Teresa 11 - Smoky Heaven

#PER CHI AMA: Ambient/Ethnic/Trip Hop

Il suono minimale di un'arpa si confonde con il rumore di una metropoli notturna e la voce modulata di una donna che accompagna lo strumento si perde nel chiasso delle luci elettriche, come se le immagini che scorrono lente davanti a noi fossero un sogno vissuto ad occhi aperti. È questa la prima, immediata sensazione visuale che ha suscitato in me l'ascolto di "Harp and 12 String Harp - Impro" e "Blue Shine", i due brani che aprono il lavoro dei Teresa 11. È un vero peccato che il promo non sia accompagnato da nessuna nota biografica e che l'unica informazione fornita dall'etichetta sia che il gruppo proviene dal Giappone, ma con qualche ricerca sono venuta a sapere che si tratta di un trio (formato da Rie Lambdoll, Anri Muramatsu e Miyazaki) e "Smoky Heaven" è il loro primo lavoro. La tradizione musicale giapponese emerge in numerosi passaggi, come qualcosa cui i Teresa 11 non sanno rinunciare, ma la sua eco si fonde con sonorità moderne, variegate e multisfaccettate che fanno di quest'album un'ideale e distaccata colonna sonora noir per una lunga, solitaria notte insonne in una grande metropoli. Ognuna delle dieci canzoni scandisce il trascorrere delle ore. Ognuna accompagna un'esperienza che si dipana in luoghi fisici e mentali diversi. Costanti aleggiano il suono dell'arpa e la voce "grassa" e modulata della cantante, interprete carnale di un soul moderno, riletto in chiave sintetica. Le arpe di Rie e di Anri e la voce di Rie sono senza dubbio anche gli aspetti più caratteristici dei Teresa 11, ma ad essi si mescolano una serie di gradazioni sonore multiformi che attingono dal trip-hop, dalla musica etnica, classica, ambient e soul-blues fumosa per poi macchiarsi di sperimentazioni e distorsioni elettriche in un seducente concentrato "cinematografico" dal forte impatto visivo e dal mood oscuro. Per apprezzare veramente quest'album è necessario dimenticare completamente qualsiasi classificazione e avvicinarsi ad esso con la mente libera da ogni forzatura stilistica. È un lavoro sfuggente, eppure risulta profondamente concreto e il suo maggior pregio sta proprio nel non sottostare ad alcuna corrente musicale. È un prodotto forse anomalo, un po' datato (2004) ma anche completamente maturo, pronto per essere accolto senza riserve da chiunque sappia apprezzare la vera musica. Non fate l'errore, dunque, di trascurare "Smoky Heaven": sorprendente! (Laura Dentico)

