Royal Blood - How Did We Get So Dark?

#PER CHI AMA: Pop Rock, Muse, Black Keys

Seconda manciata di roboanti riffettoni chitarristici (sì, però sono fatti col basso, sì, i Royal blood sono un duo, sì, come i Black Keys, sì, questo ormai lo sanno persino gli artropodi del pianeta Asturia) intrisi di quella (s)personalizzata epicità contemporanea relativamente a cui i Muse sono riusciti in qualche modo ad assurgere a massima incarnazione mondiale, alternati a coretti alt/pop yeeeeeee (cfr. il singolo "I Only Lie When I Love You") oppure uuuu/ouuu (la introduttiva nonchè title track "How Did We Get So Dark?"), a formare un pastiche provvidamente e radiofonicamente redditizio, eventualmente collocabile in the (black) keys of "Her Satanic Majesty Dan Auerbach" (sentite il falsetto di "She's Creeping" o quello più black di "Don't Tell") o vintag/giosamente assimilabile a certo revisionismo made in Nashville tipo un Jack White imbambolato nel museo Trousseau, a formare un pastiche, dicevo, che vi costringerà, dopo neanche trentacinque minuti di inconsapevoli dondolamenti cervicali, a porvi finalmente la domanda “How did they get so pop?” La risposta, amici miei, è lassù che soffia nel vento. Assieme alle onde FM e alle playlist di Spotify. (Alberto Calorosi)

(Warner Bros. Records - 2017)
Voto: 65

https://www.facebook.com/RoyalBloodUK/

Greytomb - Monumental Microcosm

#FOR FANS OF: Black/Doom

Black metal is not meant to be friendly and tame, as it demands to be wild and unpredictable. And that is what we totally get with this 2017 EP called 'Monumental Microcosm' from Australia's atmospheric black metal band Greytomb. The EP has those characteristics that fans of the black metal genre are looking for, but the thing is, even with all the evident strong BM traits that attract a wide number of fans in the extreme metal realm, it still lacks that impact that can separate it from the crowd of atmospheric black metal bands coming out these days.

The first listen I have with this EP, I already got the idea that this is gonna be one of those records where I am going to get caught in either loving it or hating it, so I gave the record a couple more spins to really get into their music. And after giving it a few more listen, I came to a conclusion that even with the number of positive elements found in this EP, it still is another garden variety record in the field of black metal music. What I do love about 'Monumental Microcosm' is its blasting drum section that it is close to the style of grindcore and that it is atmospheric yet it did not need the assistance of any keyboard to conjure the dense nihilistic undercurrent.

On the guitar section, the listeners are bound to adore the sheer heaviness of the doom riffs present here. These doomy guitar features will take you to a clandestine and cold place which is really satisfying for BM fans. This record is also loaded with stormy tremolo picking which gives each of the songs a more of a raw feeling and vibe into them. The guitar department also is surprisingly melodic even with that raw approach. Its melodies are very grim and menacing that it will evoke and stimulate the listeners with a feeling of going around in circles in a metaphysical sphere and otherworldly domain. These fervent yet melodic riffs are enthralling and it adds as a pleasing component to the competent side of the EP, but then again we can almost hear this in most records released under this genre.

The bass here is also in some measure audible and it certainly aids in generating that cloudy and profound atmosphere in the album, though it does nothing out of the ordinary. And yes, it does its job to beef up the whole resonance and it never really breaks out of the matrix. We now go to the pummeling and rapid-fire drumming that is one of the things that will attract attention to the audiences in the EP. It's insanely fast and the amount of blast beats found in here intelligibly brings a reminiscence of Greytomb's mastery in its former musical domain as Subterranean Drilling Machine.

Dysmorphic and obscure vocal delivery are what we would find when we talk about the vocal section in this album, with a variety of vocal techniques extending from low hair-splitting snarls to high pitched shrieks. This scornful vocal performance leaves an impression on some listeners, especially to those who are first timers in the black metal genre, but after a couple of spins, it will sound just like the platitude of vocal performances that we hear from the crowds of atmospheric black metal acts these days.

With all that said, Greytomb was able to deliver a capable and competent material with the release of their 2017 EP 'Monumental Microcosm'. However, even with some good and convincing factors present in the offering, the band wasn't able to turn the wheel and separate their music from the mundane horde of atmospheric black metal groups swarming both the underground and mainstream extreme music scene today. Yes, this album is good and at some point satisfying to the ears, but there is really nothing special and great about it. Maybe in future releases, Greytomb will finally get the ingredients right. (Felix Sale)

(Transcending Obscurity Records - 2017)
Score: 60

https://greytomb.bandcamp.com/releases

Regnvm Animale/Norn - Brinna/Brenna

#PER CHI AMA: Black/Crust Punk

Ho notato che gli split album nel mondo crust sono merce assai frequenti. Non mi meraviglia pertanto questa nuova release, targata Deutsche Bulvan Bolag, condivisa tra gli svedesi Regnvm Animale (che abbiamo avuto modo di conoscere nel Pozzo con il loro debut 'Et Sic in Infinitum') e gli islandesi, a me sconosciuti, Norn. Il genere proposto l'ho già anticipato: un crust miscelato al black metal. Cinque tracce a disposizione di ogni band per far capire chi è la più cattiva nella loro personale proposizione di 'Brinna' (degli svedesi) e 'Brenna' (degli islandesi), con quest'ultimo che è dedicato all'Universo 25 (che suppongo si rifaccia all'esperimento della fogna del comportamento, condotto nel 1962 negli Stati Uniti). Si parte con i Regnvum Animale e l'intro quasi country (credo sia un banjo quello che risuona nel mio stereo) di "Förhoppning". Nella seconda "Människan är Människans Varg", i nostri propongono la loro personale forma di crust melodico ed atmosferico, quasi fischiettabile (non me ne vogliano, ma io lo trovo un complimento) perchè la melodia mi si stampa nella testa e non riesco a levarmela di dosso. Ancora meglio la successiva "Våga se mig i ögonen", in cui le vocals disperate del frontman Jens si schiantano su di una ritmica sconnessa, quasi folklorica a metà brano, ma assai intrigante nella sua componente melodica e nei suoi strappi più estremi. La title track corre che è un piacere in una violenta miscela crust punk con la melodia di fondo in tremolo picking, che ha sempre forti richiami volti alla tradizione folk scandinava, con la stridula componente vocale che fa il suo sporco mestiere. Un pianoforte, si avete letto bene, apre a braccetto con delle spoken words, "I Doden", una traccia che va a pescare direttamente nel dark di primi anni '80 (penso ai The Cure di "A Forest"), grazie ad una voce pulita e darkeggiante. Bravi. Mi muovo sui Norn e qui il sound sembra apparentemente inasprirsi con una proposta che viaggia sui binari del punk black. "Hvitar Kjùkur" mette in mostra la propria versione di tremolo picking con un riffing e una melodia che scomodano un paragone inatteso con gli In the Woods del primissimo demo 'Isle of Men'. La voce è pulita, ma urlata, le chitarre belle impastate come da tradizione, alla fine per quanto lineare ed elementare possa essere la proposta della band di Reykjavík, mi convince. La sezione punk corre veloce anche nella successiva "Þúsund Rauð Ljós", fatta di ritmiche serrate oltremodo lineari, una sorta di Sex Pistols riletti in chiave crust. Il tremolo picking continua a fare il suo dovere nella più incasinata delle tracce, "Af Svörtum Álfum og Öpum Þeirra", per lo meno quella dalla chiusura più indecifrabile. Ancor più complicato poi, il finale affidato alla chitarra acustica di "Ábreiða" in una song che sembra derivare dalla tradizione folk nordica che spiazza non poco. Alla fine 'Brinna/Brenna' è uno split album ben riuscito che conferma quanto di buono avevamo già detto per i Regnvm Animale e che nel frattempo ci fa conoscere anche la musica dei Norn, orfani purtroppo da poco del bassista Vltimvs Diabolvs, deceduto a novembre del 2017. Due band decisamente da approfondire. (Francesco Scarci)

