Hyperion - Elysia

#PER CHI AMA: Melo Black

Dopo ben otto anni di paziente attesa dal debutto di 'Seraphical Euphony', i blacksters svedesi Hyperion tornano finalmente a fare la voce grossa con 'Elysia', un'opera monumentale plasmata tra il 2020 e il 2023 in diverse location d'eccezione. Sotto la regia chirurgica di Sverker Widgren, il platter beneficia di una produzione scultorea, cristallina e potentissima, capace di esaltare il ricamare chitarristico del tridente formato da Erik Molnar, Joel Hagroth e Mikael Malm. A sorreggere l'architettura c'è la campata profonda del basso di Raul Vicente assieme al drumming tellurico e alle orchestrazioni di Mauritz Flodin, il tutto arricchito da una serie di guest star. Il risultato è un affresco sonoro di notevole spessore, un viaggio tematico ed epicamente oscuro che fonde la violenza primordiale del metallo estremo nordico con digressioni sinfoniche e progressive d'innegabile complessità. L'avventura prende il via con i ricami orchestrali della strumentale "Rapturous Overture", breve preludio che carica l'aria di tensione prima di spalancare le porte dell'inferno con "Nefarious Sacrament of the Immorals". Qui la band sferra raffiche di blast-beat e riff intricatissimi arricchiti dalle urla di Johan Nephente dei Riket, mantenendo comunque un sensibile ed efficacissimo bilanciamento melodico che rende l'assalto incredibilmente fruibile. La successiva "Fides Novem" vede la partecipazione vocale di Elias Lyxell dei Like Fire e si sviluppa su melodie taglienti e cambi di tempo calibrati al millimetro, pur pagando il dazio di una durata forse fin troppo prolissa. La carica guerriera torna a ruggire in "Iliou Persis", episodio impreziosito dalle vocals di Atterigner dei Gorgoroth, in cui epicità e sferzate chitarristiche s'incastrano a meraviglia, spianando la strada ai quasi tredici minuti di "Paraphrosynia", traccia fiume che alterna aperture cadenzate a fendenti feroci, impreziosita dai vocalizzi eterei di Karin Eriksson e da un cantato demoniaco che evoca i momenti più ispirati di Cradle of Filth e Dimmu Borgir. La seconda metà dell'album non rallenta il tiro e "Perennial Transcendence" si snoda lungo traiettorie oscure e avvolgenti, dove una sezione ritmica martellante sostiene un tessuto armonico dal fortissimo respiro cinematografico. Dopo che "Vigil of Longing" ha concesso una breve e poetica tregua acustica, la carneficina riprende quota con "Epic of Tribulation", undici minuti di pura battaglia bellica guidati da un riffing serrato che non concede un attimo di respiro. Il finale è un crescendo d'autore: "Epoch’s Eventide" mostra una maturità compositiva d'altissimo livello, attraverso strutture stratificate e rifinite al millimetro, mentre la conclusiva "The Primordial Wellspring", esplora atmosfere avvolgenti incrociando black, folk e suggestioni medievali, per suggellare un'esperienza di grandissima caratura. 'Elysia' si rivela un ritorno di assoluto valore, una prova d'autore ricca, vibrante e confezionata con una classe cristallina, caldamente consigliata a chiunque sia alla ricerca di un metal estremo colto, magniloquente e stratificato. (Francesco Scarci)

(Willowtip Records - 2026)

Voto: 75

https://hyperionswe.bandcamp.com/album/elysia

Deciduous Forest - Hymns Of Time

Ascolta "Deciduous Forest - Hymns Of Time" su Spreaker.

#PER CHI AMA: Atmospheric Black/Doom

Le nebbie fitte e primordiali dell'Australia tornano a condensarsi tra i rami con 'Hymns of Time', secondo e ambizioso sigillo della one man band Deciduous Forest, guidata dalla mente solitaria di Snjór. Questo nuovo capitolo scava a fondo nella complessa evoluzione dell'atmospheric black metal più sylvanico e contemplativo, elevando le coordinate stilistiche già intraviste in passato. Dietro i banchi di regia, la produzione firmata da Adam Merker e rifinita dal mastering di Chris Themelco, regala al platter una profondità imponente e una chiarezza tagliente, capace di bilanciare alla perfezione la ruvidità delle chitarre aspre con la struggente e cinematografica pulizia delle tastiere evocative. I testi ci trascinano nei meandri più oscuri dell'anima umana, esplorando con lucidità il tradimento, il rimpianto e la perdita irreparabile, per tracciare infine un paesaggio sonoro che profuma di muschio bagnato e solitudine spettrale. L'immersione ha inizio con la title track, un brano che accoglie l'ascoltatore attraverso un crescendo ipnotico puramente strumentale prima che le chitarre distorte erompano con una furia maestosa e intransigente, rette da voci aspre intrise di genuina passione e capaci di richiamare alla mente i momenti più alti del sound degli Agalloch. La marcia prosegue con "Slaves", traccia che colpisce dritto al petto grazie a melodie affilate e a un incedere angosciato e dolente, trascinato da ritmiche scorrevoli e da una tempesta di chitarre sferzanti che non lasciano scampo. Il vero e proprio cuore pulsante dell'opera batte però all'interno di "Dream of Days", un monumentale episodio di oltre undici minuti di pura intensità emotiva, in cui tastiere decadenti fendono la trama sonora e le chitarre graffiano l'anima senza pietà, conducendo passo dopo passo verso un climax conclusivo semplicemente lacerante. Non c'è un attimo per tirare il fiato perché "Celestial Forests" cattura immediatamente l'attenzione con melodie oscure e seducenti che spingono chi ascolta sempre più a fondo nei meandri dei boschi, impreziosita peraltro da un assolo di chitarra di grande impatto drammatico che, per lirismo e trasporto, evoca i fasti più ispirati dei Panopticon. Il viaggio volge infine al termine con "Hiraeth", ultimo pezzo in cui frammenti di pace interiore, riflessione malinconica e rassegnazione si fondono in un elisir di luci crepuscolari e ombre profonde, chiudendo con coerenza un'opera dotata di una spiccata personalità ma che qua e là mostra il fianco a qualche piccola ripetizione strutturale di troppo. Siamo di fronte a un lavoro solido, ispirato e capace di regalarci momenti di autentica magia nera, pur mancando quel definitivo guizzo di genialità che avrebbe potuto consacrarlo a vette più elevate. Quando la foresta chiama con una voce così suadente e malinconica, non resta comunque che arrendersi e perdersi per sempre tra le sue fronde. (Francesco Scarci)

(Apocalyptic Witchcraft Recordings - 2026)

Voto: 70

https://deciduousforest.bandcamp.com/album/hymns-of-time-2

Gorgonaut - Ayame

Ascolta "Gorgonaut - Ayame" su Spreaker.