(Eibon Records)
Voto: 85

http://www.eibonrecords.com/releases/Teresa11.htm

Rosa Crux - In Tenebris

#PER CHI AMA: Goth Rock/Dark

Giunti al loro terzo album, dopo i notevoli “Proficere” e “Noctes Insomnes”, i francesi Rosa Crux non sono più un trio, bensì un duo, in seguito alla dipartita della bassista Nathalie Méquinion, la quale ha lasciato a Olivier Tarabo e Claude Feeny il compito di portare avanti da soli questo progetto. Come sempre, anche stavolta l'artwork e la confezione che accompagnano il cd sono curatissimi e ciò aumenta il valore di un'opera prodotta e realizzata interamente dal gruppo, che ha sempre scelto di non cercare il supporto di alcuna etichetta per pubblicare i propri lavori. È “Adorasti”, canzone d'apertura, che ci introduce in questo terzo capitolo del gruppo francese e che ci svela subito ciò che ha sempre reso unici i Rosa Crux, ovvero la loro musica così tagliente e dall'incedere cadenzato, come se ogni traccia dell'album rappresentasse una fase di un rituale segreto al quale Olivier e Claude ci permettono di assistere e che ci è rivelato dall'opera nella sua interezza. L'aura solenne e misteriosa che aleggia su “In Tenebris”, e in generale in tutti i lavori dei Rosa Crux, è accresciuta dalla scelta, ancor più incisiva in quest'ultimo album, di scrivere i testi in latino e di strutturare i brani in modo che sia una batteria meccanica (BAM), estremamente secca e fredda, a conferire quel suono così ritmato e scarno che contraddistingue i loro pezzi. Si susseguono così “In Tenebris”, “Terribilis”, “Arcum”, “Procumbere”, “Sursum Corda” e “Omnes Qui Descendunt”... ognuna intrisa di un fascino realmente oscuro, in grado di trasmettere cupe vibrazioni e di emanare funesti presagi. Il cd contiene anche un video (sicuramente realizzato con mezzi tecnici professionali, data l'ottima qualità delle immagini) della canzone a mio parere più riuscita dell'intero album. Il video colpisce per il gusto particolare che ha ispirato le scene, di impatto sia per le ambientazioni scelte sia per gli inquietanti scenari che si succedono dando vita a lugubri visioni di un arcano rituale notturno i cui passaggi sono scanditi dalle note terrifiche di “Omnes Qui Descendunt”. “Omnes Qui Descendunt” è anche la penultima canzone di “In Tenebris”, che si chiude con “Salve Crux”, brano che si allontana dalle sonorità che ci hanno accompagnato durante l'ascolto fino a questo momento e che si accosta maggiormente ad atmosfere più ambient. Personalmente ritengo che, pur essendo un lavoro emotivamente molto intenso, “In Tenebris” sia leggermente meno coinvolgente rispetto ai precedenti album, avendo percepito spesso nelle canzoni una struttura più minimale e una sensazione di maggior distacco rispetto al passato. Tuttavia, rimane un album dei Rosa Crux fino in fondo. Un grande album dei Rosa Crux. (Laura Dentico)

(Rosa Crux Production)
Voto: 75

http://www.rosacrux.org/

Ophelia's Dream - Not a Second Time

#PER CHI AMA: Ethereal, Neoclassic, Dead Can Dance

Per chi ha apprezzato i primi due lavori del gruppo di Dietmar Greulich, il ritorno degli Ophelia's Dream costituisce una gradita sorpresa. Ci avevano lasciati ben cinque anni prima, dopo l'uscita di “Stabat Mater”, per chiudersi in un lungo silenzio spezzato solamente dalla ristampa del primo album, “All Beauty is Sad” (pubblicato in origine per la defunta Hyperium nel lontano 1997), comprendente anche le otto canzoni facenti parte dell'ep. Sentir nuovamente parlare del progetto tedesco, che a suo tempo non riuscì a godere di grande esposizione, almeno qui in Italia, ha risvegliato il ricordo sopito di atmosfere neoclassiche e di aggraziati arrangiamenti ed ha caricato di una certa aspettativa l'attesa dell'uscita del nuovo album. Un ritorno firmato Kalinkaland che ci presenta gli Ophelia's Dream per nulla mutati, sia nella forma sia nella sostanza: ad accompagnare Dietmar troviamo, infatti, ancora Susanne Stierle alle voce e, inoltre, il cambiamento è praticamente minimo da un punto di vista stilistico, tanto che i nuovi brani sembrano non aver affatto risentito della pausa "compositiva" e proseguono in modo genuino e coerente il discorso lasciato in sospeso. In quest'occasione Dietmar ha preferito, tuttavia, non incentrare il proprio lavoro su melodie squisitamente neoclassiche, per arricchire il suono di ricami atmosferici tessuti con arrangiamenti sintetici che hanno il pregio di infondere maggiore pienezza e riverbero emotivo ai brani. Elementi già riconoscibili anche in “All Beauty is Sad”, ma se in quell'album essi costituivano un requisito di contorno, in “Not a Second Time” divengono caratteristica principale e si contrappongono al suono naturale del violino e del violoncello. Le partiture sono enfatiche, cariche di inquietudine e i suoni, colmi di colori dalle tonalità meste, abbracciano armoniosamente la voce garbata di Susanne, che raggiunge vette di fragile eleganza. In alcuni passaggi è riconoscibile un'evidente ispirazione ai Dead Can Dance, ma vi sono momenti nei quali Dietmar cita addirittura sé stesso attraverso il richiamo a melodie da lui già composte o eseguite in passato, come nel caso di “Saltarno”, il cui incipit ricorda inequivocabilmente la sua versione del “Saltarello” apparsa in “All Beauty is Sad”. “Not a Second Time” non si distingue, dunque, per originalità ma ciò non sguarnisce il lavoro della sua bellezza pittoresca e sontuosa che si mantiene intatta nel tempo, anche dopo numerosi ascolti. (Laura Dentico)