(Deutsche Bulvan Bolag - 2018)
Voto: 75

https://regnvmanimale.bandcamp.com/album/regnvm-animale-brinna-norn-brenna

The Pit Tips

Francesco Scarci

Kassad - Faces Turned Away
Kardashev - The Almanac
Maglor - Asunder

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Five_Nails

Norse - The Divine Light of a New Sun
Shroud Ritual - Five Suns
Oak Pantheon - From a Whisper

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Felix Sale

Omenfilth/Sulphurhaze - Veneration of Cruel Lust
Guerra Total - No left, No Right, Just Zombies in the Night
Rabies - Death Sentence to Mankind

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Alejandro "Morgoth" Valenzuela

Akercocke - Renaissance in Extremis
Incantation - Profane Nexus
Nile - Annihilation of the Wicked

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Alberto Calorosi

Major Parkinson - Blackbox
Les Lekin - Died with Fear
Closet Disco Queen - Sexy Audio Deviance for Punk Bums

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Matteo Baldi

Orca - Estinzione
Downfall of Gaia - Suffocating in the Swarm of Cranes
Radiohead - Com Lag

Grimtone - Memento Mori

#FOR FANS OF: Black Metal

Just in time for the first snows of the season, two man Swedish black metal project, Grimtone, released its first full-length album, 'Memento Mori', with all the raging winds and flying ice expected to prove itself as a raw and fitting addition to the plethora of newcomers honoring the roots of the style.

Blasting out of the gate with some shameless Immortal worship in “Souls Reborn in Hate”, it is clear enough that Grimtone promises to make up for its lacking inventiveness with aggression. Sure, Michael Lang has an aptitude for his instruments and plenty of stamina to hold down his blast beats, however it seems that the music as a whole would benefit from more input and outside ideas to push the instrumentation past its satisfactory simplicity into a more interesting dimension. While Linus Carlstedt provides vocals, it seems very likely that Lang is the main contributor to the band with control over every instrument, leading to a bottleneck of creativity. There are some good tremolo hooks throughout this album like in “The Blood of the Dead” and “Armageddon (Rise from Hell)”. Sadly, they end up reeled in by a constant background black metal blast. Between sparse cymbal breaks and blast beating, there is not much more going on in the lower register throughout the majority of 'Memento Mori', just an endless grim tumble of flat and atonal aggression that blends itself into a vanilla paste thick enough to paint a face and fill an average mold with the bare minimum.

I keep wondering, where is the shriek, where is the fear, where is the evil that I so desire between shrill and nearly inescapable riffs that sound as fearsome as they are destruction in the ears? Yet this band has nothing but a pathetic personae to push rather than a true sense of horror to isolate and explore. If you blast this album, you hear the same as you do when listening to it on a lower volume. There is nothing but a base system of banality driving this music that, while keeping a drum stamina, doesn't grab a church by the steeple and feed it to Satan's fire. If this band wanted to portray the oldschool, it simply kindergartens it and that is what makes this album so utterly inane and commercial an attempt.

Most disappointing is that the title track ends up sounding more like an 8-bit Bowser battle than a bombastic black metal offering and the guitars, held deeply in the background, sound exactly like the guitars in each verse of “Fields of Pale Limbs”. This production is perplexing. Either the band doesn't understand how the limitations of lo-fi recording equipment contributed to the releases of early black metal and its sound, namely the necessity for personality and definition through its minimalism, or the band just doesn't care because this album was clearly recorded on nice equipment and then mixed to sound awful, doing the music a disservice and simply coming off as contrived. Throughout six main songs, there is an average of one riff at best per song, not counting incessant repeating ideas that end up hammered into dullness by a damnable one-trick drum kit.

The biggest change in drumming comes in “Witch's Lair” where the percussion is allowed to build from a slow and sharp cymbal and snare combination to steadily rise in intensity. Where the majority of this album was hammering to the kvlt, Michael Lang does stretch out a bit on this track to help distract from the vocals and let a cymbal tap the tip of the tremolo. Bass and echo come in waves, falling with the guitars in a very literal and linear sound that yearns to take a next step into some sort of counterpoint. Grimtone is almost there in “Witch's Lair” but, to its own detriment, is unwilling to embark on that journey as they band plays it as safe as possible. Black metal is not a safe sort of music and I think Grimtone forgot that fact while trying to appeal to that same audience.

“Empress of Black Light” lines a riff right back up with the canon created by the title track, rounding out the majority of this album with its quick sawing that has become an all-too-familiar and unearned encore throughout these thirty-one minutes. In spite of a nice second riff that swings past the lead in a far more pleasing fashion, Grimtone fails to impress with too little too late. Like the actual style of memento mori, images taken of the dead during the days when photography was prohibitively expensive and most families' only pictures of their loved ones would be of corpses propped up after death for the occasion of a funeral, Grimtone may as well have left the old school to its own era and tried to do something slightly new. Sadly, 'Memento Mori' is another average and unnecessary underground attempt at homage without personality. Stiffness and mysterious minimalism do not always equate to grimness. Such a flat and unimpressive album merely shows this pair's own atonality and trite creativity in a realm so accustomed to innovation. Grimtone is likely to dwell among the likes of Framferd and Runespell. In a hall lined with identical statues and where the haunting echoes of 'who?. . . who?' glide past rafters upon which no owls care to perch. (Five_Nails)

(Self - 2017)
Score: 40

https://grimtone.bandcamp.com/releases

Chronic Xorn - For These Sins Who Must Die

#FOR FANS OF: Metalcore, As I Lay Dying

Chronic Xorn is a metalcore band based in Kolkata, West Bengal, India who had been around since 2007. Below is my review of their recent studio, 'For These Sins Who Must Die'. Now, there is a satisfactory element in this sophomore studio album, but no matter how committed the band's effort is in this release, it's still isn't a memorable offering because of the run-of-the-mill metalcore riffs and cliché metalcore breakdowns that are very much alike to those early As I Lay Dying records. Released by the band independently last December 18th of 2017, 'For These Sins Who Must Die' is their follow up to their 2012 debut "From Mercy". What this release offer is a material full of stocky palm mutes and hackneyed core-esque racing hooks.

The first thing I've noticed about this album is that every song sounds exactly the same and the songwriting is pretty poor and generic. Every track has that identical and typical metalcore riff followed by some generic swivel riff clearly stolen from 'Slaughter of the Soul' by At The Gates. For its 23 minutes of playing time, this formula is repeated over and over without offering anything absorbing and appealing along the way. Chronic Xorn, like most of their metalcore contemporaries, committed the most cliché mistake in the genre and that is having a poor and bad song structure. They literally sound like every generic metalcore band out there.

Outside from the fact that the listeners will get stuck with boring riffs, we are also showered with habitual breakdowns and a terrible trying hard death metal vocals. One can notice immediately that the band's vocalist sounds like one of those angry teenage kids uploading their 'how to do extreme metal vocal' videos on youtube to try and catch attention. There is absolutely no variation in his delivery and he gives every indication of the routine cancerous weak hipster death metal vocal conveyance. Bassline might be audible, especially in the melodic and soft parts, but the bassist doesn't do anything vindicating. He just follows the guitar and is pinned behind the whole time.

Chronic Xorn's drummer had surprised me with his performance behind the kit though. His drumming is pretty sufficient and it is good enough that it rises above the mediocre level. Dude has plenty of variation in his strike patterns and his pacing. The well-developed drum patterns that he was able to convey in here makes the audience expect something more than the dullness of the other instruments. I also do admire the production of 'For These Sins Who Must Die'. The album wins my favor with the fact that the production is pretty good and that all the instruments and layers are easily deciphered.