#PER CHI AMA: Djent/Progressive

Con l'EP 'Ayame', i Gorgonaut, creatura solista del polistrumentista statunitense Ryan Bruchert (già al lavoro con Black Sites, Hewhocorrupts e Trials), confezionano una prova strumentale di assoluto rilievo. Dal punto di vista puramente musicale siamo di fronte a un lavoro dedito a un progressive metal scultoreo, fluido e moderno che fonde riffing djent, trame sintetiche ed elementi tradizionali, richiamando la mente geniale di Devin Townsend, la sensibilità dei VOLA e le atmosfere avvolgenti dei Voyager. Il lavoro, interamente curato da Bruchert ai Biffco Studios, beneficia di un impatto fonico cristallino e di una narrazione tematica che sviscera il passaggio dal caos all'accettazione. Il vero elemento di rottura, tuttavia, risiede nel comparto vocale femminile, che appare a più riprese del tutto fuori luogo rispetto alla pesantezza e al rigore del contesto sonoro, risultando a tratti stridente, se non persino insopportabile per i puristi. L'inizio affidato a "Infinite Regress" è un assalto abrasivo e dissonante tra chitarre arzigogolate d'ispirazione Cynic e spirali di pura pesantezza, interrotto da brevi parentesi di calma apparente in cui la voce della cantante fa la sua prima comparsa accanto al growl di Bruchert, creando un contrasto spiazzante. Con "Extinction Burst" la musica mostra tutta la sua dinamicità: ritmiche schiaccianti guidano la traccia prima di aprire a melodie ariose e innesti elettro-pop chiaramente debitori della cultura K-pop. È qui che la scelta vocale rischia di far storcere il naso a molti, ponendosi a metà tra l'esperimento audace e la nota stonata. La spinta riprende quota con il groove trascinante di "Vernix Caseosa", brano arricchito da sintetizzatori classici e da un finale orchestrale dal forte respiro cinematografico. Eppure, la presenza della cantante continua a risultare invadente e poco azzeccata, sovrapponendosi a un sound ritmato di scuola VOLA che avrebbe meritato ben altra graffiatura. La tregua arriva con la malinconica "Chasing Ghosts", un episodio atmosferico sorretto da pad elettronici avvolgenti che prepara il terreno ai tempi sincopati di "Mastertape", traccia dalla stratificazione ritmica impeccabile che sfocia in un chorus di grande carica drammatica. A chiudere il cerchio interviene la sognante "Inner Kingdom", pennellata di tempi dilatati ed effimera assenza di gravità. 'Ayame' si rivela un disco dal valore musicale indiscutibile, penalizzato però da una direzione vocale che sembra remare contro la natura stessa delle composizioni. Un'uscita che dividerà nettamente il pubblico: chi cerca coerenza stilistica resterà perplesso di fronte a certe linee di canto, ma chi è sempre aperto a sperimentazioni senza paraocchi e contaminazioni azzardate potrebbe trovare in questo contrasto un elemento di inaspettato interesse. (Francesco Scarci)

(Self - 2026)

Voto: 65

https://gorgonautmusic.bandcamp.com/album/ayame-2

Grave Hex - Domain Of Foul Rebirths

#PER CHI AMA: Death Old School

Con l'EP 'Domain of Foul Rebirths', la formazione finlandese dei Grave Hex s'inserisce stancamente nei ranghi di un underground estremo ormai saturo, proponendo un death metal scolastico che non fa nulla per nascondere la totale assenza di originalità. La produzione si affida a canoni abusati e derivativi, riproponendo il solito mix fangoso e sovraccarico di riverberi che vorrebbe puzzare di marcio ma sa solo di già sentito, con chitarre zanzarose e una sezione ritmica indistinta che ricalcano pedissequamente i cliché del genere, senza un briciolo di personalità. I testi scivolano poi via sterili tra altri cliché triti e ritriti realmente privi di qualsiasi reale mordente o urgenza espressiva. L'ascolto si apre con la prevedibile "Vile Eclosion", un brano che copia-incolla riff e strutture sentiti centinaia di volte in qualsiasi demo sotterranea degli ultimi trent'anni, azzerando ogni fattore sorpresa. Si prosegue con "Leech Eater", traccia che vorrebbe spingere sull'acceleratore ma si arena in un sound banale per quanto oscuro, affidato a una musicalità che avoca di Autopsy, ripetendo tuttavia schemi ritmici abusati dai gods americani, e privi di un minimo gancio compositivo degno di nota. Il viaggio nel deja-vu prosegue con "Sewer Embalmment", episodio in cui i rallentamenti cadenzati suonano come un compitino pigro e senz'anima, incapaci di generare la minima tensione o atmosfera cupa genuina. Con "Master's Lair" la band prova a ravvivare la scaletta con il pilota automatico inserito, cercando di sorprendere l'ascoltatore con dei cori stravaganti per il genere, ma poi inanellando sonorità standardizzate che scorrono via senza lasciare alcuna traccia nella memoria. La chiusura è affidata a "Apparitions of Flesh", il brano più lungo e forse meglio riuscito, grazie ai suoi tremolo picking, che si trascinano stancamente tra rallentamenti telefonati e accelerazioni di routine, confermando una disarmante incapacità del combo di uscire dal seminato. In definitiva, 'Domain of Foul Rebirths' è un disco alquanto inutile che non sposta di un millimetro le coordinate di un genere saccheggiato fino allo sfinimento, consigliabile solo ai collezionisti più incalliti di mediocrità scandinava. La fiera del copia-incolla che non lascia nulla, se non la sensazione di aver sprecato minuti preziosi ascoltando echi lontani di dischi fatti infinitamente meglio altrove. (Francesco Scarci)

(Cavernous Records - 2026)

Voto: 53

https://gravehex.bandcamp.com/album/domain-of-foul-rebirths

Regiment - The Art of Arson

Ascolta "Regiment - The Art of Arson" su Spreaker.

#PER CHI AMA: Speed Metal/Thrash

Infilate i giubbotti di pelle chiodata, stringete le cinture di proiettili e alzate il volume al limite della denuncia: con 'The Art of Arson' gli statunitensi Regiment gettano benzina sul fuoco dello speed/thrash metal più becero, sanguigno e belligerante, mettendo in piedi una rissa sonora che puzza di sudore, birra stantia e borchie arrugginite. Niente leccate digitali o pulizie da studio moderno: la produzione qui è un pugno in faccia ruvido, d'acciaio e sfrontato, calibrato al millimetro per spararvi addosso riff affilati come rasoi, batterie a rotta di collo e una voce sguaiata e graffiante che sbraita di apocalissi distopiche, guerre e civiltà tecnologiche mandate al macero. Dopo i pochi secondi dell'intro "The Immortal", il disco ingrana la prima e parte a tavoletta con "Shred Fighter", una mazzata ad altissimo numero di ottani fatta di cambi di tempo fulminei, plettrate nevrotiche da puro speed anni '80 e un'alternanza vocale che cita senza troppi complimenti le vette acute del Re, King Diamond in persona. Non c'è nemmeno il tempo di riprendere fiato che arriva "Master Faster", un'incursione da arresto cardiaco che spinge i BPM oltre il limite del consentito, sorretta da un basso gommoso e pulsante e da un cantato che rasenta la pura isteria. La carneficina prosegue a velocità folle con "Neo Barbarians", altro attacco sfrontato a base di percussioni serrate e chitarre abrasive pensato al solo scopo di scatenare il pogo più selvaggio sotto al palco, esattamente come si faceva nel 1986. Il freno a mano viene parzialmente tirato solo con "War Fair", brano che sceglie di fare male puntando su un groove minaccioso, pesante e cadenzato, ma la sensazione d'aver preso una macchina del tempo e d'essere stati paracadutati quarant'anni indietro nel pieno della Bay Area o della Ruhr resta fortissima. Il resto della scaletta continua a sparare cartucce incandescenti senza sosta, regalandoci il ritratto di un gruppo che fonde la sporcizia del punk rock con la quadratura monolitica dello speed/thrash in un turbinio di energia goliardica e viscerale. 'The Art of Arson' è un manifesto d'odio e metallo rovente consigliato a occhi chiusi ai puristi della vecchia guardia e a chiunque consideri l'underground una questione di fede; gli amanti delle produzioni patinate e dei suoni perfettini sono pregati di girare al largo. Qui si pesta duro, e la fiamma dello speed metal brucia ancora altissima! (Francesco Scarci)

(Revolt Vynil Records - 2026)