(Kalinkaland Records)
Voto: 70

http://www.opheliasdream.de/

Mors Syphilitica - Feather and Fate

#PER CHI AMA: Gothic, Darkwave

Andiamo parecchio indietro nel tempo, 2001 e al terzo lavoro per gli americani Mors Syphilitica, terzo progetto di Lisa ed Eric Hammer, già conosciuti come Requiem in White e The Order of N.C.S. Dopo l’omonimo cd d'esordio ed il successivo “Primrose”, i coniugi Hammer ci propongono questo “Feather and Fate” che, in linea generale, non aggiunge nulla di nuovo a quanto già fatto in precedenza, ma che si presenta come un album carico di tutta la bellezza malinconica tipica dei Mors Syphilitica ed ha forse un tocco ancor più delicato e seducente. La materia sonora sulla quale Lisa poggia con grazia la sua finissima voce è un insieme di emozioni che a tratti sorreggono le parti vocali e a tratti reclamano, invece, uno spazio di primo piano, fondendosi con la voce e creando un tutt’uno morbido e armonioso. Durante l’ascolto di “Feather and Fate” arrivo quasi a percepire visivamente la musica ed essa appare ai miei occhi come una materia malleabile in continuo movimento… ma credo che la musica dei Mors Syphilitica in fondo sia proprio questo, cioè un insieme di note in costante mutamento che si muovono sinuosamente negli angoli più bui dell’anima dando vita a sensazioni intense, a volte così fragili da sembrare oniriche. In un album di questo tipo, nel quale le canzoni formano quasi un tutt'uno inscindibile tanto sono ben amalgamate fra loro, è difficile sostenere che ve ne sia qualcuna che emerge sulle altre, ma non posso mancare di affermare che “How Long?” e “Only a Whirlwind” mi hanno colpito, turbandomi profondamente, forse per la maggiore carica emotiva che esse sprigionano. In realtà tutte le canzoni sono intrise della bellezza sensuale e del fascino triste che Lisa ed Eric riescono a conferire loro ed è questo ciò che rende i loro lavori unici. (Laura Dentico)

(Projekt)
Voto: 80

 

http://www.morssyphilitica.com/ 

Hekate - Goddess

#PER CHI AMA: Folk, Medieval

Dopo la pubblicazione del 2003 della raccolta “Ten Years of Endurance” e dopo un silenzio durato tre anni dall'uscita del precedente album (“Sonnentanz”), torna la formazione tedesca degli Hekate con “Goddess”, contenente undici brani che si ispirano ai miti e alle leggende d'Europa. Devo ammettere che, prima di ascoltare l'album, conoscevo gli Hekate solo di nome e "di presenza", avendo avuto l'occasione di vederli suonare dal vivo per Allerseelen, ma ora li annovero fra quelle piacevoli scoperte che da un po' di tempo a questa parte caratterizzano i miei ascolti e che comprendono, in ambito folk, anche Derniere Volonte e Tenhi, con i quali, tuttavia, condividono solo l'appartenenza al genere, avendo infatti gli Hekate un sound molto diverso da quello delle due band citate. Dicevo che i pezzi traggono ispirazione da mitologie legate al vecchio continente e, infatti, troviamo la leggenda della Fata Morgana tratta dalla mitologia celtica nel brano d'apertura “Morgan le Fay”, la leggenda di Grail che coinvolge i Catari del Castello di Montségur in Francia in “Montségur”, il mito germanico di Barbarossa e del Kyffhaeuser in “Barbarossa”, la leggenda dell'Europa basata sulle tradizioni Cretese e Miceana in “Europa”, la danza del toro tratta dalla cultura Minoica in “Dance of Taurus”, la storia di Spagna e influenze culturali dei Mori in “Maure”. Inoltre, vi sono richiami alla lotta per l'amore che unisce tutti i popoli in “Flammenlied” e “Ocean Blue”. Da un punto di vista prettamente musicale, “Goddess” può essere descritto come l'unione di sonorità folk con melodie medievali, accompagnate da una massiccia base di percussioni che infondono nei brani una forte energia dal sapore ritualistico e atmosfere magiche di impronta pagana. Bastano le prime note del brano di apertura, “Morgan le Fay”, per essere proiettati in un altro tempo e iniziare così un viaggio attraverso le culture e le tradizioni descritte superbamente dagli Hekate con la loro musica. I due elementi più caratteristici di questo progetto, ovvero le instancabili percussioni che accompagnano ogni brano e la voce di Susanne Grosche (a volte sostituita da quella di Axel Menz), sono anche quelli che più si apprezzano e che emozionano maggiormente durante l'ascolto dell'album. L'aura romantica e nostalgica di alcuni pezzi (“Morgan le Fay”, “Montségur”, “Barbarossa”) unita ad arrangiamenti moderni, a volte elettronici (“Flammenlied”, “Break the Silence”), a volte pop (“Dance of Taurus”, “Maure”), o ad atmosfere epiche (“Morituri te Salutant”, “Lord of Heaven”, “Europa”) rendono “Goddess” ancor più caratteristico e dalle sfumature sonore ed emotive variegate. Per i collezionisti e gli appassionati, il cd è uscito anche in una versione in digipack contenente un secondo disco che riporta tracce degli Hekate remixate da Arcana, Ordo Rosarius Equilibrio, Flatline, Sieben, Chorea Minor e Gae Bolg and the Church of Fand. Consiglio a tutti di non perdere questo lavoro, qualsiasi sia la versione che vorrete fare vostra. (Laura Dentico)