Though this sophomore studio release of Chronic Xorn has a few decent sections, it still fails to impress and it disappoints in so many levels especially when we talk about the all in all outcome of the offering due to its dreadfully repetitive and predictable song structure. From the guitar part, vocals, and lyrical themes; 'For These Sins Who Must Die' is just the same garden-variety metalcore music done again and again. Well, I guess some of you had already figured that out by just looking at the album cover. Yes, we can hear a room for improvement from this band, but they sure are in a long way for that. (Felix Sale)

(Self - 2017)

Score: 50

https://chronicxorn.bandcamp.com/releases

Maglor - Asunder

#PER CHI AMA: Epic/Pagan Black, Moonsorrow, Summoning

La mia ricerca spasmodica di musica mi ha portato questa volta a spingermi fino al Canada, a Calgary per l'esattezza, a scoprire questi Maglor, combo formatosi nel 2002 ma con soli due album fino ad oggi all'attivo. L'ultimo uscito è 'Asunder', che a distanza di cinque anni dal debut 'Call of the Forest', torna con le sue tematiche "tolkieniane" e con un sound atmosferico fortemente votato ad un folk metal di stampo pagano, che per tematiche e suggestioni cinematiche, potrebbe evocare gli austriaci Summoning, ma che in realtà ha uno stile tutto suo che evolve sin dalla lunga opener, "Fog in the Hills of Anor". L'inizio è affidato a tastiere e spoken-words, poi ad una leggiadra chitarra acustica a creare un'atmosfera in cui si respirano inevitabilmente magia e poesia, in cui l'unica cosa che suggerisco di fare, è chiudere gli occhi ed immaginare. Immaginare distese infinite di prati, colline e montagne impervie, viste con gli occhi del falco che sorvola queste zone, respirando la natura pungente e fredda dell'aria. Sarà l'incontaminato paesaggio che sovrasta la band o la loro sconfinata passione per Tolkien, ma tutto ciò si traduce nelle note di questa song iniziale, ove non è difficile percepire queste sensazioni. La susseguente title track si muove invece su una matrice sonora più elettrica rispetto all'opening track, laddove anche le vocals abbandonano il più evocativo stile narrativo per lanciarsi in uno screaming comunque controllato che già era emerso nella prima traccia. La musica, sempre impostata su un metal mid-tempo, trova maggiore ispirazione nella seconda metà del brano dove convogliano ben più forti le componenti mistico-folkloriche dell'act canadese e dove si colgono maggiormente le influenze del trio, che conducono in primis ai norvegesi Wardruna e poi ai finlandesi Moonsorrow. I Maglor a mio avviso rappresentano la sintesi perfetta di queste due band, abbinando sapientemente l'ambient folk dei primi, con l'epica e pagana irruenza dei secondi. "Woodfall" ha delle ariose linee di chitarra elettrica che s'intrecciano con la melodica acustica della sei corde, in un brano che mostra una progressione più metallica, pur non perdendo quel feeling magico che contraddistingue il sound dei nostri, soprattutto là dove un'eterea voce femminile canta in sottofondo in uno stile vicino alla Myrkur più magnetica ed evocativa. Notevole comunque il finale della traccia, cosi avvinghiato da un'aurea ancestrale in grado di ispirare soltanto pensieri di libertà. Con "Northern Clans" proseguiamo su queste sonorità, forti di una produzione equilibrata e cristallina che esalta i suoni di questa release. Aggiungete poi un altro sognante break nella prima parte del brano, delle melodie che chiamano in causa l'epica dei Bathory di 'Twilight of the Gods' ed un finale folkish ed il gioco è fatto, difficile alla fine non perdere la testa per un disco del genere. "The Mountain Grave" è l'ultima sog che lascia al suono delle cornamuse il compito di suggellare uno splendido album proveniente da meravigliose e ispiratrici terre lontane. (Francesco Scarci)

(Sounds of the Land Records - 2017)

Voto: 80

https://maglor.bandcamp.com/

Eneferens - In the Hours Beneath

#FOR FANS OF: Cascadian Black, Agalloch

Eneferens is a one man atmospheric black metal project, created at the beginning of 2016 by Jori Apedaile. Initially, he lived in Montana, where he took part in another atmospheric black metal band called Arkheon Thodol. Later, he moved to Minnesota leaving the initial project and deciding to create a new band, Eneferens. Since its inception, this new project has been pretty active, releasing two albums and one EP in only two years. Now it’s time to review his second effort entitled 'In the Hours Beneath', which was initially an independent release. Anyway, his work gained some interest and thanks to the excellent label Nordvis Produktion, decided to re-release it in 2017. From the very beginning you take a look to the album´s front cover, you realize what kind of music you are going to listen to. Eneferens moves undoubtedly in the realms of atmospheric black metal, but always trying to build a distinctive sound which makes the music very interesting. First of all, Jori uses profound death metal-esque vocals, instead of the typical black metal shrieks. I must say that his vocals are pretty consistent and they fit the music, although they are not the most usual ones in this genre. Moreover, he has no fear to add some clean and quite melancholic vocals, like in the opening track, “Ascension”. For some reasons, those parts remind me Agalloch (but also Italians Novembre/ndr), though I wouldn´t say that they are very similar bands. Those vocals plus the acoustic sections, give this release a quite melancholic feeling, which confirms what the aforementioned album cover promises. Another good example of it, is represented by the third track, “Morning”, which is one of the calmest tracks of the whole cd, with a slow pace, some acoustic sections and delicate clean vocals. 'In the Hours Beneath' is in general a not very fast work, as Eneferens prefers to create mid-tempo tracks with some very slow and heavy moments ("Chrysantheum", which suddenly includes unexpected fast sections). Another good example is provided by “Refuge”, which flows quite naturally between mid-tempo, slow and fast parts in a very well-done way. The guitars are indeed a true highlight of this work, playing a major role and being quite varied and very well executed. I couldn’t define them citing only one genre, I can feel influences from (obviously) black metal, but some parts can even remind death or post black metal influences. The slow nature of this work has also a slight touch of doom metal, mainly due to paused and deep sections always accompanied by Jori’s growls. His vocals are, as already mentioned, very well-done in both styles, being the clean ones the most original ones. Those vocals can disappoint the listener who wants a rawer and more classic stuff, but if you listen to them with an open mind, I sincerely think that they are fine and fit perfectly well the music. All in all, Eneferens second effort is a very solid release. Jori has tried to create a very personal album, which initially can be described as an atmospheric metal album, although it has some influences and twists which make it a distinctive work with an intense melancholic touch. Excellent stuff. (Alain González Artola)

(Nordvis Produktions - 2017)

Score: 85

https://nordvis.bandcamp.com/album/in-the-hours-beneath

Bereft of Light - Hoinar

#PER CHI AMA: Black Doom, Wolves in the Throne Room

Quello delle one-man-band è un fenomeno assai diffuso sbarcato ora anche in Romania. Ad esserne affetto è questa volta, Daniel Neagoe, mastermind dei Bereft of Light, interessante progetto black/death doom, prodotto dalla Loud Rage Music. Forte della sua esperienza in band quali Shape of Despair e Pantheis, giusto intanto a metter li due nomi forti del panorama funeral mondiale, il bravo artista rumeno si lancia con 'Hoinar', in una commistione di afflitte sonorità decadenti unite all'asprezza del black metal a stelle e strisce di stampo cascadiano. "Uitare" è una lunga intro strumentale dal forte sapore nostalgico, una di quelle melodie da gustare alla finestra mentre una piovosa giornata di novembre volge al termine. La pioggia battente prosegue anche nella lunghissima "Legamant", quasi tredici minuti di asperità black, spettacolari parti acustiche, cavalcate roboanti in stile Wolves in the Throne Room, rallentamenti doom, disperate harsh vocals e soprattutto splendide fughe melodiche che si manifestando sovrane nella seconda disarmante metà del brano, in un crescendo emozionale da brividi. Con "Pustiu" ci prendiamo una più lunga pausa strumentale all'insegna dell'ambient, guidato da una struggente chitarra acustica e da intimistiche melodie da brividi. "Freamăt" e la conclusiva "Târziu", ci riportano alle sonorità assai care al buon Daniel, sempre in bilico tra un death doom atmosferico ed un più ferale cascadian black. Nella prima però, la novità risiede nella proposizione di epiche vocals pulite (in stile vecchi In the Woods o Primordial) che fanno da contraltare allo screaming feroce del polistrumentista rumeno, ottenendo cosi un effetto a dir poco esaltante. I frammenti di chitarra acustica nella seconda metà del brano che accompagnano poi il cantato evocativo di Daniel, sembrano indurre volutamente uno stato distensivo nella proposta del talentuoso musicista, che vanta tra le sue collaborazioni, anche Eye of Solitude, Ennui e God Eat God (ma il numero di band in cui Mr. Neagoe milita è ben maggiore). Chiudiamo con "Târziu", forse la song più lenta e sofferente del lotto, che esibisce uno splendido (l'ennesimo) break acustico centrale, dai cui drappeggi, s'innalzano le tormentate voci di Daniel che decretano l'eccezionalità di questo album da applausi. (Francesco Scarci)