Voto: 65

https://regiment-official.bandcamp.com/album/the-art-of-arson

Skumstrike - Flawless Intrigue from Hell

#PER CHI AMA: Black/Speed Metal

Il problema di certi dischi non è la mancanza di grinta, ma l'impressione perenne di stare ascoltando un karaoke estremo ben eseguito. Con il secondo album, 'Flawless Intrigue from Hell', i canadesi Skumstrike tornano a scatenare il loro micidiale ibrido di blackened, speed metal, il tutto condito da sferzate crust-punk, saccheggiando a mani basse dal catalogo dei giapponesi Sabbat e, soprattutto, dal repertorio sacro dei primi Slayer. La produzione esalta una resa sonora chirurgicamente sporca ma potente, dove i testi sviscerano il solito catalogo di nichilismo, satanismo da sbarco e desolazione apocalittica. Il trio picchia duro e sa come stare sullo strumento, ma il tasso di clonazione lungo la scaletta sfiora livelli di guardia preoccupanti. L'apertura affidata a "Death Reckoning" scaglia una scarica di energia primordiale guidata da accelerazioni serrate e chitarre affilate, impreziosita da una discreta linea solistica, ma l'impianto ritmico e i riff sono spudoratamente rubati di sana pianta a capolavori come 'Show No Mercy' e 'Hell Awaits' di Araya e soci. La successiva "Venomous Spiral" insiste sul pedale dell'acceleratore con cambi di tempo frenetici e riff stridenti che sanno drammaticamente di già sentito. Lo stesso dicasi per "Braise the Dead" che finisce per piazzare strutture scavezzacollo sparate a tutta velocità. Con "Mastery of Sin" il trio spara una sventagliata selvaggia che evoca nuovamente gli Slayer, spianando la strada alla title-track, dove le ritmiche veloci e rallentamenti sinistri vorrebbero mostrare un songwriting dinamico ma finiscono per girare intorno ai medesimi clichè. Il disco continua sulla falsariga fino alla chiusura, affidata alla cover di "Satanic Metal Fucking Hell" dei giapponesi Abigail, un omaggio selvaggio che chiude il lavoro con la conferma definitiva che di farina del proprio sacco qui dentro ce n'è davvero pochissima. (Francesco Scarci)

(Dying Victims Productions - 2026)

Voto: 58

https://skumstrike.bandcamp.com/album/flawless-intrigue-from-hell

Obscura Qalma - Immortality Through Ashes

Ascolta "Obscura Qalma - Immortality Through Ashes" su Spreaker.

#PER CHI AMA: Blackened Symph Metal

Li avevo incrociati nel 2024 tra le pieghe del loro EP 'Veils of Transcendence', e oggi li ritrovo con il nuovo 'Immortality Through Ashes': i veneziani Obscura Qalma sono tornati ad affilare le armi, perfezionando una spietata e cupa declinazione di black/death orchestrale. Se in passato li avevo accostati alle architetture sinfoniche di giganti come i Septicflesh, oggi ritrovo il terzetto nostrano cresciuto al punto da rappresentare una realtà invidiabile per la nostra penisola, dotata di un respiro e un'ambizione squisitamente internazionali. La resa sonora è maestosa e chirurgica, capace di imprimere un'ossatura imponente a tutto il platter: le chitarre di Sirius intessono riff scuri e geometrie magniloquenti, sorrette dalle frequenze abissali del basso di Theo, mentre il drumming di Res tesse una trama implacabile fatta di blast-beat devastanti e ripartenze sismiche. L'assalto si apre con "Aphasia: The Seventh Exile", traccia che scaglia subito una sventagliata frontale sorretta da sinfonismi sinistri e sferzate chitarristiche di pura ferocia. La successiva "Fire Tongues Speak Empty Words" spinge a tavoletta sull'acceleratore, fondendo l'impatto del death metal di matrice europea con trame vocali drammatiche e laceranti. In "Obsidian Numen" (a mani basse la mia traccia preferita del lotto) la band sciorina tutta la propria maturità compositiva tramite un riffing tagliente e cambi di tempo calibrati con millimetrica precisione. In tutto questo si pone ovviamente il growling possente di Sirius. La carica oscuramente sinfonica prosegue con "The Venomous Oracle", pezzo intriso di atmosfere opprimenti e arpeggi saturi di tensione, prima di sfociare nei ritmi serrati di "A Sepulchral Obsession", pillola di veleno puro della durata di poco meno di tre minuti. Con "Sapphire Epitaph", i tre tirano il freno a mano per adagiarsi su cadenze soffocanti e solenni, dove l'elemento orchestrale amplifica la matrice epica del brano. La travolgente "Hollow Bastion" alza ulteriormente l'asticella avvalendosi del featuring di Joe Sinclair (ex vocalist dei She Must Burn), la cui prova aggiunge dinamismo e una dose extra di acido a un episodio già di per sé dall'impatto devastante. A calare il sipario interviene la cupa e moderna "Anhedonia.exe", traccia che condensa in 2.45 minuti il sound proposto dai nostri, suggellando l'opera sotto un'ultima, densissima coltre di gelo sonoro, a segnare un importante e convinto passo in avanti nel percorso evolutivo del terzetto veneto. (Francesco Scarci)

(Dusktone Records - 2026)

Voto: 74

https://dusktone.bandcamp.com/album/immortality-through-ashes

Sansera - Soleil Noir

#FOR FANS OF: Black/Deathcore

Sansera is a quite new band as it was founded just six years ago in Jutland, Denmark. The Danish scene is not the most well-known, but it always delivers quality bands in very different subgenres. Sansera is led by the talented singer Frederik West Egerup, while other members have a lower profile on social media. From the very beginning, the band focused on modern subgenres such as deathcore and metalcore, although they enriched their sound with some black metal influences in the form of a layer that impregnates the band with a more atmospheric and darker touch. Breakdowns and pace changes are common, alongside very low-tuned guitars which are typical in genres like djent or thall. The first album, entitled 'Funeral for a Broken Mind', was a quite interesting first effort where these elements were already mixed.

Three years later, the band has suffered some line-up changes and tricky personal issues which have deeply influenced their new effort, an EP entitled 'Soleil Noir', where Sansera refines and delves deeper into the aforementioned core elements of its style. Both conceptually and musically, the new material is influenced by the difficult personal experiences endured, which makes the music sound more dramatic and emotionally intense. The songs of this conceptual EP are about remorse and tragedy, which fit perfectly with the band’s style. Production-wise, the EP sounds remarkably heavy and not particularly clean, as the guitars have a slightly filthy sound that makes the tracks sound even more brutal.

'Soleil Noir' consists of five intense and crushing tracks where the singer and leader Frederik displays a good range of brutal vocals, varying from lower tones to powerful screams. Pace-wise, the songs are also dynamic and varied. Just check out the EP opener "Altar of Ash", which begins with a tiny atmospheric intro followed by trademark low-tuned riffs and mechanical drums as part of a devastating mid-tempo section. It is also marvellously seasoned with captivating, sombre atmospheric sections. Pure fury erupts in the second half of the track with an unexpected blast-beat that could destroy any stage, as part of a heavy yet still pace-varied final section. Fury and dynamism are perfectly mixed, not a bad entrance to this excellent EP. "Beautiful Sin" has a strong industrial metal vibe, which I personally like. The band surely knows how to introduce cold and mysterious atmospheric arrangements that improve this already excellent second track. This is music made to be felt and, at the same time, to break your neck; I couldn’t ask for more. The final track, "In Silence", is a great closer as it summarizes all the main characteristics that define 'Soleil Noir'. Crushing riffs and powerful vocals alongside totally precise drumming work as one entity, creating a devastating wall of sound. As previously mentioned, atmospheric arrangements also play a major role, not in the frequency of their use, but in the way they define the overall sound. The excellent guitars are also used to this effect with a great result. This track even contains a nice solo, which is not the most common resource here, but it works perfectly well, enriching an already complex and multi-layered song.