(Auerbach Tonträger)
Voto: 75

http://www.hekate.info/

Flëur - Magic

#PER CHI AMA: Ethereal Folk

La Prikosnovénie non poteva inaugurare in modo migliore le sue pubblicazioni di primavera se non con questo nuovo lavoro dei Flëur: “Magic”, opera seconda per il progetto proveniente da Odessa, città situata nella parte meridionale dell'Ucraina. Il gruppo (ma sembra riduttivo volerlo chiamare con questo nome!) si compone di ben undici musicisti, tra i quali spiccano le due cantanti e principali compositrici/liriste Olga Pulatova ed Elena Voynarovskaya. La lista degli strumenti suonati in quest'album è tale da far intuire subito cosa ci aspetta dall'ascolto: flauto, violoncello, violino, percussioni, pianoforte, per citarne qualcuno... sicuramente un lavoro di musica eterea, ma non la "solita" musica eterea! I titoli delle canzoni sono tutti in inglese, come a voler permettere all'ascoltatore di catturare l'idea che ha generato ogni pezzo, ma i testi sono in ucraino e l'espressività musicale di questa lingua è decisamente unica. Il titolo “Magic” sembra proprio calzare a pennello, l'album è infatti un sentiero magico costellato di tredici melodie che accarezzano l'anima, cullandola dolcemente attraverso immaginari fiabeschi dalle tinte tenui, delicatissime. Olga ed Elena si alternano alla voce accompagnate da un trionfo di armoniose tessiture di melodie pop impreziosite da eleganti disegni neoclassici, ma spesso i Flëur sembrano attingere anche dalla tradizione russa, o almeno così appare ad orecchie profane come le mie cui sembra di percepire nel cantato ritmato di alcune canzoni quali “Never”, “The Russian Roulette” e “Horizon” echi di una tradizione slava, comunque fortemente ed egregiamente contaminata da sonorità più attuali. L'avvicendarsi di Olga ed Elena alle voci, oltre a caratterizzare il lavoro di una certa varietà, segna anche tangibili differenze stilistiche nei brani, così che a Olga, dalla voce più severa e che si accompagna sempre al piano, sono affidati i brani di connotazione decisamente pop, dove gli strumenti a corda creano melodie più morbide e classicheggianti (“The Emptiness”, “Formalin”, “Repair”, “I Will Do it” e “The String” sono tra le più caratteristiche in tal senso), mentre Elena, che si accompagna con la chitarra classica ed è dotata di una timbrica più dolce, canta nei brani più raccolti e spesso malinconici, dove emergono influenze folk o che sono caratterizzati da ritmiche più decise (“Almost Real”, “The Ballad of White Wings and Scarlet Petals”, “Medaillion”). Lasciatevi ammaliare dai Flëur, scoprirete un mondo abitato da fate e sogni che non vorrete mai abbandonare. (Laura Dentico)