(Loud Rage Music - 2017)

Voto: 85

https://loudragemusic.bandcamp.com/album/bereft-of-light-hoinar

Kassad - Faces Turn Away

#PER CHI AMA: Black, Windir

I Kassad sono una one-man-band dedita ad un black metal abrasivo e sinistro. Fuori per la canadese Hypnotic Dirge Records, ma proveniente da Londra, l'artista che sta dietro ai Kassad mi ha impressionato non poco per la glacialità mista a melodia, della sua proposta, il cui risultato si riflette nelle sette tracce di questo 'Faces Turn Away'. Si parte fortissimo con il sound tormentato e spinoso di "Shame", selvaggio come pochi nella prima parte (e nell'ultima, con la riproposizione del refrain iniziale), notturna, raffinata ed oscura nell'estesa componente acustica della sua parte centrale, che traccia le coordinate stilistiche, all'insegna di un'ostentata ricerca di originalità da parte del mastermind inglese. La furia belluina continua nelle arcigne distorsioni sia ritmiche che vocali di "Pariah", una cavalcata epica, fredda, spettrale, stracolma però di un pathos avvincente e trascinante. Un'altra chitarra acustica ed è tempo di "Void", splendida nella sua evoluzione malinconica, a tratti tribale, sempre assai melodica, e con quella sua minimalista componente vocale narrativa posta su di un tappeto di riffs in tremolo picking. Tre soli minuti a disposizione di "Madness" per mostrare ancora l'epica ferocia, in stile Windir, di cui è dotato il misterioso musicista della city londinese. E poi ancora un turbillon di chitarre acuminate, il cui suono potrebbe essere paragonabile a tanti piccoli frammenti di vetro conficcati nella carne e alle grida di dolore che ne deriverebbero a toglierli. Il suono di un temporale, dei synth e siamo approdati a "Broken", dove la voce acida del frontman domina su di una ritmica pacata, atmosferica, pronta ad infuocare l'aria, che pare saturarsi di gas pronta ad esplodere; invece rimane bloccata in un magnetico incedere che ci accompagna senza paura ad affrontare la tenebrosa title track. Inquieta ed ansiogena, per quel suo immobilismo musicale intrappolato in un flusso nebuloso di suoni e harsh vocals. Ecco l'enigmatica "Face Turn Away" che idealmente chiude un album che ha ancora nell'ultima "Pulse", oltre nove minuti di suoni ambient che potrebbero rappresentare l'ideale colonna sonora per un film che francamente adoro, "K-pax" restituendo finalmente un po' di pace interiore dopo un assalto sonoro perpetrato per 45 minuti. (Francesco Scarci)

(Hypnotic Dirge Records - 2017)
Voto: 75

https://hypnoticdirgerecords.bandcamp.com/album/faces-turn-away

Samadhi Sitaram - KaliYuga Babalon

#PER CHI AMA: Death/Math/Djent, Dillinger Escape Plan, Meshuggah

I Samadhi Sitaram sono un terzetto proveniente da Mosca, approdati da poco alla corte della Sliptrick Records. L'intro di questo 'KaliYuga Babalon' è piuttosto fuorviante, complice una forte influenza della musica classica nel suo incedere, che mi porterebbe a pensare ad una proposta all'insegna di un melodeath di stampo svedese. La mattonata invece che mi arriva con "Kali-Yuga" mi pesa invece sulla faccia come un gancio tirato sulle ganasce dal buon Mike Tyson. L'attacco è isterico con le ritmiche che si muovono tra mathcore, djent e death, un po' come se sparaste alla velocita dei Dillinger Escape Plan, i Meshuggah. Chiaro il concetto? Se cosi non fosse, pensate che il finale infernale della song potrebbe ricordare il caos sovrano che regna in "Raining Blood", pezzo conclusivo del mitico 'Reign in Blood' degli Slayer. Passo oltre, smaciullato dalla potenza sonora di questi pirati del metallo: "The Death of a Stone" ha il riffone portante che chiama palesemente i Meshuggah, ma la porzione electro-cibernetica che popola il brano, permette al trio russo di prendere le distanze dai gods svedesi. Le convincenti growling vocals di IOFavn mi hanno ricordato invece lo stile del vocalist dei nostrani Alligator. Nel frattempo il cd non ha tempo da perdere e si lancia con "Apotheosis" in un'altra fuga roboante di ritmiche martellanti, sparate alla velocità della luce tra paurosi stop'n go e improvvise accelerazioni death. Interessante sottolineare il concept lirico che si cela dietro a 'KaliYuga Babalon', che tratta uno dei testi sacri della tradizione induista, ossia il dodicesimo canto del Śrīmad Bhāgavatam che anticipa l'avvento dell'età del Kali yuga e la futura distruzione dell'universo materiale da parte di Kalki, un discendente del dio Visnù, a causa del decadimento morale e spirituale in cui è sprofondata l'era attuale. Insomma, un messaggio alquanto tranquillizzante, eufemisticamente parlando. Detto questo, la devastazione prosegue anche con l'ipnotico preludio a "...Qliphoth", una song che tra melodie della tradizione indiana, riffoni dotati di uno spettacolare groove, la identificano come una delle mie preferite (insieme alla conclusiva, ancor più completa e "meshugghiana", "SHANGRI LA") nel lotto delle tracce qui incluse. Dopo parecchi pezzi di durata "normale" (tra i 3 e i 4 minuti), ecco un mostro di oltre 16 minuti ("Orgy - Ritual BABALON") che affida a delle sparatorie e ad urla disumane, i suoi primi due minuti. Poi, nelle sue note c'è un po' di tutto: deathcore, progressive, arrangiamenti da urlo, suoni cinematici, e un'infinita porzione di spoken words in russo che probabilmente si dilunga un po' troppo per i miei gusti. Un buon lavoro di certo, penalizzato però dall'inconcludente lungaggine di "Orgy - Ritual BABALON". (Francesco Scarci)

(Sliptrick Records - 2017)
Voto: 70

https://www.facebook.com/samadhisitaram/

One Last Shot - Even Cowboys Have Sundays

#PER CHI AMA: Southern/Alternative Rock, Motorhead

Circa un paio di anni fa scrivevo su queste pagine circa l'esordio dei One Last Shot, l'EP 'First Gear'. Possiamo dire che la band ha mantenuto la promessa di continuare il loro percorso e oggi abbiamo per le mani il nuovo full-length 'Even Cowboys Have Sundays'. La versione per il mercato si presenta in un digipack a due ante con booklet da otto pagine, mentre per gli addetti ai lavori la versione è più semplice, ma mantiene lo stesso artwork caratterizzato da una bella moto custom in copertina e una foto che ritrae la band in un momento goliardico di relax come retro. Il quintetto parigino presenta un sound in bilico tra southern e alternative rock contaminato da thrash e punk, un mix energico e di grande impatto che cattura l'ascoltatore dopo pochi riff con "The Gambler", la prima traccia del cd. L'intro strizza l'occhio a "Paradise City" dei G'N'R, ma le somiglianze si fermano qui e il brano prende forma e sostanza con power cord ed accelerazioni incalzanti. Il vocalist entra subito di petto e aggiunge pathos ad un brano che scorre bene, grazie anche alla sezione ritmica che non si risparmia, tuttavia un brano semplice e che sai già dove ti porterà dalle prime battute. "Hell Mariachi" cambia le carte in tavola e mescola sonorità e ritmiche dell'America centrale, del Messico appunto. I fraseggi di chitarra classica che accompagnano le strofe in spagnole ci scaraventano immediatamente in un bar dove ben presto gli animi si scalderanno per colpa della Tequila e dove cominceranno a volare bicchieri e ceffoni alla Bud Spencer e Terence Hill. Una canzone che allenta la tensione dell'album e mette in luce l'animo goliardico ma professionale del quintetto parigino. Dopo questo break, la band torna alle sue sonorità e sciorina "Live Fast And Die Young", un brano molto veloce, praticamente i Motorhead con suoni un po' più moderni, uniti a cori e progressioni a dismisura. Si chiude con un rallentamento per riprendere il tema iniziale prima di lasciare lo spazio al classico assolo di chitarra. Altri brani si avvicendano proponendo uno schema ripetitivo che porta l'ascoltatore a distrarsi, rischiando di perdersi una chicca come "We Don't Call 911". Dopo l'inizio lieve con arpeggi di chitarra, s'inserisce la sezione ritmica e il brano si gonfia contestualmente all'entrata della distorsione, per regalarci una traccia ad alto numero di bpm che pompa fiotti di adrenalina . "Thou Shall Be Drunk" cerca di essere una ballad romantica e malinconica, ma dopo poche battute, l'energia travolgente della band si fa strada e regala un'altra song ben fatta e piena di groove, come tutto questo 'Even Cowboys Have Sundays', del resto. Decisamente un album ben fatto che farà contenti tutti gli amanti del genere, da abbinare ad una bella birra ghiacciata mentre si lucida la moto, in attesa della bella stagione! (Michele Montanari)