'Soleil Noir' is definitely an excellent work by Sansera. The compositions are intense, crushing, and varied. The atmosphere is also a key element here, which definitely improves the final and highly satisfying result. Excellent job, guys. (Alain González Artola)

(Prime Collective - 2026)

Score: 83

https://www.facebook.com/SanseraBand/

The Pit Tips

Francesco Scarci

Starcontrol - Fragments
Talk to Her - Love Will Come Again
Threestepstotheocean - Death of Permanence

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Death8699

Arch Enemy - Stigmata
Armageddon - Captivity & Devourment
Carcass - Reek of Putrefaction

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Alain González Artola

Slytherin - Fall of Dumbledore
Sojourner - Gateways
Hulder - Verbolgen

Blodtår - Monark

#FOR FANS OF: Viking Black

The Swedish project Blodtår was founded in Stockholm back in 2019 by the Swedish musician Carl. His personal vision of the project was reinforced by the inclusion of the talented drummer H. Alarcon, initially as a studio member, although he became a permanent component later on. As we have seen in other interesting projects in Sweden or Norway, Blodtår successfully combines the anger and fury of black metal with a highly enjoyable influence of Scandinavian folklore and traditional music. The band’s music incorporates a captivating sense of Nordic melancholy and mysticism that enriches its compositions. Nature and history are obviously elements that inspire Blodtår, although both musically and visually the band’s essence is heavily influenced by artists like John Bauer or Theodor Kittelsen, among others. Lyrically, the band incorporates very personal themes like personal tragedies, mental issues, and spirituality that enrich its music, making it deeper and more unique.

After a very interesting debut effort entitled 'Det Förtegna Förflutna', which I highly enjoyed, Blodtår has returned with the always crucial sophomore album, an effort destined either to place the band among the most prominent projects of the scene or leave it as a one-hit wonder. Fortunately, the new opus 'Monark' contains all the elements that made the debut interesting, but with an even more inspired and refined result. This eight-piece album lasts no more than thirty-six minutes, but it is a remarkably enjoyable opus that represents perfectly what makes Scandinavian black metal so addictive. The mixture of fury, majestic melodies, and an undeniable folk-infused touch creates compositions that are unique pieces capable of pleasing the listener. The aforementioned melancholic touch is already felt in the initial chords of the self-titled opening track. The most acoustic sections truly breathe this trademark Nordic gloom, which is combined with speedy sections, cutting riffs, and enraged vocals that work perfectly well together. The iconic guitar melodies that capture the true essence of Scandinavian folklore are the icing on the cake. "Paradis" is another highlight of this album. From the very first notes, you can already feel that this melody will stick in your head, just as memorable songs manage to achieve. Once again, the aggressive vocals are a top-notch element that create a winning combo alongside the tasteful guitar lines. "Det Slutar I Lågor" is a track that introduces a truly iconic element: the Viking-style choir with powerful clean male vocals that really make the listener want to plunder a town. The composition goes way beyond that with hectic changes in pace and intensity, combining some of the most aggressive sections with genuinely majestic ones. The brief calm moments that can also be found here are a mere yet interesting prelude to the storm.

"Monark", the title track, is, on the other hand, a song that focuses on the aforementioned melancholy and drama. Even if you don’t understand the lyrics, you can feel the pain and the intensity of the feelings that the agonized vocals try to express. In any case, as happens with other compositions, the ups and downs in the pace, with a great contrast between different sections, are an effective resource used here as well. Blodtår successfully creates enriching pieces where, regardless of the core feel of each track, well-crafted musicianship is a must.

'Monark' is for sure a great album and a milestone in Blodtår’s career. The band has created a concise yet rich and inspired album that contains many highly enjoyable elements. The ingredients that make Scandinavian black metal unique can be found throughout this excellent album, and the result will certainly delight an increasing number of fans. Highly recommended. (Alain González Artola)

(Nordvis Produktion - 2026)

Score: 85

https://blodtar.bandcamp.com/album/monark

Les Chants de Nihil - Graines

#PER CHI AMA: Symph Black

I Les Chants de Nihil tornano a far sentire la propria voce con 'Graines', un lavoro intriso di quell'approccio avanguardistico, decadente e visceralmente poetico che da sempre contraddistingue la formazione transalpina. Il combo bretone continua a muoversi lungo quel sottile confine dove rabbia primordiale, trame melodiche dal retrogusto tragico e fascinazioni teatrali collidono. La produzione, curata nei minimi dettagli, lascia che ogni strumento emerga con nitidezza pur salvaguardando un'aura sporca e soffocante: le chitarre intessono intrecci dissonanti mentre la sezione ritmica varia da assalti feroci a cadenze ipnotiche e marziali. A coronare il tutto interviene una prova vocale poliedrica, abile nell'alternare uno screaming lacerante a declamazioni teatrali, cori solenni e passaggi recitati in lingua madre che accentuano il respiro narrativo dei testi. I brani si sviluppano attraverso strutture articolate e mai sbrigative. La cervellotica e violenta "Ignares" chiarisce subito le regole del gioco con un'aggressione frontale che concede tregua solo a digressioni atmosferiche, cambi di tempo imprevedibili e fendenti dissonanti che tentano di ipnotizzare l'ascoltatore, anche se con risultati alterni. Si passa poi a "Saigner", singolo apripista che mette a nudo l'impatto spietato del quartetto. In tutta onestà, avevo apprezzato maggiormente la band in occasione del precedente 'Le Tyran et l'Esthète' di cinque anni fa: non che questo nuovo capitolo non sia valido, sia chiaro, ma in alcuni frangenti affiora una leggera forzatura stilistica, con i nostri intenti a spingere sull'acceleratore a tutti i costi. La successiva "Garnies", per quanto più compassata nei tempi, risulta altrettanto brutale grazie a un basso che non fa prigionieri e a un sound via via più corrosivo. "Regains" viaggia su coordinate analoghe, partendo sorniona prima di esplodere in caustiche scorribande guidate da una sezione ritmica davvero muscolosa; eppure, pur sfoggiando un bridge più melodico, il pezzo non riesce a far scattare appieno la scintilla. La vera svolta arriva nella seconda metà del platter con il concept in quattro parti intitolato per l'appunto 'Graines', capace di risollevare nettamente le sorti del disco e spostare l'ago della bilancia verso un giudizio molto più positivo. Le aperture corali di "Graines I : L'imprégnation" rendono la proposta più atmosferica e dinamica, spianando la strada al soffio pianistico di novanta secondi di "Graines II : Le Temps Suspendu". È la prima pietra per la meditabonda "Graines III : L'étincelle Primale", autentico vertice dell'album e mio brano preferito in assoluto: un episodio eclettico, drammatico e lontano dagli schemi classici della band, dove le voci pulite s'innestano su sonorità poetiche e finalmente ispirate che deliziano il palato per quasi dieci minuti. La conclusiva "Graines IV : Pour un Ailleurs" chiude infine con veemenza che è ben distante dalle bordate dei primi brani, mostrando una band e un'opera finalmente ricca di sfaccettature. 'Graines' è un disco forse imperfetto e talvolta un po' ostinato nella prima parte, ma capace di regalare momenti di assoluta classe che faranno la gioia di tutti gli amanti del black metal francese più eccentrico e decadente. (Francesco Scarci)

(LADLO Productions - 2026)

