luogo d'incanto, cosi ammaliante, voluttuosa e libertina, vuoi per le sue bellissime donne, vuoi per i canti e i balli che si sprecano per le vie della città. Calì è anche uno dei luoghi più pericolosi al mondo e proprio qui, nel 1992, nascono i Nameless, band che in quasi 30 anni è riuscita a rilasciare solamente due album, l'ultimo dei quali è il qui presente 'Eternal Grief', uscito nel 2018 per la Demonic War Cult Productions. La proposta musicale del quartetto colombiano mi conduce dalle parti di un death doom che, introdotto dalla classica intro pianistica, si palesa in tutta la sua sostanza con "Lament", una song che riflette fondamentalmente le influenze per la band, che ci riconducono ai primissimi My Dying Bride. 'Eternal Grief' è infatti un disco che tende a privilegiare l'aspetto più death oriented che quello più poetico e decadente che è emerso nelle successive release dell'ensemble inglese. E qui ahimè casca l'asino, perchè il sound dei nostri risuona davvero obsoleto. Ho provato ad ascoltare con la dovuta attenzione anche le successive tracce, ma francamente la furia esplosiva più vicina al black di "Quiet Melancholy", mal si coniuga con il tentativo di offrire un sound piacevole o che possa minimamente destare un qualche interesse, sebbene sporadici tentativi di avvicinarsi, con arpeggi o parti vocali in pulito, anche alle proposte di 30 anni fa dei primordiali Anathema o chi per loro, ha dato il via ad un movimento che poi ha imposto nuove regole e nuovi standard qualitativi. La proposta dei Nameless non è fresca, e magari non ambiva nemmeno ad esserlo, ma francamente non mi sentirei mai di consigliarne l'ascolto. Là fuori ci sono cosi tante release di generi affini assai più meritevoli di questo vetusto 'Eternal Grief'. Me ne dispiaccio, soprattutto alla luce della lunga storia di quest'ensemble colombiano, ma non basta un intermezzo acustico qual è "Abisinia" (o la conclusiva "Manifesto"), per calmierare i limiti in termini di creatività, che lamenta la band. E pezzi dotati di una certa vena malinconica, come "Pain Beyond the Grave" o "The Void", fungono solo da parziale copertura ai rimanenti brani che si possono semmai fregiare dell'etichetta di death metal, punto e basta. La musica ha bisogno di crescere e non di rintanarsi in suoni che ormai hanno fatto il loro tempo, laddove la creatività si è ormai affievolita, se non svanita del tutto. (Francesco Scarci)

(Demonic War Cult Productions - 2018)
Voto: 55

https://namelesscol.bandcamp.com/album/eternal-grief

Wows - Ver Sacrum

#PER CHI AMA: Post Metal/Black, Altar of Plagues, Amenra

La Primavera Sacra (Ver Sacrum in latino) era una pratica rituale di origine antica, che consisteva nell'offrire negli anni di carestia, come una sorta di sacrificio, tutti i primogeniti nati dal 1º marzo al 1º giugno; l'immolazione non era però reale, in quanto i bambini crescevano come sacrati, per emigrare in età adulta a fondare nuove comunità altrove. Ora, questa Primavera Sacra è stata traslata per identificare il periodo di uscita di questo nuovo capitolo degli italici Wows, affidando una sorta di sacralità all'evento (questa la mia libera interpretazione), dato che abbiamo atteso quasi cinque anni per ascoltare la terza fatica dei nostri. E non ne vedevo l'ora. Cinque pezzi quindi per tastare il polso ai sei musicisti veronesi, anche se "Elysium" è una malinconica intro pianistica sul cui sfondo si aggira una spettrale e appena percettibile voce femminile. "Mythras" divampa poi spaventosamente nelle mie casse, con una ritmica al vetriolo, schiaffi sui piatti, una voce che arriva direttamente dall'oltretomba e una minacciosa crescita musicale che mi rievoca immediatamente uno dei brani che più ho amato degli Altar of Plagues, "God Alone". Date un ascolto attento alla song e godete con me nel sentire come gli insegnamenti dell'ensemble irlandese siano stati presi in dote dalla band e riadattati, resi forse anche più claustrofobici nell'evoluzione angosciante di una traccia che rischia di divenire alfiere di una nuova ondata post-black. Si perchè, parliamoci chiaro, l'evoluzione dei nostri iniziata già ai tempi di 'Aion' non si è affatto conclusa ma prosegue nel suo dilaniante disagio interiore, esteriorizzato dai suoni malefici e angusti di questo 'Ver Sacrum' che pone la band di fronte ad un nuovo bivio futuro, di cui vorrei conoscerne già la risposta. Tornando alla track, questa si muove in bilico tra un sound melmoso e un più furente e apocalittico post-black, figlio di questo maledettissimo periodo che stiamo vivendo. È gioia estatica la mia nel farmi inglobare dall'insana musicalità della compagine nostrana e quale orgoglio nel sentire che simili suoni escano da una band italiana piuttosto che dalle solite realtà americane o svedesi. Che abilità poi nel passare tra lo sludge, il black, l'hardcore e poi concludere con un funeral dalle tinte morbosamente ossessive. "Vacuum", la terza traccia, è tutt'altra cosa con un incipit shoegaze, fatto di impalpabili e decadenti melodie di chitarra e nostalgiche clean vocals che riversano il proprio straziante malessere su quei minimalistici tocchi di chitarra. Poesia allo stato puro, che non preannuncia nulla di buono, visto che sul finire del pezzo, la realtà sembra distorcersi e sembra volerci annunciare di prepararci ad affrontare una distorta forma di realtà. E cosi sia. "Lux Æterna" parte da lontano, con quanto rimane dal precedente album, ossia un minimalistico pizzicare di corde di chitarra e la voce del buon Paolo Bertaiola a declamare pochi versi (ci sento un po' di scuola Amenra in questo frangente). Un ipnotico riff di chitarra inizia a salire nel frattempo, affiancando il più muscoloso riffing portante, mentre una terza chitarra sembra addirittura lanciarsi in un tremolo picking dal forte effetto disturbante. Un forte senso di angoscia sale man mano che le chitarre nel loro marziale incedere, vedono la voce del frontman urlare straziata. La song rimane però bloccata nelle sabbie mobili di un tortuoso e ossessionante giro di chitarra, francamente avrei osato di più in questo frangente, considerata la sua rilevante durata di oltre 13 minuti, un peccato perchè la song sembra castrata e depotenziata nei dettami di un genere che necessita di nuove intuizioni. E arriviamo, senza nemmeno rendercene conto, alla conclusiva "Resurrecturis", non sembra, ma trentadue minuti di sonorità oscure sono già scivolati e quanto ci rimane, sono gli undici rimanenti dell'ultima traccia. L'inizio è un ambient dronico che funge da apripista ad un sound che persiste nel parcheggiarsi dalle parti di un post-sludge lisergico ove riappaiono i fantasmi dei Neurosis ma pure dei Tool. La voce di Paolo si conferma su tonalità pulite ed acute, ma sempre dotate di un profondo senso di sofferenza, mentre il saliscendi ritmico alla fine è da mal di testa e per questo varrebbe la pena sottolineare la performance dietro alle pelli di un magistrale Fabio Orlandi soprattutto nel roboante finale affidato ad un feroce climax ascendente. Per concludere, non posso che enfatizzare ottima la performance in toto della band italica, sebbene in tutta franchezza, avrei garantito più minutaggio alla componente post-black dell'iniziale "Mythras", vero gioello del disco. Aggiungerei poi i complimenti al duo Enrico Baraldi e Luca Tacconi dietro al mixer presso gli Studi Sotto il Mare dove la band ha registrato e ultima menzione per il lavoro sempre di prim'ordine, di Paolo Girardi per l'ennesima spettacolare cover artwork del disco. Che altro volete di più, devo forse intimarvi di far vostra questa spaventosa creatura che risponde al nome di 'Ver Sacrum'? Ora vi prego, non fateci attendere un altro lustro per avere nuove notizie della band, si sa dopo tutto che la fame vien mangiando e io ho già appetito per un'altra release targata Wows. (Francesco Scarci)