(Self - 2017)
Voto: 70

https://onelastshotofficial.bandcamp.com/album/even-cowboys-have-sundays

Kval - S/t

#PER CHI AMA: Black Old School, Burzum

I Kval sono una nuova one man band finlandese, anzi no: il mastermind che sta dietro a tale monicker infatti, non è altro che colui che fino al 2015 guidava i Khaossos e questo album omonimo è, a dire il vero, la riproposizione di quel 'Kuolonkuu' che su queste stesse pagine abbiamo recensito, con la durata delle song leggermente più elevata. Difficile pertanto aggiungere qualche informazione addizionale ad un disco che, se fosse uscito nei primi anni '90, avrebbe dato filo da torcere a Burzum e compagnia bella, grazie, e riprendo le parole di quella recensione, ad una spettrale overture, e a brani successivi che si affidano ad un incedere ossessivo, tagliente e minimalista. Penso a "Sokeus", una traccia, che nei suoi oltre dieci minuti, mai accenna ad una accelerazione o ad una sfuriata che ne modifichi la sua desolante dinamica esistenziale. Un lavoro spoglio e tormentato che ha modo di mostrare dei tratti folklorici (ad esempio in "Harhainen") ma anche forti accenni di un disperato suicidal black (ascoltate "Kuolonkuu") che lo renderanno ai più un album ostico a cui avvicinarsi. Io, a distanza di quasi tre anni, mi confermo coerente con il voto che diedi alla primordiale forma di questo album dei Kval. Sofferenza allo stato puro. (Francesco Scarci)

(Hypnotic Dirge Records - 2017)
Voto: 70

https://hypnoticdirgerecords.bandcamp.com/album/kval

Omega - Eve

#PER CHI AMA: Black Siderale, Darkspace

Ci hanno impegato quasi cinque anni gli Omega a far uscire la loro prima fatica, tuttavia mi domando che bisogno ci fosse che tre dei quattro membri dei Deadly Carnage rilasciassero questo lavoro sotto mentite spoglie? Non poteva essere un nuovo lavoro dei Deadly Carnage stessi o forse gli Omega nascono in realtà come un progetto di Mike Crinella degli Ashes of Chaos? Mah, troppo mistero avvolge questa band e il concept del disco che trae ispirazione dal codice illustrato Voynich, scritto con un sistema alfabetico/linguistico ad oggi non ancora decifrato e le cui immagini incluse (piante per lo più) non sono ascrivibili ad alcun vegetale attualmente noto. Creato questo alone di mistero e suggestione (anche a livello grafico sia nella cover che nel booklet interno), ci mettiamo all'ascolto delle quattro infinite tracce che compongono 'Eve'. Da "Arboreis" a "Laudanum", il black proposto dagli Omega si pone con un sound estremo, dilatato e siderale, che nella sua progressione, avrà modo di lasciarsi contaminare anche da doom, ambient e death metal. Se devo dare qualche punto di riferimento da accostare ai nostri, direi in prima battuta gli svizzeri Darkspace, soprattutto per l'utilizzo di quelle atmosfere rarefatte e le screaming vocals effettate in background. Tuttavia il riffing, talvolta troppo ridondante, è palesemente di matrice death e questo potrebbe fuorviare l'idea che vi state facendo del disco. "Sidera" soffia come il vento glaciale dell'Artico, anzi la vedrei bene come colonna sonora per la serie TV 'Fortitude', ambientata nelle fredde e oscure terre delle isole Svalbard, e quell'aurea di mistero che avvolge la song, bene si adatterebbe al tema lugubre della fortunata serie TV inglese, complice anche una produzione non proprio cristallina. Il disco però soffre e si avverte forte quel senso d'inquietudine che trasmette e la voglia di andare oltre alla terza "Mater". Quello che avverto in apertura qui è una certa sensazione di ultraterreno, accentuata dal suono delle campane, dal battito del cuore e dal respiro affannoso di una donna improvvisamente interrotto. Il sound prosegue in maniera ancor più funerea, con un break centrale creato da delle campane che sembrano suonare a lutto. Quest'interruzione funeral gioca sicuramente a favore della traccia, rendendola più varia, atmosferica e pertanto più fruibile all'ascolto rispetto alle prime due, soprattutto perchè il brano procede successivamente con un approccio più melodico e dinamico che rende meno stancante l'ascolto di un lavoro che sottolineo essere estremamente ostico. Soprattutto quando ad aspettarmi ci sono ancora gli oltre 16 minuti di "Laudanum" e le terribili grida che aprono la traccia in un'atmosfera da film horror. La song in realtà divampa in un assalto black/death apocalittico, con le solite ritmiche spigolose, i break doom e le urla aliene che caratterizzano in generale 'Eve'. Insomma un disco complesso, arcigno, complicato, un lavoro non per tutti ma solo per pochi adepti devoti. (Francesco Scarci)