Voto: 73

https://ladlo.bandcamp.com/album/graines

Sacreligious - Brutality Incarnated

#PER CHI AMA: Thrash/Death

Certi dischi nascono con il solo scopo di riempire le scaffalature dei collezionisti più compulsivi, e 'Brutality Incarnated', debutto sulla lunga distanza dei svedesi Sacreligious, sembra appartenere a pieno titolo a questa categoria. L'album si presenta come il classico minestrone riscaldato di death metal, thrash, black e hardcore, assemblato saccheggiando, senza troppi complimenti, il repertorio di icone come Slayer, Malevolent Creation e Bolt Thrower. La produzione sceglie la via di una patina volutamente sgranata e finto-organica, affogando il suono in distorsioni monolitiche, in cui chitarre sature, un basso profondo e una batteria che si limita a fare il compitino tra blast-beat scolastici e breakdown quadrati, fanno da passerella al solito, stancante growl abrasivo e gutturale. La perizia tecnica dei musicisti non si discute e le esecuzioni sono formalmente impeccabili, ma dietro questo sfoggio di muscoli si nasconde un deserto cosmico di idee. L'ascolto parte con i soliti clichè in "Thy End", traccia che sciorina plettrate veloci e ritmiche serrate viste e riviste un milione di volte, spianando la strada alle cadenze di "Vile", ennesimo polpettone basato su stop-and-go e tensioni dissonanti del tutto prive di mordente. La title track prova a fare la voce grossa flirtando con dinamiche thrash/death pensate a tavolino per scatenare il moshpit, ma il risultato finale ha il sapore di un pilota automatico inserito a inizio sessione. Con "Occasion for War" la band continua a sciorinare la solita minestra di riff marziali e battute serrate, seguita dai 120 secondi di "Hellscape", una scoppiettante ma del tutto irrilevante scarica hardcore/grind che vorrebbe sembrare nevrotica e finisce solo per risultare fine a se stessa. Potrei continuare ma sarebbe una valutazione pesantemente penalizzante per la compagine scandinava. Alla fine ci troviamo di fronte all'ennesimo prodotto da catena di montaggio che si limita a eseguire con precisione chirurgica la lezione dei padri fondatori, un ascolto riservato esclusivamente a chi accontenta la propria sete di metallo con la sola perizia esecutiva, lasciando che l'originalità resti un concetto del tutto sconosciuto. (Francesco Scarci)

(Self - 2026)

Voto: 50

https://sacreligious.bandcamp.com/album/brutality-incarnated

Psychotic Outsider - Armageddon

#PER CHI AMA: Groove Death/Hardcore

Quando gli Psychotic Outsider decidono di allineare i pianeti tra Irlanda e Polonia per dare alla luce 'Armageddon', non lo fanno per sottigliezze o sfumature: l'obiettivo è piallare tutto con una palla di demolizione sonora che impasta groove metal di peso massimo, sventrate death e la carnalità sfrontata dell'hardcore. L'ombra imponente di giganti quali Machine Head, Decapitated e Lamb of God aleggia evidente su un missaggio tirato a lucido che trasforma le chitarre di Piotr Michalik in lame da macelleria, mentre la campata di basso di Wiktor Klukowski e le martellate sismiche di Krystian "Kruszon" Mistarz mettono la moquette a una gabbia d'acciaio su cui il growl animalesco del frontman Darragh Jennings scarica rabbia pura. La partenza è affidata all'oppressiva "The End is Nigh", traccia che impone subito un'atmosfera claustrofobica tra riff serrati, un cantato viscerale e una coda al limite del doom che implora a gran voce un bel solo chitarristico a spaccare la tensione. La successiva "Crushed by a Black Horse" inserisce la marcia alta con groove sismici e break continui, confermandosi un macigno granitico dove, lo ribadisco a costo di sembrare pedante, l'innesto di una linea solista avrebbe spezzato la monotonia ritmica di fondo. Se "Vilify The Weak" tira dritta per la sua strada ostentando il muscolo più becero e hardcore della band, il singolo apripista "Welcome Oblivion" alza il coefficiente drammatico virando su un riffing death mid-tempo imbrattato di pece sludge. La furia s'inasprisce ulteriormente tra i cambi di tempo chirurgici di "Death by a Thousand Cuts" e l'introduzione a battito cardiaco di "White Phosphorous", brano sorretto da un basso stritolante e da ritmiche al limite del soffocamento. Il nodo cruciale del disco emerge però con chiarezza e si trascina inesorabile fino alla conclusiva title-track: una monoliticità di fondo granitica e quasi cieca. Gli Psychotic Outsider picchiano come fabbri ferrai e scatenano ritmiche spezzacollo senza concedere un secondo di respiro, ma la totale assenza di dinamica, combinata all'ostinato rifiuto di piazzare qualche assolo illuminante nei punti giusti, finisce per appiattire una proposta che alla lunga rischia di girare a vuoto. 'Armageddon' resta comunque un massacro consigliatissimo ai cultori di Bolt Thrower e sonorità prive di fronzoli, ideale per chiunque chieda al metallo estremo solo impatto sordo, groove monolitico e pura catarsi muscolare. (Francesco Scarci)

(Via Nocturna - 2026)

Voto: 64

https://www.facebook.com/psychoticoutsider/

Les Bâtards Du Roi – Ici Meurt Ma Joie

#PER CHI AMA: Medieval Black

Con il loro nuovo EP intitolato 'Ici Meurt Ma Joie', i transalpini Les Bâtards du Roi affiliano le lame per consegnarci un epico assalto di black metal melodico, venato di oscure suggestioni medievali, che richiamano la solennità tragica di connazionali quali Véhémence o Darkenhöld. La produzione curata da Ben Lesous bilancia, ad arte, la nitidezza moderna con la sporcizia viscerale: la batteria di Daemonicus pesta con blast-beat chirurgici ed echi dinamici, mentre le chitarre tessono intrecci affilati sorretti dal basso pulsante di Barron, bilanciando le urla laceranti di Regicide e il canto pulito solenne di Æni. L'immaginario lirico del disco declina un tragico nichilismo storico e cavalleresco, permeato dal declino e dalla perdita di speranza tipicamente medievale. Il brano d'apertura, nonchè title-track, apre le danze imponendo fin da subito un ritmo serrato guidato da riff affilati come baionette e screaming vocals, capace di evocare visioni di battaglie insanguinate e desolazione senza alcuna via di fuga. Nella successiva "Et la Nuit s'Êternise", il gruppo arricchisce la propria tavolozza sonora grazie alla guest star Agathe "Diffamie" Boulanger (Galibot) al microfono, integrando cosi atmosfere più malinconiche e teatrali che si sposano perfettamente con la struttura mutevole delle chitarre. A chiudere l'EP troviamo poi "Où Pourri la Lumière", un episodio più cupo, in cui la sezione ritmica va accelerando implacabilmente, intrecciando tremolo picking serrati a linee vocali abrasive (ad altre più epiche) che suggellano il completamento della discesa nelle tenebre. L'uscita dimostra una buona maturità compositiva e una precisione esecutiva priva di sbavature, peccato solo una durata esigua che si assesta a poco più di 13 minuti, per un packaging peraltro molto elegante. Un ascolto imprescindibile per chiunque nutra il proprio spirito con le sonorità intransigenti del metal nero francese di stampo epico-medievale. (Francesco Scarci)

(LADLO Productions - 2026)