(Prikosnovénie)
Voto: 80

 

 http://www.fleurmusic.com/

Faith and the Muse - The Burning Season

#PER CHI AMA: Gothic/Dark Wave

Un colpo di frusta: comincia così il nuovo album dei Faith And The Muse, che si apre con la breve e tirata “Bait & Switch”. “The Burning Season” rappresenta il quarto lavoro in studio, se si vuole escludere il doppio cd “Vera Causa”, uscito nel 2001 a celebrare la carriera di William & Monica, album che era stato presentato come un lavoro completamente diverso da ciò che avevano proposto in passato e addirittura in grado di destabilizzare i vecchi fan, che avrebbero anche potuto far fatica ad accettare un mix di generi così variegato e bizzarro per un gruppo che nel corso di dieci anni ha fatto del proprio stile un punto di forza. Da grande ammiratrice dei Faith And The Muse, che sono IL mio gruppo preferito praticamente dal loro debutto “Elyria” del 1994, avevo finito con l'attendere quest'album addirittura più di tutti gli altri lavori da loro pubblicati ed ero pronta a tutto... tuttavia, non era necessario corazzarmi di buona disposizione, dal momento che non è stato affatto difficile per me innamorarmi subito di “The Burning Season”, un album sì estremamente vario, ma anche decisamente riuscito! I Faith And The Muse si muovono con sorprendente disinvoltura e naturalezza tra generi tanto diversi tra loro, senza mai risultare eccessivi o sgraziati, ma anzi, evidenziando una versatilità davvero notevole... dodici canzoni infuse di un'energia fresca, ispirata, canzoni assemblate in modo da saltare da un genere all'altro e tuttavia capaci di creare un tutt'uno organico che ha un senso intrinseco indipendentemente dalle parti delle quali è composto. Un mosaico di stili, una tavolozza di colori, un album sentito intensamente, dal quale traspare tutta la passione che il duo americano ha messo in questo lavoro. Se non sorprende, per chi conosce le origini della carriera di Monica Richards, l'abilità con cui la sua voce riesce ad adattarsi in modo perfetto agli aggressivi ritmi punkeggianti di canzoni quali “Sredni Vashtar” e “Relic Song”, colpisce invece la sua predisposizione anche per un genere apparentemente ben distante da quello che ci si potrebbe aspettare siano le sue influenze principali, e così stupisce la carnale sensualità con cui affronta una lenta canzone jazz, “Gone to the Ground” (la quale vede la partecipazione di Matt Howden al violino). Forse “Bouddicea” e “Willow's Song” sono le canzoni che richiamano in modo più incisivo lo stile più tipicamente Faith And The Muse del passato, di album quali “Elyria” ed “Evidence of Heaven”. Nella eterea e severa “In the Amber Room” si possono riconoscere echi lontani dei Cocteau Twins. Ma le canzoni che preferisco in assoluto sono la title track, “Whispered in Your Ear” e “Visions”, calde ed avvolgenti e con una spruzzata di morbida elettronica, donano nuovo spessore alla voce di Monica e sono i momenti più esaltanti e indovinati di tutto l'album, assieme a “Failure to Thrive”, cantata da William Faith e molto darkeggiante. Ritengo che a questo punto della loro carriera William & Monica non potessero che sentire il desiderio e la necessità di dare nuova luce e nuova freschezza alle loro canzoni e questa decisione non può che essere rispettata, data l'esperienza ormai acquisita dai due, che ha permesso loro di affrontare con eleganza e sicurezza un cambiamento così drastico, del quale, tuttavia, si era già visto qualche accenno, a mio avviso, nella scelta delle canzoni che dovevano far parte del primo dei due cd di “Vera Causa”. Per tutti coloro i quali si possono essere sentiti traditi da un album come “The Burning Season”, consiglio di ascoltarlo bene e senza pregiudizi, cercando di entrare nello spirito vero delle canzoni, senza timore di trovare troppi elementi estranei a ciò che hanno sempre riconosciuto nei Faith And The Muse. “The Burning Season” è davvero un bell'album. (Laura Dentico)