(Dio Drone/Coypu Records/Hellbones Records/Shove Records - 2020)
Voto: 81

https://thewows.bandcamp.com/album/ver-sacrum

Fotocrime – South of Heaven

#PER CHI AMA: Dark Rock, Fields of the Nephilim, Christian Death

Parlare di un genere come il dark rock oggi è più difficile di quanto si possa immaginare. Esistono innumerevoli correnti di musica oscura che, contaminate dal metal, dall'elettronica o da generi più estremi, hanno dato forma a mille entità diverse che per certi aspetti hanno affossato il vero culto del dark rock, del death rock o del gothic rock, quello che, dagli inizi degli anni '80, si sviluppò per un decennio circa, divenendo di nicchia, creando capolavori notevoli, per poi far perdere le sue tracce e trasformarsi in gothic metal, dark metal e simili, dal suono più duro e potente. Ecco, in questo contesto, la one-man-band del vocalist nord americano R., i Fotocrime, aiutato da musicisti esterni quali Janet Morgan (Canali), Nick Thieneman (Young Widows), Erik Denno (Kerosene 454) e Rob Moran (Unbroken), riporta in vita un sound romantico e tenebroso, che rese gloriose band come Red Lorry Yellow Lorry e Sisters of Mercy. Un'ombra poetica sempre ben ancorata sul fondo delle canzoni, una chitarra distorta ben nota, che profuma di "Romeo's Distress" (gioiellio dei Christian Death) e delle indimenticabili melodie del mitico periodo targato Batcave (il music club gotico di Londra), con un tocco sofisticato e più morbido, spesso incline al versante elettro/synth pop, che si abbandona ad una forma sintetica decadente e sognante tanto vicina a certi lavori dei Clan of Xymox. L'elettronica minimale, il tocco gotico, l'estro rock e la vampiresca performance vocale, rievocano l'attitudine delle sperimentazioni viscerali apparse nel remix fatto dai Numb e dai Zero Gravity di "Panic in Detroit" dei Christian Death. Il disco è piacevolissimo, scorre liscio brano dopo brano, anche grazie alla mano sapiente del responsabile di regia, Mr. Steve Albini. Ascoltando il lavoro fatto sui ritmi e sui suoni sintetici che si accavallano tra le oscure trame di chitarra, mi tornano alla mente quelle ritmiche di plastica del capolavoro degli Eurythmics, "Sweet Dreams", immaginandolo con fantasia e visione notturna, in un'ottica più cupa, rimodernata, adattata a tecnologie e qualità di produzioni attuali. Certamente un buon mix di sonorità retrò, dedite a rinfrescare la memoria di molte persone che hanno dimenticato come nacquero, qualche decennio fa, capolavori poetici e maledetti, senza dover per forza calcare la mano sul lato violento e metal del rock. "Blue Smoke" si eleva in paradiso seguita da "Foto on Wire" e "Love is a Devil", mostrando un'ottima capacità nella creazione di canzoni memorabili. Alla fine 'South of Heaven' è un album dal suono nostalgico, dal carattere introspettivo e poetico, assai affascinante ed ispirato. Lunga vita al dark rock! (Bob Stoner)

(Profound Lore Records - 2020)
Voto: 75

https://fotocrime.bandcamp.com/album/south-of-heaven