Voto: 70

https://ladlo.bandcamp.com/album/ici-meurt-ma-joie

Gormoth - Leaves and Antlers

#PER CHI AMA: Black/Ambient

Tra le nebbie fin troppo fitte e stantie di una foresta che invece di incantare finisce per sonnecchiare, 'Leaves and Antlers' si rivela l'ennesimo ed estenuante capitolo solitario firmato Gormoth. Dietro il progetto si cela il prolificissimo Adam, polistrumentista magiaro dal catalogo sconfinato ma spesso troppo privo di sfoltimento, che qui tenta di vestire i panni del cantastorie per portarci il suo ambient black metal al limite della contemplazione fiabesca. Guardando con troppa devozione al canovaccio già stritolato da realtà come Lustre, Eldamar e Saor, il disco soffre prima di tutto di una produzione dilettantesca e impastata: chitarre zanzarose annegate in un riverbero quasi fastidioso si fondono con arpeggi banali e tastierine dal sapore casalingo, mentre lo screaming, confinato nei bassifondi del mix, sembra più il lamento sommesso di chi si è smarrito in cantina che un rantolo disperato di reale trasporto emotivo. L'infinito soporifero ha inizio con "Sorrowful Autumn Trees", traccia che vorrebbe evocare la caduta delle foglie ma che si adagia subito su arpeggi telefonati e synth vetrosi che ripetono lo stesso identico ciclo fino allo sfinimento. La successiva "Fallen Leaves Cover the Antlers" prova ad alzare i ritmi, rispolverando un tremolo picking impolverato e una batteria ovattata da una drum machine economica, ma la struttura resta drammaticamente piatta e priva di mordente, rendendo le grida dello screaming solo un sottofondo stancante. L'apice dell'estenuante stasi arriva con "My Miraculous Winter Stag", pezzo che rallenta ulteriormente le battute, affidandosi a tastiere sognanti che vorrebbero dipingere paesaggi glaciali e incantati, ma che finiscono soltanto per restituirci un pezzo privo di qualsiasi mordente. Il supplizio si chiude infine con la lunghissima "October Landscape", ipnotico si fa per dire tramonto sonoro, dove le distorsioni sfumano nel nulla tra campionamenti d'ambiente riciclati e una contemplazione che sa soltanto di pigrizia compositiva. 'Leaves and Antlers' è la classica operina casalinga, che si dimentica un secondo dopo essere arrivati in fondo. Per chi cerca davvero atmosfere fiabesche, avvolgenti e profonde, il consiglio è di virare altrove e lasciare questo disco a prendere polvere nella ridondante discografia del suo creatore. (Francesco Scarci)

(Self - 2026)

Voto: 55

https://gormoth1219.bandcamp.com/album/leaves-and-antlers

Hollow Bone – Onar

#PER CHI AMA: Psichedelia/Post Metal

Prosegue l'incessante esplorazione del sottosuolo da parte della nostrana Argonauta Records, discesa negli abissi più reconditi per portarci alla luce il secondo e inquietante manoscritto sonoro dei milanesi Hollow Bone. Il nome stesso della congrega evoca le formule rituali di Frank Fools Crow, celebre sciamano dei Lakota Sioux Teton, legato al mito dello "spazio vuoto" atto ad accogliere entità non umane. Intitolata 'Onar', dalla tremenda parola greca ὄναρ, l'illusione del sogno, quest'opera sprofonda nelle geometrie non euclidee di un sound sperimentale, dove le allucinazioni primordiali di Neurosis, Cult of Luna e Isis collidono con pulsioni psichedeliche ed echi ambient alieni. La registrazione, impressa in presa diretta con angosciosa nitidezza, cattura chitarre ritorte e dilatate, un basso che vibra dalle voragini della terra e ritmi ritualistici. L'allucinazione prende forma con "Amigdala", dove trame chitarristiche avvolgenti e crescendo abissali aprono la mente a paesaggi ciclopici e sognanti, spalancando i cancelli del sonno profondo. La successiva "Innocence" insinua una dinamica ipnotica che oscilla tra pause innaturalmente estese e improvvise deflagrazioni di distorsione cosmica, spianando la strada al collasso mentale simulato nella più compassata "Meltdown", traccia sferzata da frequenze sintetiche opprimenti e riff monolitici che sembrano sgretolare gli ultimi residui di sanità mentale. Con "Oceti", la band risveglia antichi spiriti tribali attraverso un basso pulsante e synth sacrileghi che evocano cerimoniali dimenticati, il tutto spruzzato di venature jazzy, mentre "Presence of Eagles" si erge verso vette di pura intensità catartica, spingendo le strutture post-metal al limite della trascendenza. Il tempo perde ogni significato lineare nelle spire di "Shasta", dove le atmosfere si fanno impalpabili e gelide, immobili come le cime delle montagne e quella che credo essere una voce femminile in sottofondo, funge in realtà da puro strumento di evocazione esoterica, in un rituale lisergico. In chiusura, la meditabonda "Wounded Knee" suggella il rito finale, attraverso arpeggi di introspezione abissale e chitarre dall'epicità funesta. 'Onar' non è un decisamente quello che definirei un semplice ascolto, ma è un grimorio sonoro destinato a chi osa avventurarsi in sonorità esperimentali, atmosferiche e soffocanti. (Francesco Scarci)

(Argonauta Records - 2026)

Voto: 70

https://www.facebook.com/hollowboneofficial/

Methane - Demolate

#PER CHI AMA: Thrash/Crossover

I nerboruti svedesi Methane scaricano sulle nostre teste 'Demolate', terzo assalto a 33 giri che puzza di sudore, birra stantia e quel feroce crossover anni Novanta proposto dai vari Pantera, Sacred Reich, Machine Head e Pro-Pain. La resa sonora è volutamente grezza e priva di fronzoli digitali: il basso sporco del cantante pesta sui timpani assieme alle chitarre sature e chiodate della coppia d'asce, mentre la batteria spinge a tavoletta sotto un cantato sguaiato e incazzato di pura estrazione hardcore. L'incursione si apre con le mazzate di "360° of Destruction", traccia che ci investe a colpi di riff affilati e cadenze serrate pronte a mietere vittime nel moshpit. "Alcoholocaust" non concede tregua, stritolando i padiglioni con un groove d'acciaio e strappi selvaggi ideati per radere al suolo le prime file sotto al palco. L'inizio ingannevole di "Research Chemicals" puzza di paranoia prima di esplodere in una corsa pazza e allucinata, spianando la strada all'impatto frontale della title track, un concentrato di pura adrenalina thrash metal dal gancio immediato. I quattro secondi dell'incursione "Karen" sono un vaffanculo al vetriolo che prepara il terreno per l'ossessiva "Get in the Coffin", macigno sorretto da ritmiche spietate e chitarre pesantissime. Con "King of Fallout" si torna a pestare i piedi su ritmi quadrati e cori sguaiati da urlare a squarciagola dal vivo, prima che l'orgia si chiuda con la bestemmia punk-thrash di "I Fuck for Beer", inno becero, dissacrante e privo di qualsivoglia velleità intellettuale. Tirando le somme: zero novità sul fronte occidentale, ma 'Demolate' è una scarica di violenza d'altri tempi consigliata a chiunque goda ancora col metallo rovente. (Francesco Scarci)

(Fireflash Records - 2026)