(Out of Line)
Voto: 80

http://www.mercyground.com/

Elend - Winds Devouring Men

#PER CHI AMA: Ethereal Music, Ambient, Dark, Dead Can Dance

Era il 2003: contro ogni aspettativa, il progetto austro-francese più oscuro della scena gotica orchestrale decise di ripresentarsi con un nuovo album, "Winds Devouring Men", distante anni luce dalla produzione passata, seppur in qualche modo vicino al precedente "The Umbersun", il quale già evidenziava un desiderio di abbandonare le tensioni profondamente drammatiche dei primi due lavori ("Leçons de Ténèbres" e "Les Ténèbres du Dehors") facenti parte della trilogia ispirata all'"Officium Tenebrarum", conclusasi appunto con "The Umbersun" e che con esso sembrava aver esaurito il significato del progetto Elend. Invece, nei cinque anni di oblio, gli Elend hanno maturato una nuova perla dal fascino profondamente oscuro, questo "Winds Devouring Men", con il quale sembrarono volersi scrollare di dosso i complicati intrecci classici che avevano ispirato la produzione passata, per donare alle canzoni una leggerezza e una dose di essenzialità che rendono la loro musica più facilmente apprezzabile, pur non intaccando la maestosità tipica delle loro composizioni. E lo si scopre fin dalle note di apertura della bellissima "The Poisonous Eye", cui spetta l'onore di iniziarci all'album più intimista mai creato dagli Elend. L'opera prosegue poi con uno scorrere di quiete melodie che a tratti si tingono di scuro per ritrarre immagini di foschi scenari tormentati, per dar vita ai quali l'ensemble ricorre a passaggi sperimentali dalla forte potenza evocativa e a strumenti percussivi che conferiscono maggiore spessore alle strutture sonore. Echi del passato lirico degli Elend si risvegliano in alcuni momenti nei quali si percepisce la presenza della voce femminile e in particolare la bonus track "Silent Slumber: a God that Breeds Pestilence" ricorda la dolcezza struggente che si poteva catturare nell'album di passaggio "Weeping Nights". Non più confrontarsi con l’assoluto, con l’essenza divina che permea la vita dell’uomo, non più la lotta eterna tra Bene e Male, non più la discesa di Lucifero agli Inferi, bensì un tentativo di aprire le porte della propria intimità per guardarsi dentro e, almeno per una volta, lasciarsi cullare dal fluire intenso dei propri pensieri, lasciarsi accarezzare dalla dolce malinconia delle proprie sensazioni più profonde, senza il timore di scoprirne i lati più nascosti. Nei passaggi melodici di canzoni quali "Under War-Broken Trees", "Away from Barren Stars", "Vision is all that Matters" e "A Staggering Moon", dove la voce maschile si colma di una calma pacatamente sofferta, sento che per la prima volta l'eredità lasciata dai Dead Can Dance è stata veramente raccolta per essere trasformata, rielaborata e rivestita di una nuova eleganza e delicatezza. E' possibile raggiungere la perfezione artistica? Se possibile, allora gli Elend ci sono riusciti, con un album così bello e profondo da far venire i brividi. Letteralmente. (Laura Dentico)

(Prophecy Productions)
Voto: 85

 