(Dusktone Records - 2017)
Voto: 70

https://dusktone.bandcamp.com/album/eve

Monolithe - Nebula Septem

#PER CHI AMA: Death Doom Psichedelico, primi My Dying Bride, Samael

Abbastanza peculiare, ma c'era da aspettarselo, la scelta dei francesci Monolithe di affidare al numero sette, la conduzione del loro nuovo capitolo, 'Nebula Septem': settimo album, sette canzoni della durata spaccata di sette minuti l'una, e le prime sette lettere dell'alfabeto come iniziali dei titoli dei brani contenuti. Sette d'altro canto è un numero speciale, che ha una valenza particolare tra gli altri, anche nelle religioni: sette infatti sono le virtù ma pure i peccati capitali. Sono sette le divinità mitologiche identificate dalla Cabala ebraica, mentre secondo il Corano sette sono i cieli creati da Dio, sette le terre, sette i mari, sette gli abissi dell'inferno e sette le sue porte. Vi garantisco che potrei proseguire all'infinito. E allora concentriamoci su questo lavoro dedito ad un death doom moderno che ha ormai dimenticato i (ne)fasti funeral degli esordi. Il sestetto parigino (peccato non abbiano assoldato un settimo membro almeno per questo disco) attacca con "Anechoic Aberration", song plumbea che continuerà a piacere anche ai più estremisti fan della band, quelli rimasti ancorati al funeral degli esordi. La scorza dei nostri rimane infatti bella spessa, edulcorata se cosi si può dire, da psichedeliche linee di tastiera e da chitarre più ariose che in passato, con le convincenti growling vocals del provvisorio Sébastien Pierre, minacciose e feroci quanto basta. "Burst in the Event Horizon" si mostra ancor più persuasiva dell'opening track, di sicuro suona più pomposa a livello di arrangiamenti, evocando per certi versi il fantasma dei My Dying Bride più ancestrali, e lanciandosi in un lisergico e paranoico giro di chitarra che ci accompagnerà fino alla terza "Coil Shaped Volutions"; originali devo ammettere anche i titoli dei brani che in un qualche modo ci riportano alle visioni interstellari dei primi lavori. Torniamo a focalizzarci sulla song ma soprattutto sui giri di chitarra che si prendono la scena nei primi due minuti della traccia, viaggiando poi a braccetto con le keys e le roboanti vocals del frontman. La melodia non manca, cosi come non mancano i repentini cambi di ritmo e gli assoli da incorniciare tra le migliori cose fatte in ambito doom negli ultimi anni. Certo, l'effetto che questi suoni hanno sul mio cervello, appare molto simile a quello di una paurosa sbornia e il successivo e terribile hangover che da essa ne deriva. Il sound prosegue nel suo incedere pomposo anche in "Delta Scuti" (forse la traccia più rilevante del disco insieme alla deliziosa stravaganza darkwave/electro-pop della strumentale "Gravity Flood"), complice forse un cambio a livello vocale (compaiono qui infatti delle appena percettibili clean vocals) e per una maggior enfasi attribuita alla componente chitarristica, ineccepibile peraltro lungo tutto il lavoro. A colpire qui è soprattutto una componente elettronica più marcata che esalta ulteriormente la riuscita di un brano che ha ancora da offrire un'epica progressione che ci prenderà per mano per condurci attraverso differenti umori e sensazioni, fino alla stralunata "Engineering the Rip". La proposta dei Monolithe si fa ancora più sperimentale e spumeggiante, con la compagine francese a voler emulare i Samael, prima di rientrare nei canonici binari dell'oscura espressione doomeggiante dei nostri; l'assolo finale però è da applausi. C'è ancora tempo di godere della musicalità spiazzante dei Monolithe con "Fathom the Deep", una canzone che a livello ritmico e di atmosfere, sembra essere più distante dagli altri pezzi ascoltati sino ad ora, affidando il suo incedere a spettrali tastiere e a raffinate e sensuali chitarre. Per coerenza con il simbolismo del disco, dovrei attenermi e dare un sette come voto conclusivo, ma credo che andrò oltre, interrompendo qui la concatenazione del numero magico sette e avviandomi invece verso il futuro incombente del numero otto, universalmente riconosciuto come il numero dell'equilibrio cosmico. Sono certo che ci sarà da divertirsi, non vedo l'ora. (Francesco Scarci)

(Les Acteurs de l'Ombre Productions - 2018)
Voto: 80

https://ladlo.bandcamp.com/album/nebula-septem

Sunddogs - EP

#PER CHI AMA: Heavy/Alternative Rock

Conobbi Peter Calmasini nel 1995 quando si dilettava ad essere il Kirk Hammett della situazione nei veronesi Aneurysm. Sono trascorsi 23 anni, un sacco di acqua sotto i ponti, tre album passati ahimé quasi inosservati al grande pubblico, lo scioglimento degli stessi nel 2013. Peter però è un tipo che non sa stare fermo e mosso dalla sua continua voglia di suonare, ha trovato in Mirco Beltrame, drummer dei Shelter of Leech, una valida spalla con cui iniziare un nuovo progetto, i Sunddogs. La collaborazione tra i due, coadiuvato dall'ingresso in formazione di altri tre elementi, ha portato a questo primo EP omonimo di quattro pezzi. Si parte con la criptica "Falling Down", in cui i riferimenti mi conducono, grazie alla linea vocale di Giuseppe Trovato, ai System of a Down. L'aria che si respira è decadente e malinconica, testimoniata anche dal fantastico assolo che ci delizia per quasi due minuti, con saliscendi ritmici che inneggiano alla New Wave of British Heavy Metal, il retaggio musicale del buon Peter, che alle chitarre si alterna con l'altrettanto bravo Matteo Faccincani. Mica male, soprattutto per la capacità di evocarmi tempi ormai andati. "Optimistic Ballad" ha un approccio più ruvido a livello di suoni di chitarra e le vocals qui mi convincono molto meno che nella opener, fatto salvo nella parte di quello che dovrebbe essere il ritornello. Il brano pur essendo semplice e lineare, sembra mancare di una certa fluidità e alla fine non mi scalda per nulla il cuore. Già meglio "Without Compromise", che sembra riprendere, almeno inizialmente, le medesime sonorità della opening track, per poi miscelare un alternative rock di scuola inglese (penso a qualcosa dei Porcupine Tree, con la pecca di non avere un cantante all'altezza di Steven Wilson, o anche i Muse), con un sound metallico che richiama a livello ritmico i Black Sabbath. Si arriva alla chiusura affidata al basso di Francesco Consolini che apre "Just Me", un'altra song oscura, in cui a mio avviso la voce del frontman andava tenuta ad un volume più basso; il rischio di sovrastare gli altri strumenti è infatti assai elevato, meglio invece quando assume le sembianze di un sussurro nel buio. Buono come sempre il lavoro alle sei corde, tra solismi vari e parti arpeggiate. Alla fine quello dei Sunddogs è un EP che ci fa capire per sommi capi, la proposta del quintetto veronese, ancora forse troppo confusa tra l'intraprendere una strada piuttosto che un'altra. Il tutto va sicuramente affinato, migliorato nelle parti vocali e reso un po' più sofisticato a livello ritmico, più che altro se si vuole uscire dalla notorietà di confini per lo più locali. (Francesco Scarci)

(Self - 2018)
Voto: 65

http://www.sunddogs.com/

Backtrack Lane – In Fine

#PER CHI AMA: Indie Rock, Incubus

Devo ammettere che preferivo l'aria più seriosa di 'Black Truth & White Lies', il precedente album dei parigini Backtrack Lane che si ripresentano in pista con un nuovo EP supportato dalla Dooweet Agency. Le doti vocali di Raphael Gatti sono indiscutibili e riconducibili allo stile di cantanti spettacolari come Chris Cornell e Glenn Hughs, e musicalmente la band poteva essere accostata tranquillamente al suono dei più recenti Soundgarden ma in questa loro ultima fatica, i quattro transalpini hanno optato, a mio parere forzatamente, verso una linea orecchiabile e radiofonica che ricorda le cadute dei Queen of the Stone Age nella loro ostinata e non sempre riuscita ricetta/ricerca pop rock. E così, dall'iniziale ottima apertura di "Fifteen Minutes" che fa da ponte perfetto tra i due stili adottati dalla band, ci si avvia verso un frizzante rock venato di blues e pop, ma demotivato e scarico della vecchia adrenalina. Intendiamoci però, mi manca la tensione e l'aggressività di un tempo ma la qualità è tutt'ora alta anche se rivolta ad una forma più sbarazzina di energico rock che fa il verso agli Incubus più trendy quanto ai bravi Kasabian, che loda i coretti dei Blur d'un tempo, trasformado il quartetto della capitale francese in una sorta di brit pop band dalle marcate venature hard blues ("Breaking the Rules"). Il disco è buono ed ascoltabile (fate partire "Underground" e capirete), ben fatto ed equilibrato, piacevole, senza pecche e se staccato dal precedente, risulterebbe proprio un bell'album. Idee nuove ce ne sono ma difficilmente riuscirò a mandar giù quella sottile aria ironica e scanzonata che invade tutto il lavoro, infatuato come sono del loro precedente cd. Questo è il mio modesto giudizio ma ciò non toglie che l'invito ad ascoltare questa release sia sempre valido e ne vale sicuramente la pena, soprattutto a chi cerca una buona dose di energia positiva e scoppiettante in salsa rock da ascoltare lanciato in macchina, magari un sabato sera. Aggiungo inoltre, che se questo EP è un primo passo per rivendicare il nuovo sound di una band che cerca un posto al sole nella musica indie internazionale, non posso far altro che costatarne il valore, dire che è un salto nella giusta direzione e augurare a questi ragazzi che il loro sogno si realizzi. (Bob Stoner)