Voto: 64

https://methane.bandcamp.com/album/demolate

Brymir – What We Leave Behind

#PER CHI AMA: Melo Death

Ascoltate il canto del nord, ascoltate il ruggito che sale dalla terra dei mille laghi! Giunti al quinto sigillo della loro saga, gli eroici Brymir brandiscono 'What We Leave Behind', maestoso seguito dell'antico 'Voices in the Sky', forgiando nell'acciaio un melo death dalle tinte sinfoniche che profuma delle mitiche gesta di Wintersun, Ensiferum e dei leggendari Children of Bodom. Dai magici magli di Joona Björkroth scaturiscono riff acuti e taglienti come lame di ghiaccio, mentre il basso di Jarkko Niemi scuote le fondamenta del Sampo e la batteria martellante di Patrik Fält scatena la tempesta. Sopra questo oceano d'orchestre e tuoni, s'erge il growling feroce di Viktor Gullichsen, a cantare del destino degli uomini, del tempo che tutto divora, di guerre e di un domani cupo che attende la stirpe mortale. Il viaggio di sangue e magia ha inizio con "Slaying Star (Intro)", solenne incantesimo d'archi che spalanca le porte del cielo, prima che una arrembante ritmica travolga ogni cosa con "Sleipnir", cavalcata furiosa tra chitarre veloci e cori che invocano gli antichi Dei. La bufera infuria in "Tempestbound" (song per cui è stato anche estratto un video), dove battiti di martello e splendide melodie di chitarra mostrano la saggezza dei bardi scandinavi, spianando la strada alla title track, un turbine synth/sinfonico, in cui la rabbia del cantato si fonde ad un inseguimento di assoli d'incanto e di fuoco, mentre le vocals si sdoppiano tra il pulito dei cori e il graffiato del frontman. Si sprofonda poi nell'abisso con "True Darkness", dove oscure ombre di matrice black (con annessi ammiccamenti ai Dimmu Borgir) e ritmiche di granito avvolgono l'ascoltatore, fino a quando il breve respiro etereo e strumentale di "Moment of Silence", dona una tregua di pura poesia prima dell'ennesima battaglia. L'inno dei guerrieri risuona presto infatti in "Buried Legion", pezzo di pura tempesta, sorretto da riff quadrati e grida viscerali, mentre un altro breve preludio, "Thy Self the Highest Love", prepara l'anima all'ultimo grande scontro. Qui si erge "The Roaring King", un mid-tempo di suoni e cori epici che ruggisce tra spazi orchestrali, seguito dagli oltre sette minuti di "Broken Dawn", una summa di lacrime, tecnica e passione, dove la musica dei nostri s'innalza verso le stelle, spaziando tra melodici strali di chitarra, blast-beat, ritmi più compassati, assoli spettacolari e un cantato sempre evocativo. E quando la tensione sembra esser terminata e l'eroe aver posato la spada, ecco lo sfacciato incantesimo: "How Much Is the Fish?", folle rissa in metallo che stravolge la vecchia danza techno dei teutonici Scooter tra le risate dei bardi attorno al fuoco. 'What We Leave Behind' si consacra come un dono prezioso per chiunque brami il death melodico più arrembante e le grandi sinfonie del Nord. (Francesco Scarci)

(Napalm Records - 2026)

Voto: 78

https://brymir-napalm.bandcamp.com/album/what-we-leave-behind

Dawn of Demise - Feed My Absurdity

#PER CHI AMA: Brutal Death

Ci sono band che passano una carriera intera a inseguire l'avanguardia e altre che, semplicemente, preferiscono barricarsi nel proprio bunker di certezza scolpita nel granito: i danesi Dawn of Demise appartengono senza dubbio a questa seconda categoria, e 'Feed My Absurdity' ne è la riprova più granitica e testarda. La ricetta dei nostri non cambia di un millimetro, radicata com'è nella solita venerazione per la lezione dei soliti pesi massimi, Suffocation, Dying Fetus, Severe Torture e qualche puzza di zolfo in stile Morbid Angel, il tutto valorizzato da una produzione tirata a lucido, chirurgica e spessa come un muro di mattoni. Le chitarre sono rasoi sintonizzati su frequenze bassissime, la batteria picchia con una precisione quasi clinica e il cantato sfoggia quel cavernoso, viscerale growl d'ordinanza che sviscera l'infinita assurdità del degrado umano. La maestria esecutiva dei quattro è indubbia, e la riprova sta in un lavoro chitarristico tirato a lucido: gli assoli sciorinati lungo la scaletta sono autentiche perle di tecnica e gusto brutal, veri lampi di classe che emergono da un mare di metallo incandescente. L'apertura, affidata alla title track, mette subito in chiaro le cose a colpi di riff quadrati e controllo ritmico totale, spianando la strada alle accelerazioni a base di blast-beat di "Ominous". Il motore continua a girare a pieni d'olio con il sound monolitico di "The Essence of Extirpation" e il plettraggio ossessivo di "Reviving Demise", per poi piazzare il gancio con gli stop-and-go cupi e cadenzati di "The Immoral". La seconda metà del disco non sposta di una virgola l'inerzia del massacro. Intendiamoci bene, da navigato macellaio del genere non posso che alzare il cappello di fronte a una prova strumentale così impeccabile e a soli di chitarra di questo livello. Tuttavia, una volta spenti gli amplificatori, la sensazione di dejà-vu è semplicemente soffocante: in fatto di personalità e idee nuove qui dentro c'è il deserto assoluto. Alla fine, 'Feed My Absurdity' è un disco brutale, suonato con una perizia tecnica invidiabile se cercate la solita scossa d'adrenalina, ma se da un album pretendete anche solo un minimo briciolo d'originalità, vi conviene bussare a un altro portone. (Francesco Scarci)

(Unique Leader Records - 2026)

Voto: 62

https://uniqueleaderrecords.bandcamp.com/album/feed-my-absurdity

Miss May I – No Place for Me

#PER CHI AMA: Metalcore

Arrivare al nono disco mantenendo la stessa identica ricetta dei primi anni duemila è un'impresa che richiede una dose incrollabile di mestiere e una sfacciata faccia di bronzo: con 'No Place for Me', gli storici metalcorer dell'Ohio, Miss May I, si ripresentano come una macchina da guerra sonora tirata a lucido, pompata a dismisura e sintonizzata sulle frequenze nostalgiche di As I Lay Dying, Killswitch Engage e Memphis May Fire. La formula è quella solita, scolpita nella pietra da vent'anni: il basso di Ryan Neff e la batteria al silicone di Jerod Boyd erigono un muro d'aria su cui si scontrano lo screaming furioso di Levi Benton e i soliti, immancabili ritornelli in voce pulita alati e melodici, mentre le liriche scavano nel solito calderone fatto di ansia, alienazione e crolli emotivi. A livello di brani non ci troviamo di certo di fronte all'invenzione dell'acqua calda, ma la dose di groove che la band riesce a sprigionare dalle casse è indiscutibile. L'apertura affidata a "Sanctuary" tira subito fuori i canini con riff serrati e un breakdown spacca-ossa che va ad incastrarsi in un refrain corale pensato appositamente per far cantare i festival, spianando la strada alla furia cieca di "Portrait of Pain", una mazzata guidata da chitarre affilate come rasoi e rullate a rotta di collo. Le cose si fanno un filo più dinamiche quando "Hand Me a Halo" sceglie di flirtare con ammiccamenti nu-metal e pulsioni industriali ricche di un groove gommoso e trascinante, per poi cedere il passo alla tensione drammatica e carica di pathos di "Pray for Silence". La band torna a premere sul pedale dell'acceleratore con "Death Threat", pezzo che scatena riff sferzanti e un basso pulsante che profumano di Gothenburg-sound alla At The Gates e primissimi In Flames, mentre "Die on the Vine" gioca sul classico contrasto tra la violenza bruta delle strofe e un gancio melodico da mandare a memoria al primo ascolto. Il disco scivola via su un'altra dose di brani energici e ruffiani, non spostando di un millimetro i confini del genere, e credo non pretenda di farlo. Sicuramente è sorretto da una bella dose di energia, da una carica e da un groove così ben confezionati che è impossibile non muovere la testa a tempo. Un acquisto divertente per i fan sfegatati del gruppo e per i nostalgici del metalcore dorato dei primi Duemila; tutti gli altri possono tranquillamente tirare dritto e andarsi a riascoltare i classici dell'epoca. (Francesco Scarci)

(Solid State Records - 2026)