http://elend-music.org/ 

Dwelling - Humana

#PER CHI AMA: Folk, Neoclassic, Dead Can Dance, Miranda Sex Garden

I Dwelling nascono nel 1998 come progetto solista di Nuno Roberto e con l'intento di creare musica basata interamente su strumenti acustici, ispirata ai paesaggi costieri dell'Algarve. Col passare del tempo il progetto si arricchisce dell'apporto di altri musicisti e nel 2001 esce un mcd, "Moments", per Equilibrium Music, etichetta personale di Nuno Roberto. La line up del gruppo portoghese in tale lavoro si è estesa a cinque musicisti, grazie all'ingresso in formazione di Catarina Raposo alle voci, Silvia Freitas al violino, Nicholas Ratcliffe alla chitarra e Jaime Ferreira al basso. La natura esclusivamente acustica rimane un segno distintivo nei Dwelling, che nel 2003 pubblicarono "Humana", il primo full length. Nove canzoni vibranti di emozioni dense e struggenti, nelle quali la voce incantevole di Catarina Raposo gioca, intrecciandosi, con le chitarre acustiche e il violino e che si sviluppano in passaggi dal tocco sensibile e appassionato. Sembra essere un tratto tipicamente portoghese l'ardente malinconia che si posa con grazia nelle note di quest'album, soprattutto in "Silêncio Intemporal", "Tecelões da Nova Realidade" e "O Cinzel do Tempo", cantate in lingua madre e, non nascondo, le mie preferite, in quanto sono i momenti più sentiti. Lo spazio di silenzio tra i pezzi è quasi ridotto al minimo, forse a voler trasmettere un senso di dinamica evoluzione che fa di "Humana" un'unica opera in divenire, dove le canzoni hanno senso solo se inserite nel contesto generale, perché singolarmente perderebbero la loro intensità e apparirebbero come un tassello al quale manca il resto della struttura. Degne di menzione anche le altre canzoni che compongono l'album: "The Wheel", "Remember Virtue", "As the Storm Chants", dove la componente neo-classical si sprigiona in tutta la sua leggiadria, "Lingering Stupor", "Chasing the Rainbow's End" e "Reality that Remains", nelle quali si scorgono gradevoli episodi dal sapore folk e tradizionale. Unica pecca è forse da ricercarsi nel fatto che al primo ascolto l'album può risultare un po' troppo uniforme e non immediatamente emozionante, ma sicuramente è un'opera che va scoperta e merita di essere ascoltata con attenzione, solo così si può apprezzarla fin nel profondo della sua anima. "Humana" non è un'opera per tutti, ma solo per chi sa lasciarsi carezzare dal romanticismo degli strumenti classici. (Laura Dentico)

(Equilibrium Music)
Voto: 75

 

http://www.myspace.com/dwellingband 

Black Tape for a Blue Girl - Halo Star

#PER CHI AMA: Ambient, Gothic

Un'attività più che ventennale e una discografia comprendente dieci album più un paio di singoli usciti in versione 10" lp e 3" cd (entrambi limitati), un libro accompagnato da un maxi cd e un doppio cd raccolta. Questi, in cifre, i Black Tape for a Blue Girl, creatura di Sam Rosenthal e Lisa Feuer, fondatori anche dell'etichetta Projekt, per la quale hanno pubblicato tutti i loro album. Mentre Sam e Lisa sono rimasti il cardine del progetto lungo tutti questi anni, nel tempo si sono succeduti diversi artisti che hanno partecipato alle registrazioni e hanno fatto parte del gruppo, contribuendo al successo in tutto il mondo di cui oggi godono i Black Tape for a Blue Girl. In questo lavoro Bret Helm ed Elysabeth Grant si alternano alla voce, mentre Michael Laird e Vicki Richards si occupano, rispettivamente, delle percussioni e del violino. Per quanti già conoscono i Black Tape for a Blue Girl, "Halo Star" risulterà molto familiare e musicalmente in linea con la produzione passata, idealmente unita da sonorità eteree molto caratteristiche, che costituiscono quanto di più riconoscibile vi sia nella proposta della band americana, specchio fedele dell'anima di Sam Rosenthal, il quale compone le musiche e scrive tutti i testi; per le liriche di quest'album, ad esempio, sono stati rielaborati alcuni passaggi tratti dal libro di Sam di prossima pubblicazione. Eppure è individuabile qualcosa di diverso rispetto ai lavori precedenti e lo si percepisce immediatamente: mi riferisco ad una maggiore organicità che annulla completamente quel senso di dispersione che talvolta si avvertiva durante l'ascolto delle ultime opere, conseguenza probabilmente di una tendenza a lasciar fluire liberamente il suono dagli strumenti, quasi si trattasse di improvvisazioni. Questo impediva in alcune occasioni alle canzoni di assumere una forma definita che le rendesse memorizzabili. In "Halo Star" si ha l'impressione completamente opposta: il lato "sperimentale" e la vena "estemporanea" sono stati infatti del tutto abbandonati e sostituiti da melodie vocali molto più scorrevoli, da strutture musicali più immediate e leggere, di facile assimilazione; sempre un po' minimali, ma senza perdere il gusto per la melodia e l'introspezione, in maniera più simile a come succedeva nei primi album. Siamo comunque di fronte ad un lavoro molto intimo, che sembra essere inteso per avvicinare l'ascoltatore agli angoli nascosti dell'anima di Sam Rosenthal, ma le riflessioni e le emozioni sono state convogliate in una manciata di brani genuinamente ispirati e sentiti, caratterizzati da una gradevole freschezza creativa. Una raccolta di canzoni che sviluppano in musica pensieri e sentimenti. In particolare trovo molto belli i brani cantati da Elysabeth Grant (come "Your Love is Sweeter than Wine", "Indefinable, Yet", "Damn Swan!" e "Already Forgotten"), estremamente dolci e melodici e dall'atmosfera malinconicamente sognante, che sembrano voler esortare l'ascoltatore alla meditazione, alla riscoperta dei ricordi personali dimenticati, ma sempre con un filo luminoso di speranza che la calda voce di Elysabeth è in grado di infondere. Anche i brani cantati da Bret Helm (quali "Tarnished", "The Gravediggers", "Knock Three Times", "The Fourth Footstep") sono degni di nota: alcuni ricamati su una vellutata tessitura strumentale percussiva che li rende a tratti quasi allegri, altri più ambientali e struggenti, colgono un altro modo di vivere le emozioni. Con i suoi racconti e le sue melodie "Halo Star" ci accompagna delicatamente verso l'autunno. (Laura Dentico)