(Dooweet - 2017)
Voto: 70

https://soundcloud.com/backtrack-lane/sets/in-fine

Last Leaf Down - Bright Wide Colder

#PER CHI AMA: Shoegaze/Alternative, Katatonia

Continua l'onda lunga proveniente dalla Svizzera, a conferma del brulicare di band che si muovono all'interno del territorio elvetico. Gli ultimi che hanno polarizzato il mio interesse (non posso certo dire gli ultimi arrivati in quanto la band è in giro ormai dal 2003) sono i Last Leaf Down, quintetto del Canton Argovia che ha catturato fin dagli esordi l'attenzione della Lifeforce Music, portando la band a rilasciare sotto l'egida della label tedesca anche questo secondo 'Bright Wide Colder'. Le coordinate su cui si muovono questi ragazzi sono quelle dell'alternative/post rock/shoegaze di scuola "katatonica", che si palesa già nella opener track, "Purple Skies", con riverberi di chitarre (ben 3!) che s'intrecciano, nel corso del brano, con la voce pulita e riflessiva del frontman Benjamin. La cadenza del pezzo è lenta (ma ciò varrà un po' per tutti i brani), a tratti sognante, sicuramente malinconica, ma questa alla fine sarà la peculiarità dell'ensemble di Beinwil. Con "Blind Mind", le influenze proveniente dagli ultimi Katatonia si fanno più importanti, soprattutto se pensiamo all'approccio vocale del comunque bravo Benjamin. La musica è ipnotica, suadente, notturna, intimista e non vede quasi mai accelerazioni che possano rompere l'architettura alquanto collaudata del combo svizzero. Tutto procede con una certa linearità di fondo, il che dimostra fondamentalmente che i pezzi funzionano, anche se quello che si può rimproverare all'act elvetico è forse una certa similitudine musicale lungo i 13 brani del disco. Francamente, avrei preferito qualche song in meno a fronte di una maggior ricercatezza sonora, ma qui stiamo facendo sicuramente i puntigliosi, visto che 'Bright Wide Colder' è comunque un buon lavoro che vede i suoi punti di forza nella parte centrale del cd. A partire dalla sesta traccia, "Cold Wind", triste ma efficace nelle sue decadenti melodie, per proseguire con "Existence", che richiama ancora Renkse e soci soprattutto nelle partiture vocali. Altra menzione va a "Suspire", probabilmente il mio pezzo preferito, criptica, tribale per quel suo poggiarsi su di una vertiginosa porzione di batteria e con quelle sue celestiali atmosfere che uniscono melodie eteree con una certa sapienza compositiva ed un ottimo songwriting. Si prosegue con "Not the Same", un pezzo che mostra a tratti un carattere più rude, pur mantenendo intatta la proposta musicale dei nostri, che si muove su pattern ritmici pur sempre emozionali. Niente male anche "Dust", con quel suo depressive rock assai convincente. Da qui in poi, il disco sembra perdere un po' di verve, ecco perché forse sarebbe stato meglio puntare su una manciata in meno di brani. Sia chiaro, non stiamo parlando di chiaviche di canzoni: se "Anything" evoca chiaramente gli Anathema, ma qui qualcosa manca a livello di fluidità del brano, le conclusive "Youth" e "Transcend" suonano forse un po' troppo ridondanti rispetto alle precedenti tracce. In definitiva, 'Bright Wide Colder' è un buon album che segna la seconda tappa per i nostri alla ricerca di una maggiore notorietà. Ben fatto, poteva essere fatto addirittura meglio, ma per questo sttenderei il terzo disco. (Francesco Scarci)

(Lifeforce Music - 2017)
Voto: 75

http://lastleafdown.ch/

Púrpura - Storm I

#PER CHI AMA: Post Metal

Progetto decisamente interessante quello del duo valenciano dei Púrpura, che pur proponendo in questo 'Storm I', un post metal, devo ammettere che questo non si rifà ai soliti nomi noti e il risultato conclusivo non può che beneficiarne. Solo cinque i pezzi a disposizione per 27 minuti, in cui comunque i nostri ne combinano di tutti i colori. Mi piace l'approccio di "Voices", traccia che apre il disco, vellutata nel suo incedere, pur risultando roboante a livello ritmico, con le vocals acide tipiche del post hardcore, a sbraitare nel microfono. Il sound è fosco, cupo, tribale, ma genera una tale goduria nell'anima che non ho fatto altro che ascoltarla e riascoltarla. Proseguo sempre più incuriosito con "Two Skies", song ancor più spinta verso le viscere della terra, se esistesse l'etichetta, direi che si tratta di una sorta di funeral post metal. Ma ancora una volta, il risultato finale è sorprendente e assai piacevole da ascoltare, cosi vario e pittoresco con quel continuo incrociarsi di un basso killer con la batteria dotata di un piglio ancestrale. Il fatto che non troppo spazio venga concesso alla voce e molto invece alle atmosfere mutevoli del brano e più in generale del disco, mi fanno godere come un riccio. Un bridge strumentale, "Disruption", e siamo ahimè già alla quarta "True God", l'ultima vera traccia dell'EP, visto l'esigua durata (2.28 minuti) della conclusiva "Remain". E analizziamola "True God": lunga apertura di basso, vera star del disco, e poi man mano inserimento di batteria e chitarra, in una song forse più lineare delle precedenti ma che comunque ha pur sempre qualcosa da dire e regalare ai sensi nel suo incedere forse un po' troppo asfissiante e marziale, ma che da metà brano in più, sarà in grado di cambiare registro e con le consuete variazioni di tema, tempo, mood, è in grado di offrire qualcosa alla fine di ricercato e personale. Bravi, però la prossima volta aggiungete almeno un altro brano altrimenti cosi godo solo a metà. (Francesco Scarci)

(Nooirax Productions - 2017)
Voto: 75

https://purpura.bandcamp.com/releases

Norse - The Divine Light Of A New Sun

#FOR FANS OF: Black Metal, Deathspell Omega, Xasthur

Few bands are able to completely capture a truly unnerving and dangerous aesthetic, let alone hold to it long enough to conjure ghastly paranoid entities twixt the snares. Norse creates such destruction in the ears of this listener that it sneakily unhinges the screams of past pains carried by the now deceased that continue to haunt the house in which I still reside.

Norse is an example of an Australian band on an entirely separate level. This down under duo explores the truly disturbing in the raw and brutal black veins of Xasthur and Benighted in Sodom with a twist that calls forth the unique dissonance experienced in Demilich's 'Nespithe'. Through fantastic production that accentuates a deep bombastic bass center, Norse employs the raunchy four-stomp Immolation rhythm in a grim and primal, at times tribal, atmosphere of disorientation. Discordant squelching guitar notes touch the timbres of your ears and tumble into the lowest parts of the register, feeling as though being hooked through the cheek and dragged to Hell by your ripping face. “Supreme Vertical Ascent” immediately contorts its elements of evil into a machinery of punishment that never lets go as grainy melody in the second riff yearns to embrace its beauteous notation, but is left displaced to dissonance. This deprivation occurs frequently through the album, as when the captivating and unusual opening to “Drowned By Hope” spaghettifies the mind in a singularity's pull to its avant-garde evacuation in the center of a fresh star.

“Telum Vitae” swims through its bass groove as though Lamb of God donned corpse paint to create black metal with hardcore chest-pounding tenacity. Through the immense build comes a theatrical take on breakdown beating while the bass rejoinder in the song's second movement creates an unmistakable measure of satisfaction to compliment its insane release of aggression. The vocals crackle through the center, bass curves upward in a hulking groan, and guitars and drums drown in a swamp of blending set to endlessly intoxicate an audience with such shameless sin.

'The Divine Light of a New Sun' flows and ebbs like a rusty swing set at an abandoned school, irradiated with malice and haunted by terror. Despite its dissonant core, this calamitous black metal assault combines well with its powerful low end to sound like a full and heady extreme metal release, as displayed in the end of the title track, the Gothenburg aesthetic opening of “Synapses Spun As Silk”, and in the proximity that “Arriving in Peace, Pregnant with War” holds to grindcore. Norse takes an approach that refuses to confine itself to one genre. Instead, the music naturally and organically mutates as it searches for the boundaries of its own intensity and technicality.