Voto: 68

https://missmayi.com/

Tungsten – Ashes

#PER CHI AMA: Power/Industrial/Hard Rock

Quando al timone c'è un veterano del calibro di Anders Johansson, uno che ha pestato le pelli per Yngwie Malmsteen e HammerFall, sai già che non si scherza in fatto di mestiere, ma con 'Ashes' i suoi Tungsten confermano che la voglia di divertirsi senza troppe pippe mentali è ancora al massimo storico. Arrivati al traguardo del quinto disco, gli svedesi perfezionano quella loro ricetta sfacciata che mescola power metal di chiarissima marca scandinava, tamarrate sintetiche da discoteca e riff ribassati che sembrano usciti da un generatore automatizzato di hit. Il sound è tirato a lucido da una produzione specchiata, chirurgica, dove chitarre affilate e batterie sbozzate al millimetro fanno da binario a un tappeto di tastiere invade-pista e all'estensione teatrale del cantante Mike Andersson, intento a declamare storie di folklore nordico, apocalissi imminenti e resurrezioni personali. Il luna park parte subito forte con "Joker", pezzo che spara in faccia riff granitici accoppiati a tastierine talmente giocose da risultare irresistibili, spalancando le porte a un ritornello che s'appiccica al cervello al primo ascolto. Se "Bite My Tongue" alza i giri del motore tra basi synth da rave e duetti vocali aggressivi, la vera sorpresa la piazza "Fuego Del Sol", che va a pescare imprevedibili aromi mediorientali raccordati a una sezione ritmica rocciosa e a un coro arioso da cantare a squarciagola. Il pop-metal di "Supernova" prepara il terreno alla geniale "Happy", brano che gioca tutto su uno stridente e sinistro contrasto tra un'atmosfera apparentemente scanzonata e una pesantezza marziale scandita da assoli che finiscono dritti sul pezzo. La band cambia di nuovo abito con le venature oscure e industrialoidi di "Ted The Exorcist", dimostrando che sotto le luci al neon c'è anche della sostanza, per poi piazzare il pezzo da novanta in "The North Will Rise": qui entra in scena Tony Kakko dei Sonata Arctica per un'esplosione di power sinfonico velocissimo e pomposo che farà impazzire i puristi del genere. Verso il finale ci pensa l'epicità folk-metal di "For Thee" a scaldare gli animi prima che la conclusiva "The Forge" cali il sipario incrociando riff profondi, echi industriali e spruzzi d'orchestra che accompagnano l'ascoltatore verso la fine della corsa. 'Ashes' non è un disco che vuole reinventare la ruota o prendersi troppo sul serio, ed è proprio questo il suo più grande punto di forza: un lavoro brillante, elettrizzante e zeppo di ganci melodici indirizzato a chiunque adori la caciara moderna di Battle Beast, Beast in Black e Amaranthe, senza avere paura di ammetterlo. (Francesco Scarci)

(Reigning Phoenix Music - 2026)

Voto: 72

https://tungstenofficial.net/

Noctule - Extinguish Thy Flame

#PER CHI AMA: Black/Death

Serena Cherry ha una passione sfrenata per i videogiochi, e chiunque abbia consumato le proprie notti nell'Interregno, sa bene quanto l'universo di Elden Ring si presti a diventare materia sonora per il metallo più magniloquente. Con 'Extinguish Thy Flame', secondo capitolo firmato Noctule, la poliedrica mente degli Svalbard, firma un lavoro che straripa di entusiasmo, passione ed energia pura, prendendo a schiaffi qualsiasi puzza sotto al naso dei puristi del black metal. Qui dentro, la matrice svedese e britannica del black melodico s'intrecciano con l'impatto trascinante del melo death e certi ganci sfacciatissimi quasi power/heavy, tirando in ballo i fantasmi di Winterfylleth, Enslaved e persino spunti sfrontati alla Trivium. La produzione è moderna, potente e tirata a lucido, perfetta per far risaltare il lavoro continuo delle sei corde, le rullate di una batteria sempre dinamica e soprattutto la prova vocale della Cherry, impegnata a sputare l'anima al microfono con quel suo screaming catartico ed espressivo che non molla un millimetro. L'introduzione malinconica di "Welcome to Limgrave" dura giusto il tempo di un respiro, prima di spalancare le porte del massacro melodico, spianando la strada alla furia cieca e trascinante di "Devour the Gods", un pezzo che stampa subito in faccia il modus operandi del disco a colpi di riff affilatissimi. Con "Lord of Blood" salgono in cattedra le frequenze basse e continui salti di tempo, lasciando poi che la complessa e maestosa architettura di "Grafted" stenda un velo di orchestrale epicità drammatica grazie ad armonizzazioni di chitarra davvero ispirate. Con "Goddess of Rot" la vocalist britannica preferisce tirare il freno a mano con un brano melodico e compassato che strizza l'occhiolino agli Alcest, mentre la successiva "Lament of the Omen King" opta per affondare il colpo con la rabbia del post-black. La mazzata frontale prosegue con la furiosa ma epica "Become My Blade Once More". Verso il finale, c'è ancora tempo per le dense melodie di "Age of the Stars" che stende muri di suono carichi di pathos, prima che la conclusiva "Hallowhorn Grounds" metta il punto esclamativo su un'opera che con le sue progressioni d'impatto viaggi dritta al punto, regalando un lavoro fresco, potente e dannatamente ispirato che farà la felicità di chiunque cerchi nel metallo estremo melodia, impatto e puro intrattenimento senza fisime concettuali. (Francesco Scarci)

(Self - 2026)

Voto: 74

https://noctule.bandcamp.com/album/extinguish-thy-flame

Namu - Wretched Spawns of Iniquitous Orders

#PER CHI AMA: Progressive Black/Melo Death

Illuminato da una visione cosmica tanto ambiziosa quanto concretamente a fuoco, 'Wretched Spawns of Iniquitous Orders' segna il debutto fulminante di Namu, progetto solista di base a Londra che, fin da subito, chiarisce di non voler fare da semplice spettatore nell'underground estremo. La creatura guidata dal poliedrico Toby Truman si muove in un'orbita affascinante, dove il progressive black s'intreccia al death melodico, il tutto condito da break atmosferici di pura matrice cosmica, richiamando, alla lontana, la maestosità di Enslaved e Borknagar o le allucinazioni spaziali di Mare Cognitum ed Oranssi Pazuzu, senza tuttavia mai scivolare nella sterile riproposizione. A sorreggere il tutto interviene una produzione ampia, nitida e soprattutto tridimensionale, perfetta nell'esaltare l'impatto dei classici blast-beat e dei tremolo picking, tanto quanto la delicatezza degli arpeggi acustici e le pulsioni di synth retro-futuristici che emergono con forza nei passaggi più alienanti. L'assalto parte con la cinematica e feroce "Catharsis in Stasis", una traccia che posiziona immediatamente l'ascoltatore in un vortice mentale di riff spietati, ma comunque melodici e in cui lo screaming del frontman graffia come una tigre in gabbia. Il tutto spiana la strada alla severa "Edict of Absolution" e alle vertigini più progressive di "Ineffable Constructs". Tra i pezzi migliori del lotto brilla "A Fold’s Gather", davvero un buon esempio dove far convivere una ritmica monolitica, momenti acustici e un groove di melo death di grande efficacia, seguita dalle gelide frequenze sintetiche e dagli ispirati strali di chitarra di "The Fibre Prismatic" (il mio pezzo preferito), a cui seguirà la furia sferzante di "Aberration of Light", impreziosita da assoli tecnici di eccellente fattura. La chiusura è affidata a "Triptych", una suite carica di stratificazioni vocali (quella pulita in stile Novembre) e spazi ritmici che per certi versi mi hanno evocato i Tesseract della prima ora, che vanno crescendo in un climax solenne, evocando l'ineluttabilità dell'invasione cosmica con una potenza visiva impressionante. Insomma, per quanto mi riguarda, questo debutto è un'opera che non cerca l'ortodossia ma regala una discesa affascinante e nitida nella paura dell'infinito, lasciando intravedere margini di crescita futuri che potrebbero portare il progetto verso vette ancora più inaccessibili. (Francesco Scarci)

(Self - 2026)

Voto: 72

https://namurtus.bandcamp.com/album/wretched-spawns-of-iniquitous-orders