(Project)
Voto: 80

Canaan - A Calling to Weakness

#PER CHI AMA: Gothic Dark Ambient

Malinconia e poesia: dall'incontro e dalla fusione di due degli aspetti più nobili dell’animo umano sorge "A Calling to Weakness", composizione di rara intensità, che brilla come una perla incastonata in un cielo di nero disinganno. Tra le uscite della Eibon Records, quelle dei milanesi Canaan, sono sicuramente tra le più prestigiose, testimonianza che anche l'Italia può vantare artisti dalla vena creativa più che mai viva e in grado di creare uno stile personale, assolutamente unico e che, nel caso dei Canaan, è a mio parere decisamente italiano. Diciassette canzoni, 70 minuti di musica vissuta intensamente e pacatamente sofferta, ma mai banale… musica che reclama la nostra attenzione e che cattura il nostro animo, impreziosendolo e arricchendolo di intima delicatezza, commuovendoci e toccandoci nel profondo, fino alle lacrime! Fluidi arabeschi melodici che avanzano flessuosi, sostenuti da morbide parti di batteria e completati da impalpabili strutture di chitarra… e al tutto si unisce e lega indissolubilmente la voce di Mauro, che svela una maturità interpretativa che da "Brand New Babylon" attendeva di emergere e che in "A Calling to Weakness" è perfettamente integrata nel contesto melodico. E' una musica per certi versi eterea, le cui aggraziate trame si dischiudono come i petali di un fiore rivelando le mille sfumature del dolore interiore, della sofferenza che accompagna silente il quotidiano, rendendo opaca ogni visione della realtà, filtrata attraverso occhi che non hanno più lacrime. Ne scaturiscono una forte sensazione di alienazione dal mondo circostante e una ricerca estrema di introspezione, di meditazione sulla propria interiorità e sul valore della propria esistenza. Canaan penetra nelle nostre notti più buie, illuminandole di un tenue riverbero di mestizia, si insinua nei nostri pensieri più tristi, velandoli di rassegnazione e ci accompagna in questo viaggio interiore verso la solitudine eterna. Tuttavia, in taluni momenti si percepisce un'energia forse sprigionata da un improvviso desiderio di ribellione ad una situazione di oppressione e che si impone, sostituendo momentaneamente l’apatia generata da una vita senza aspettative, per poi lasciare nuovamente il passo al vuoto imposto dal grigiore di una pallida esistenza che non regala emozioni. Far menzione di qualche canzone potrebbe sminuire il valore dell'opera, che va catturata nella sua interezza, ascoltandola svelarsi alla nostra anima, mettendo a nudo le riflessioni e i tormenti che l’hanno originata. (Laura Dentico)

(Eibon Records)
Voto: 85