It's been a long time since I have heard such a legitimately unnerving and disturbing album, something that makes a spine quiver and adrenaline pump due to such a genuinely heinous sound that diminishes and drives its deprivation so destructively downward. It truly is a pleasure to feel such evil enter your ears and undulate under your skin, an intoxicating venom that exudes omnipotence. Norse has created quite the concoction in 'The Divine Light of a New Sun' and is sure to crush you in its immense and inescapable gravity. (Five_Nails)

(Transcending Obscurity Records - 2017)
Score: 85

https://norsemetal.bandcamp.com/album/the-divine-light-of-a-new-sun-dissonant-black-metal

Antigama - Depressant

#FOR FANS OF: Grindcore, Terrorizer, Napalm Death

Since I am working with the guys from The Pit of the Damned, I have been discovering bands that I haven't even had an idea existed. Some are good and some are bad, regardless, these new discoveries had given me the experience to expand my taste when it comes to extreme metal. Antigama, a grindcore band hailing from Warsaw, Poland, is one of the new bands that I had come across in this experience. As an extreme music enthusiast, I had also found a reason to love grindcore because of its aggressive, furious, and pounding musical assault. And Antigama is what grindcore music is all about.

After seven studio records and loads of split releases, the band had mastered the realm of the genre and had crafted numerous of killer materials since their creation way back in the year 2000. 'Depressant' is the band's third EP release, since 2012, and it was unleashed last November 9th of 2017 under the flag of Polish Selfmadegod Records. Musically, nothing on this EP is that superb in construction and execution. There is no technical guitar work present, no strenuous vocal lines found, and no intricate drum work provided. But who needs those in grindcore music anyway?

'Depressant' is just the right album for those of you who just want to go out there and start a fucking pit and have fun. The EP carries 19 minutes of pure grindcore standard quality pleasure. The guitar section in here is straight up built for a fucking destructive wall-of-noise onslaught. With its fast grinding riffs that have bits of standard death metal riffing and some mid-paced crusty Celtic Frost chugging that's catchy as fuck, these offering will fucking slay anything in its path. Now the tracks in this opus never really include too many riffs to them, as the band preferred working with 3-5 riffs instead, but the outcome of a grind material is always better this way as is shown in the result of this EP. Yeah, I am one of those who believes that riff quantity does not supersede the quality or memorability of a release.

Bass section's presence can also be easily noticed in this proposal. Sure, there is a distinct Napalm Death and Terrorizer influence in the manner of playing the bass, but Antigama took that bass line behavior to next level, as the sound is definitely way more down-tuned than in any other contemporary band in the genre these days. What the band produced here is a fuzzy wall of noise, but still, it sustains a sense of heaviness and wickedness. The drumming is also pretty satisfying to the ears. Drummer's blasts are tight and precise, and his double bass work during more mid-paced moments of the tunes, is also pretty indulging. Normally, one can get bored with the fast drum assault in grindcore, but the execution of the dude behind the kit here is quite precise. He knows his ability, and where he is good at, that he does not overdo anything which might ruin it all.

I also love the back-and-forth high-low vocal screaming and grunting of the band's vocalist. The frontman has that crude and rusty voice shrieking in the old punk fashioned way which conveys a primitive feel to the whole offering. It is the classic cherry on top of the cake, if I may describe it. The Ep's production is also splendid for a Grindcore release. It’s crisp, it’s easy to perceive, and the listeners can hear every instrument, especially the bass. Everything in 'Depressant' sounds great because of the solid production, unlike most EPs from grind bands these days, this album isn’t discordant or difficult to decipher. One can immediately distinguish each instrument and what they’re trying to do.

Concluding, Antigama had put out a fine example of a release with 'Depressant' that precisely defines what a good grindcore offering is all about. It's pretty fucking straightforward and the band did not exaggerate anything. I am really glad that I discovered the band, and I am quite excited to hear more from them in the future. If you fellas have not yet grabbed a copy of this EP, I suggest that you go and purchase a copy now. This is an excellent grindcore release that sick bastards, like me, will really enjoy. (Felix Sale)

(Selfmadegod Records - 2017)

Score: 80

https://selfmadegod.bandcamp.com/album/depressant

The Wake - Earth’s Necropolis

#PER CHI AMA: Swedish Black, Dissection, Unanimated, Cradle of Filth

In Romania, quelli della Loud Rage Music hanno un certo fiuto nell'assoldare le band. Dopo i Kultika, ma prima ancora Grieving Mirth e Bereft of Light, tanto per fare qualche nome, ecco arrivare il duo rumeno/teutonico dei The Wake, da non confondere con gli omonimi finlandesi di inizi anni 2000. I nostri, sotto gli pseudonimi V e XII, ci guarniscono le orecchie con il debut 'Earth’s Necropolis' e la loro miscela di black melodico che vede nell'incipit strumentale "Proem" un buon punto di partenza per fornire fuorvianti indicazioni dal sapore dark doom sulla proposta musicale della band. Quello che posso sottolineare è un approccio musicale che guarda alla scena black scandinava come punto di riferimento. Questo diviene però palese solo nella seconda "Isolated Illusion", song dotata di un sound tagliente e melodico quanto basta per scendere a facili paragoni con bestiacce quali Unanimated e Dissection. Buono l'apparato ritmico, sempre ben bilanciato tra glaciali sfuriate black e squarci pregni di melodia che smorzano la violenza intrinseca nelle note di questi due musicisti. I brani sono diretti, secchi e brevi: "Lost Painting" dura tre intensi minuti, una tempesta il cui elemento portante, oltre allo screaming belluino del vocalist, è sicuramente il basso. Si corre sui binari di un tumultuoso post black con "Cadavers", una traccia che nei momenti più oscuri e ritmati, ha un che dei Cradle of Filth nelle sue corde. Si procede spediti e si arriva alla più criptica "Ship Of Hope" che vede il featuring al microfono di Joshua Kabe Ashworth dei christian metallers americani Society's Finest. "The Painter Of Voices" è un altro pezzo convincente che ammicca alla scena svedese, mentre le successive ed arrembanti "Earth's Necropolis" e "Trial Against Humanity" vedono altre due partecipazioni eccellenti: Michael Pilat, ex dei The Ocean nella prima e Costin Chioreanu dei Bloodway nella seconda a dare il loro prezioso contributo. In definitiva, 'Earth’s Necropolis', pur non inventando nulla di nuovo, si propone come un disco interessante per gli amanti di sonorità abrasive ma melodiche in ambito estremo. Concluderei, elogiando la lugubre cover del disco a cura di Travis Smith che in passato ha prestato i suoi servigi a gente del calibro di King Diamond, Death, Opeth, Devin Townsend e Katatonia, giusto per citarne alcuni. (Francesco Scarci)

(Loud Rage Music - 2017)

Voto: 70

https://loudragemusic.bandcamp.com/album/the-wake-earths-necropolis

Kultika - Pursuance

#PER CHI AMA: Post Metal/Progressive, The Ocean, Riverside

Ecco una band che ho amato sin dal loro esordio, i rumeni Kultika. Accasatisi presso la Loud Rage Music, il quintetto di Timisoara rilascia un nuovo EP di due pezzi, intitolato 'Pursuance', come apripista ad un nuovo album schedulato per questo 2018. Un bel modo comunque per dire al mondo che la band è presente, è in forma e ha voglia di stupire. "Do You Want To See The Splendor" è la prima song, suadente, rilassata e atmosferica che per più di otto minuti ha modo di offrire le proprie melodie di pianoforte prima e di chitarra poi, attraverso un riffing convinto, riflessivo ed intimista, ed un intreccio vocale tra clean vocals, voci femminili e un growling davvero notevole. I punti di riferimento guardano ai teutonici The Ocean (anche come impianto vocale) soprattutto per quell'alternanza vocale che si muove lungo le ispiratissime linee di chitarra che trovano ancora modo di corazzarsi, gonfiarsi e spingere verso una cavalcata finale quasi al limite del post black, salvata tuttavia da orchestrazioni da brivido. Una song quasi da 10 e lode. Passo ahimè alla seconda e ultima "Unburden Me", un pezzo in acustico che mostra tutta l'eleganza di cui i Kultika sono dotati, complici una splendida voce maschile e delle atmosfere sognanti e raffinate che lasciano intuire una possibile svolta dei nostri verso lidi progressivi che ammiccano a Porcupine Tree e Riverside. I miei complimenti... (Francesco Scarci)

(Loud Rage Music - 2017)

Voto: 80

https://loudragemusic.bandcamp.com/album/kultika-pursuance